Creaciones

Coreografía: Joëlle Bouvier
Música: Lucas Warin (creación y producción) con temas de Alfred Schnittke (1934–1998); Percussion Brazil, de Lucas Warin, Francisco Canaro (1888–1964), Ivo Pelay (1893–1959); Octavio Barbero (n/d–1948), Carlos Pesce (1901–1975); Johann Sebastian Bach (1685–1750); Giya Kancheli (1935–2019), Luiz Bonfá (1922–2001) y Antonio Maria (1921–1964).
Vestuario: Fábio Namatame
Iluminación: Caetano Vilela
Duración: 30 min
Elenco: 11 bailarines
Preestreno: 2026 | Teatro Municipal José de Castro Mendes, Campinas – SP
Estreno: 2026 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo – SP

Tras el éxito nacional e internacional de Odisseia, Joëlle Bouvier crea su segunda obra para la São Paulo Companhia de Dança. En O Som da Chuva, la coreógrafa construye un recorrido poético sobre los estados emocionales provocados por el amor, a partir de figuras femeninas marcadas por el deseo, la memoria y la metamorfosis. Inspirada por la potencia de los bailarines de la SPCD y por la fuerza de la naturaleza brasileña, la creación presenta cuadros escénicos conducidos por los movimientos y la presencia de los intérpretes. Elementos sencillos —como globos, telas, objetos cotidianos y un viejo gramófono— componen un universo visual delicado y onírico. La banda sonora reúne fragmentos de obras de Alfred Schnittke (1934–1998), Johann Sebastian Bach (1685–1750), Gija Kancheli (1935–2019), Francisco Canaro (1888–1964), Juan d’Arienzo (1900–1976), Luiz Bonfá (1922–2001), Antonio Maria (1921–1964) y Lucas Warin. Paisajes sonoros de tormenta, viento, lluvia y pájaros amplían la dimensión sensorial de la escena y crean atmósferas que oscilan entre la melancolía, el humor, la delicadeza y la intensidad dramática. El vestuario ligero y superpuesto, diseñado por Fábio Namatame, en diálogo con la iluminación de Caetano Vilela, refuerza el ambiente poético e imaginativo de la escena. Sin recurrir a una narrativa lineal, la obra acerca la abstracción, la teatralidad y la poesía visual, recorriendo estados entre el sueño, la memoria, la transformación y la imaginación.

Directora artística: Inês Bogéa
Codirector artístico: Milton Coatti
Coreografía: Sérgio Galdino
Música: Femme Fatale de Travis Lake; Quilombo Groove de Chico Science; Risoflora de Chico Science; Subúrbio Soul de DJ Dolores; Côco Dub de Chico Science y Lúcio Maia; Samba Makossa de Chico Science; y Maracatu Atômico de Jorge Mautner y Nelson Jacobina.
Montaje y edición de la banda sonora: Ruan Levy
Vestuario: Cássio Brasil
Asistente de vestuario: Bartira Davis
Iluminación: Mirella Brandi
Duración: 15 min. 41 seg.
Elenco: 7 bailarines
Estreno: 2026 | Estação Motiva Cultural, São Paulo – SP

ATÔMICO surge de la efervescencia cultural del Nordeste y toma el maracatu de baque virado como punto de partida, expandiéndose hacia capas sonoras que se entrelazan con la música electrónica. Esta fusión se mueve entre el manguebeat, el rock, el hip-hop y los ritmos electrónicos, creando conexiones entre universos distintos y afirmando la fusión cultural como una fuerza estética y política. El cuerpo se convierte en el territorio donde se inscribe esta energía híbrida, donde la tradición cultural y la modernidad tecnológica se encuentran en constante transformación.

