Creaciones

Coreografía: Leilane Teles
Música: Nzambi Kakala Ye Bikamazu, Muloloki e Para a Poetisa Íntima, de Tiganá Santana, e Mama Kalunga, de Tiganá Santana  con la voz Virgínia Rodrigues
Iluminación: Gabriele Souza
Vestuario : Teresa Abreu
Asistente de Vestuario: Priscilla Bastos
Duración/elenco: 20 minutos con 8bailarines
Debut SPDC: 2021 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brazil

Para concebir a Umbó, Leilane Teles parte de una premisa que bautizó como “la creación del deseo”, que habla del deseo de convertirse en quien se quiere a partir de una determinada referencia y cómo esta repercute en el cuerpo de cada persona. En este sentido, el acto de inspirarse también produce inspiración, generando un ciclo infinito. La cantante y compositora Tiganá Santana, la cantante Virginia Rodrigues y el coreógrafo Matías Santiago son el punto de partida de Umbó, que invita al público a apreciar y venerar las artes y trayectorias de estas personalidades, así como a los bailarines en escena y a todos los artistas involucrados en el diseño de la obra.

Coreografía: Antonio Gomes
Música: Valsas de Esquina, de Francisco Mignone (1897-1986), con orquestación de Rubens Ricciardi y grabación de la Orquesta del Theatro São Pedro dirigida por Cláudio Cruz
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario : Fábio Namatame
Duración/elenco: 37 minutos con 10 bailarines
Debut SPDC: 2021 | Theatro São Pedro, São Paulo/SP – Brazil

Inspirado en las Valsas de Esquina de Francisco Mignone, Antonio Gomes propone un baile atemporal a la luz de la luna, donde el ingenio y la nostalgia se encuentran con la jovialidad y el romanticismo, capturando la atmósfera efímera y sencilla de las serenatas, agregando elementos contemporáneos basados ​​en las huellas de la música popular ya presente en las composiciones.

Coreografía: Cassi Abranches
Banda sonora: Beto Villares,con la participación de Siba, Érico Theobaldo, Fil Pinheiro, Mauricio Badé y Julia Valiengo
Iluminación: Gabriel Pederneiras
Vestuario : Verônica Julian
Asistente de coreografía: Filipe Bruschi
Duración/elenco: 15 minutos con 8 bailarines
Debut SPDC: 2020 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brazil

Respiro evoca una pausa, un descanso o simplemente el acto de respirar. En esta obra, el coreógrafo se inspira en los sentimientos de pérdidas y ganancias percibidas por los bailarines durante la pandemia e incorpora elementos que parten de la plenitud de la meditación y estallan en un vértice del bienestar para suspender el presente de una realidad, en ocasiones asfixiante.

Coreografía, vestuario y iluminación: Stephen Shropshire
Música: Variations on a Rococo Theme, de Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893)
Duración/elenco: 17’50 ” con 8 bailarines
Debut SPCD: 2020 | Sérgio Cardoso Theater, São Paulo / SP – Brazil
Asociación entre The Dutch Performing Arts program of the Performing Arts Fund NL (Países Bajos) y Asociación Prõ-Danza / São Paulo Compañía de Danza

Stephen Shropshire debuta en el repertorio de São Paulo Compañía de Danza con Rococo Variations, obra dirigida por la canción Variations in a Rococo Theme, de Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893). En la creación propone una investigación de la relación de la danza contemporánea con el virtuosismo de la danza clásica a través de un diálogo directo con la música. Rococo Variations es el resultado de una asociación entre el programa holandés de artes escénicas del Performing Arts Fund NL (Países Bajos) y la Asociación Prõ-Danza / São Paulo Compañía de Danza.

Coreografía y Música: Esdras Hernández Villar
Iluminación: Nicolas Marchi
Vesturarios: Edmeia Evaristo
Duración y elenco: 3’15” con Daniel Reca
Debut por SPCD: 2020 │ Teatro Sérgio Cardoso, São PauloSP – Brasil

La obra es una invitación a adentrarse en el pensamiento de uno de los más grandes bailarines y coreógrafos del siglo XX, el ruso Vaslav Nijinsky (1889-1950), a partir de reinterpretaciones de las creaciones del artista, confinado tras un diagnóstico de esquizofrenia. Los fantasmas de su pasado artístico vienen a visitarlo por última vez para recordarle quién era y hacerle saber quién será en la historia.

Coreografía: Monica Proença y Jonathan dos Santos
Música: Lingering Darkness, de Logan Jones
Iluminación: Nicolas Marchi
Vesturarios: Yuk Dancewear
Duración y elenco: 3 minute with Letícia Forattini y Luiza Yuk
Debut por SPCD: 2020 │ Teatro Sérgio Cardoso, São PauloSP – Brasil

Dos coreógrafos, dos intérpretes, dos idiomas dentro de un mismo baile. La obra conecta a artistas presentes en tres países diferentes – Alemania, Canadá y Brasil – en un diálogo entre los lenguajes de la danza clásica y contemporánea.

Coreografía: Ana Catarina Vieira
Músicas: Suíte Sinfônica nº 2 Pernambucana (1955) y Ponteado (1955), de César-Guerra Peixe (1914-1993)
Iluminación: Wagner Freire
Vesturarios y accesorios: Marco Lima
Cenografía: Marco Lima, con imágenes de cuatro dibujos de Candido Portinari (1903-1962): Pipas (1942); Ilha de Paquetá, Circo y Desfile de Carnaval (1941), usado en ilustraciones del libro Maria Rosa (1942) de Vera Kelsey (Los derechos de reproducción de las obras fueron cedidos amablemente por João Candido Portinari)
Asistente de coreografía y e vesturarios: Cesar Bento
Dramaturgía: Vivien Buckup
Ejecución de vestuario: Judith Lima (macacões), FCR Produções Artísticas (demais figurinos e adereços)
Duración y elenco: 20 minutos con 10 bailarines
Debut por SPCD: 2020 │ Theatro São Pedro, São Paulo/SP – Brasil

Primera creación de la coreógrafa contemporánea Ana Catarina Vieira para São Paulo Compañía de Danza, Aparições está inspirada en las obras de Candido Portinari, César Guerra-Peixe y bailes populares del noreste de Brasil. El vestuario y los elementos escénicos de Marco Lima amplían el gesto en el espacio. Y la luz de Wagner Freire dialoga con los diversos elementos que contribuyen a la dramaturgia de la obra. Aparições -nombre que hace referencia al poema homónimo de Portinari-, trae imágenes de Brasil de manera poética y con mucha libertad creativa.

Coreografía: Goyo Montero
Música: Owen Belton
Iluminación: Nicolas Fischtel e Goyo Montero
Vestuario: Goyo Montero e Fábio Namatame
Organización: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (Espanha)
Duración / elenco: 25 minutos con 14 bailarines
Debut SPCD: 2019 | Teatro Municipal Castro Mendes, Campinas/SP – Brazil

Anthem es la primera creación del español Goyo Montero para una empresa brasileña. El trabajo trae una reflexión sobre el proceso de construcción y deconstrucción de identidades colectivas. Según el coreógrafo: “Hay ciclos en los que repetimos los mismos errores, pensando que estamos separados, que somos diferentes cuando, en realidad, todos somos un grupo, la humanidad; y en el momento en que perdemos este impulso, comienzan los problemas. Este es un rastro de la historia humana”.
El puntaje es del canadiense Owen Belton, con quien Goyo ha creado más de nueve piezas. La inspiración de la canción proviene de canciones que se convierten en himnos, ya sea de naciones, personas con preferencias similares o individuos de la misma generación. Por lo tanto, el nombre elegido para el trabajo: Anthem, himno en inglés. Para Montero, “La voz humana se convierte en una canción y esta canción se convierte en algo con lo que nos identificamos”.

Coreografía y iluminación: Édouard Lock
Composición musical: Gavin Bryars, interpretado pelo Percorso Ensemble (Director Musical de Percorso Ensemble: Ricardo Bologna I Músicos: Adriana Holtz (cello) I Douglas Kier (cello) I Horácio Gouveia (piano) I Joana Queiroz (clarín) I Pedro Gadelha (contrabajo))
Vestuario: Ulrika Van Gelder (vestidos)
Asistente de Vestuario: Edmeia Evaristo (corsets)
Duración/elenco: 50 minutos con 14 bailarines
Debut SPCD: 2019 | Teatro Hafen 1, Wolfsburg/Germany
Produciton Associação Pró-Dança / São Paulo Dance Company y coproducción Moviments Festwochen der Autostad, en Wolfsburg, Alemania

Movimentos ligados a operas icónicas y sus memorias colectivas y desconstruidas, la suavidad abandonada gradualmente para la entrada en un terreno nihilista, reflexionando tanto una visión más sombría de las pasiones expresadas en esas arias cuanto la fragmentación de la utopía social que les dió origen. Una danza como el viento en la hierba entre el crepúsculo de la noche. Trick Cell Play es la segunda obra del coreógrafo para la São Paulo.

Coreografía: Cassi Abranches
Música: Sebastián Piracés
Iluminación: Gabriel Pederneiras
Vestuario: Janaina de Castro
Duración / elenco: 20 minutos con 12 bailarines
Debut SPCD: 2019 | Teatro Estadual de Araras, Araras/SP – Brazil

La tercera creación de Cassi Abranches para la São Paulo explora la palabra tiempo en sus posibles significados: aspecto musical con dinámica y sonoridades; Aspecto cronológico con recuerdos y expectativas, temperatura con diferentes grados e intensidades. El coreógrafo esculpe los movimientos en el cuerpo de cada bailarín a partir de los ritmos musicales del tema compuesto por Sebastián Piracés, que utiliza elementos de batería y percusión afrobrasileña, mezclados con el rock y el cante contemporáneos.

Coreografía: Jöelle Bouvier
Música: extractos de Bachianas Brasileiras de Heitor Villa Lobos, extractos de Pasión Según San Mateo de Johann Sebastian Bach, Melodia Sentimental de Villa Lobos (letra de Dora Vaconcellos) y poema Pátria Minha de Vinícius de Moraes
Iluminación: Renaud Lagier
Vestuario: Fábio Namatame
Asistente de coreografía: Emilio Urbina y Rafael Pardillo
Duración / elenco: 37 minutos con 14 bailarines
Debut SCD: 2018 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brazil
Production Associação Pró-Dança/São Paulo Dacen Company and coproduction Chaillot – Théâtre National de la Danse (Paris/France)

Odisseia es un viaje, un reencuentro consigo mismo. Movido por la cuestión de los migrantes de la actualidad, la coreógrafa construye una estructura dramática y poética que aborda temas como mudanza, transición, partida y la esperanza de una vida mejor. “En este momento, somos todos sensibles a esta cuestión, que es fuerte en el mundo.”, comenta Joelle. Bouvier explica que buscó mezclar fragmentos de las Bachianas Brasileiras con la composición de Bach, Pasión Segun San Mateo. Al final tenemos en la voz de Maria Bethânia, la música Melodia Sentimental y el poema Pátria Minha. La obra tiene coproducción con Chaillot – Théâtre National de la Danse, en Francia.

Coreografía e iluminación: Henrique Rodovalho
Música: Creación original de Pupillo con la voz de Céu
Vestuario: Cássio Brasil
Duración / elenco: 21 minutos con 14 bailarines.
Debut SPCD: 2018 | Sesc Santos, Santos/SP – Brazi

Rodovalho comenta que en este trabajo prueba movimientos expandidos y continuados a partir de la relación de los bailarines que permanecen todo el tiempo en escena. “Las referencias sobre esta característica vinieron de grandes grupos de animales en movimiento y como se desarrollan y se relacionan”, dice el coreógrafo. La obra trata sobre ‘lo que tiene que suceder’, en este breve espacio de tiempo de existencia de este gran grupo, relacionado principalmente a algún tipo de placer. Por eso, el nombre Melhor Único Dia. “Para intentar traducir, de alguna forma, la corta existencia que se expresa por medio del movimiento en grupo”, completa Rodovalho. Esta obra fue electa como Tercer Mejor Espectáculo por la Guia de Folha (2018) y como Mejor Estreno de 2018 por el Premio APCA.

Coreografía: Jomar Mesquita con colaboracion de Rodrigo de Castro
Música: Por Toda a Minha Vida, de Tom Jobim y Vinícius de Moraes (cantada por Cibelle); Melancolia y Uma Canção pra Você (Jaqueta Amarela), de Assucena Assucena (ejecutada por As Bahias y la Cozinha Mineira); Segunda Chance, compuesta y ejecutada por Johnny Hooker; Volta, de Lupicínio Rodrigues (cantada por Adriana Calcanhoto); O Desejo do Desejo do Desejo, de Celso Sim y Pepe Mata Machado; Vai Saber, de Adriana Calcanhoto cantada por Marisa Monte
Iluminación: Joyce Drummond
Vestuario: Fernanda Yamamoto
Duración / reparto: 27 minutos con 12 bailarines
Debut SPCD: 2016 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brazil

Ngali… tiene como referencia la pieza teatral La Ronde, de Arthur Schnitzler – escrita en 1897 – la obra retrata diferentes relaciones amorosas que incluyen un tercero – y trae elementos da danza de salón para retratar las diferentes formas de amar. Ngali es una palabra de origen aborigen de la Australia Occidental, cuyo significado, sin correspondiente en otro idioma, es: “nosotros dos, incluyendo a ti”. En oposición a otro pronombre de la misma lengua – Ngaliju – que quiere decir: “nosotros dos, excluyendo a ti”.

Coreografía: Márcia Haydée
Música: Ludwig Minkus (1826-1917) and Norberto Macedo (1939-2011)
Iluminación: José Luiz Fiorruccio
Vestuario: Tânia Agra
Escenografía: Hélio Euchbauer, with eight drawing images of Candido Portinari (1903-1962)*
Duración/elenco: 90 minutos con 36 bailarinos
Debut SPCD: 2015 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil
*Los derechos de reproducción de las obras fueron gentilmente cedidos por João Candido Portinari.

Es una obra colorida, vibrante y con mucho humor. El ballet cuenta las aventuras de Don Quijote, un soñador visionario, que se dispone a combatir “el error, lo falso y el mal de mil semblantes” y encontrar su dama perfecta Dulcinea; y la historia de amor casi imposible de Kitri y Basílio, una vez que ella estaba prometida por su padre a Gamache, un rico comerciante. Cantoneses, toreros y gitanos ayudan a componer a la obra. Con la complicidad de Don Quijote, el casamiento de los apasionados se realiza y es conmemorado por todos. Don Quijote es uno de los ballets más populares en el mundo todo. La versión especial de Márcia Haydée para la São Paulo Companhia de Dança mantiene algunos momentos reconocidos de esta obra – creada originalmente por Marius Petipa (1818-1910) en 1869 e inspirada en un capítulo de la obra de Miguel de Cervantes (1547-1616) con música compuesta por Ludwig Minkus (1826-1917) – al mismo tiempo en que las actualiza con escenografía de Hélio Eichbauer y diseños de Candido Portinari (1903-1962), vestuarios de Tânia Agra, luz de José Luiz Fiorruccio, composiciones de Norberto Macedo (1939-2011) y poemas de Carlos Drummond de Andrade (1902-1987). Una obra para encantarse y apasionarse.

Coreografía: Jomar Mesquita con colaboración de Rodrigo de Castro
Música: Te amaré e Después (Silvio Rodrigues), No Se Nada (Rodrigo Leão), Tema Final (Cris Scabello) y As Rosas Não Falam (Cartola y Grupo Planetangos)
Iluminación: Joyce Drummond
Vestuario: Cláudia Schapira
Duración/elenco: 21 minutos con 8 bailarines
Debut SPCD: 2012 | Teatro Geo, São Paulo/SP – Brazil

Mamihlapinatapai muestra el deseo de una relación entre el hombre y la mujer. Una mirada compartida por dos personas, cada una con ganas de que el otro pueda tomar una iniciativa para que algo suceda, pero ninguno de ellos funciona. Esto está destinado a Mamihlapinatapai, palabra indígena originaria de la lengua yagán, una tribu de la Tierra del Fuego. El coreógrafo Jomar Mesquita utiliza elementos desconstruidas de bailes de salón para crear la pieza.

Dirección Artístico-Pedagógica de la Asociación Santa Marcelina: Paulo Zuben
Responsable Artístico de la Asociación Santa Marcelina: Ricardo Appezzato
Dirección Artística y Ejecutiva de la São Paulo Compañía de Danza: Inês Bogéa

Concepción y dirección escénica: William Pereira
Dirección Musical: Ricardo Ballestero
Dirección de Danza: Inês Bogéa
Músicas: Heitor Villa-Lobos (1887-1959), Camargo Guarnieri (1907-1993), Alberto Ginastera (1916-1983), Miguel del Águila
Coreografía: Monica Proença, Jonathan dos Santos y Esdras Hernández Villar
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuario: Balletto (mulheres) e ColecciónSPCD (homens)

Script

Heitor Villa-Lobos
Choros n.2, para flauta y clarinete

Heitor Villa-Lobos
Fantasia Concertante, para piano, clarinete y fagot
i. Allegro non tropo
ii. Lento
iii. Allegro impetuoso
Coreografía: Monica Proença y Jonathan dos Santos

Camargo Guarnieri
Improvisações, para flauta solo
Coreografía: Esdras Hernández Villar

Alberto Ginastera
Quarteto de cordas n.1 – Allegro
Coreografía: Esdras Hernández Villar

Alberto Ginastera
Triste, para violonchelo y piano
Coreografía: Monica Proença y Jonathan dos Santos

Miguel del Águila
Charango Capriccioso, para piano y cuarteto de cuerdas
Coreografía: Esdras Hernández Villar

Infinitos Traçados es una obra idealizada por muchas perspectivas: el director escénico, la danza, la música, la iluminación, los tres coreógrafos, los ocho bailarines, los ocho músicos. Juntos, revelan a los compositores brasileños Heitor Villa-Lobos, M. Camargo Guarnieri, el argentino Alberto Ginastera y el uruguayo Miguel del Águila. Estos caminos fueron creados de forma remota con artistas radicados en Brasil, Canadá, Alemania y Chile. Infinitos caminos surgen en la interacción de este material con la escenografía, la luz y la música en vivo. Todo está tan presente y tan fugaz: en el arte de la danza el cuerpo revela el alma en movimiento.

Coreografía: Duda Braz, do original de Carnival de Venise (1859) de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Cesare Pugni (1802-1870)
Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: Marilda Fontes

Creada originalmente a partir de temas del Carnavale di Venezia (Op. 10) de Niccolò Paganini, esta obra forma parte del repertorio clásico de las grandes compañías. El Grand Pas de Deux de Carnaval en Venecia trae a la escena un dúo clásico vibrante y virtuoso, que recuerda a los bailes de disfraces europeos del siglo XVII.

Coreografía: Shamel Pitts
Banda sonora: Remix de Shamel Pitts e DiPa de las canciones Into the tranquility, de Ryoji Ikeda; Spring break Anthem, de The Lonely Island; Obatalá, de Metá Metá; Spirit Caller, de Alleged Witches; Banomoya, de Prince Keybee ft. Busiswa; Freedom is a Feeling, de Nina Simone; Zion, de Fluke; Prismis, de Tim Hecker; F****t, de Arca; Ode, de Nils Frahm; Tudo Que Você Podia Ser, de Clube da Esquina
Iluminación: Mirella Brandi
Vestuario: Tushrik Fredericks
Coreografía Asistente: Mirelle Martins

Vai es la primera creación del norteamericano Shamel Pitts para una empresa brasileña. “Es un viaje individual y colectivo basado en la euforia, la excentricidad, el descubrimiento, el encanto y el intercambio. Después del final, la ligereza y la suavidad del ser humano son las esencias para crear un mundo nuevo, un momento de descubrimiento de lo que está dentro de nosotros, entre nosotros y a nuestro alrededor ”, comenta el coreógrafo.
Después de este despertar de la conciencia, el grupo se reúne en una celebración donde la energía colectiva se ve reforzada por el potencial de cada individuo. El dúo final de Vai representa a la humanidad en armonía después del reinicio, donde la suavidad del tacto y la piel, la confianza y el compromiso de avanzar juntos lideran la escena. “Descubriéndose y descubriéndose como espejos el uno del otro”.

Coreografía:  Lars Van Cauwenbergh del original de Michel Fokine (1880-1942)
Música: Camile Saint_Saens, El Cisne,  abstraído del Carnaval de los Animales (1866)
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Marilda Fontes

El ballet creado en 1907 por Fokine para Anna Pavlova es un solo emocional que dialoga con los sonidos del arpa y el violonchelo, inspirado en el poema de Alfred Tennyson (1809-1892) y los movimientos del cisne en sus últimos momentos de vida. Este solo es interpretado por grandes estrellas de la danza y ahora adquiere nuevos acentos y dinámicas en el cuerpo de una bailarina de la São Paulo Compañía de Danza.

Coreografía: Mario Galizzi, del original de Marius Petipa (1818-1910) y Lev Ivanov (1834-1901)
Música: Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893) con partitura revisada por Riccardo Drigo (1846-1930)
Iluminación: Wagner Freire
Cinografía: Marco Lima
Vestuario: Fábio Namatame| 1ª y 3ª escenas, todos | 2ª escenas, hombres Tânia Agra | 2ª y 4ª escenas, tutus y brujo | 3ª escena, Odille
Accesorios: Robson Rui (ballesta) I Américo Corrêa (hachas, trompetas e cetro)
Asistente de coreografía: Sabrina Streiff
Asistente de escenografía: César Bento
Visagismo: Augusto Sargo
Profesora de Dramaturgia: Vivien Buckup

El Lago de Los Cisnes es un ballet con música especialmente compuesta por Tchaikovsky que se estrenó en 1877 en el Teatro Bolshoi, pero solo en 1895, con una nueva coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov, para el Teatro Mariinsky en San Petersburgo, la obra se convirtió en un gran éxito. El Lago de Los Cisne de la São Paulo Compañía de Danza está hecho a medida para los artistas de la casa. La coreografía de Galizzi dialoga con la tradición y se renueva en las relaciones de los personajes, en el detalle de las pantomimas, en los dibujos de las escenas, en sintonía con la música emblemática de Tchaikovsky y pone a todos los artistas en escena. Fue elegido el segundo Mejor Show por la Guia Folha de S. Paulo (voto público y también por el voto del jurado) y también recibió el Premio APCA – Premio Técnico de Vivien Buckup, maestra de dramaturgia de El Lago de Los Cisnes.