Directora artística: Inês Bogéa
Codirector artístico: Milton Coatti
Coreografía: Letícia Forattini
Música: Senhor Carangeju, de Xique-Xique; Return to Oneness, de Kev Thompson; y Espelho Prata, de Kurup
Diseño de vestuario: Cássio Brasil
Asistente de vestuario: Bartira Davis
Iluminación: Mirella Brandi
Duración: 16 min
Elenco: 8 bailarines
Estreno: 2026 | Estação Motiva Cultural, São Paulo – SP

Inspirada en los procesos creativos y los espacios de ensayo, play!ground presenta el escenario como un espacio abierto a la experimentación y al encuentro. Equilibrando el rigor técnico con la voluntad de jugar, la obra celebra la libertad creativa, la escucha y el juego como fuerzas motrices de la danza. Con un paisaje sonoro brasileño, la pieza afirma el cuerpo como terreno: un lugar de apoyo y, al mismo tiempo, un trampolín para el vuelo, la expresión y la trascendencia.

São Paulo Compañía de Danza
Dirección artística: Inês Bogéa
Codirección: Milton Coatti
Coreografía: Christine Ceconello
Asistente de coreografía: Irupé Sarmiento
Música: Nieve Pertinentes 1, de Thomas Köner; Umgewissheit im Sinus, de Alva Noto; O Matador, de Sepultura, banda sonora de Lisbela e o Prisioneiro, Compositores: João Falcão y André Moraes
Vestuario: Cássio Brasil 
Iluminación: Mirella Brandi
Estreno: 2025 | Estação Motiva Cultural, São Paulo – SP

Inspirada en la teoría de la identidad líquida de Zygmunt Bauman, esta creación, para Christine, reflexiona sobre los efectos de la hiperconectividad, el control algorítmico y la fragmentación del sujeto en la contemporaneidad. En Rostos à Deriva, los bailarines representan un sistema automatizado de cuerpos que se mueven como un organismo colectivo, a veces mecánico y repetitivo. Un intérprete central vive un viaje físico en el que sus movimientos son constantemente redirigidos por un «rompecabezas coreográfico» construido a su alrededor. Él cree estar tomando decisiones autónomas, pero, sutilmente, es conducido por el grupo. Su individualidad se va diluyendo, hasta que otro cuerpo despierta y rompe con la lógica automatizada, reabriendo la posibilidad de reconectarse con lo humano. La obra propone un campo coreográfico fluido, inestable y controlado, donde la identidad y la libertad se ven tensionadas por la presencia invisible de los algoritmos.

São Paulo Compañía de Danza
Directora artística: Inês Bogéa
Codirector: Milton Coatti
Coreografía: Willer Rocha
Asistente de coreografía: Mirko Ingrao
Dramaturgia: Mirko Ingrao
Música: The Ocean, de Linnea Olsson. Lachrimae, compuesta por Bryce Dessner; interpretada por la Filarmónica de Copenhague bajo la batuta de Andre de Ridder. The Wider Sun, de Jon Hopkins
Vestuario: Cássio Brasil
Iluminación: Mirella Brandi
Estreno: 2025 | Estação Motiva Cultural, São Paulo – SP

Una experiencia coreográfica poética y desenfadada que celebra la intensidad del calor, la delicadeza del cuerpo y el poder de la conexión humana. Inspirada en el mundo simbólico de la sauna, LÖYLY se adentra en rituales de purificación, contrastes térmicos y estados de presencia que despiertan el cuerpo y el espíritu. La palabra löyly, como señala Willer, proviene del finés y se refiere al vapor que se eleva cuando el agua toca las piedras al rojo vivo; más que simple vapor, löyly tiene un significado ancestral y espiritual: es un soplo de renovación, trascendencia y comunión. La coreografía recorre paisajes sensoriales: el despertar ritual, la intimidad del calor compartido, la presencia mítica del maestro del vapor, el impacto vigorizante de la inmersión en agua fría y el regreso meditativo. Un viaje que transforma, calienta y reconecta. Una inmersión profunda en la carne y el espíritu, donde el sudor, el tacto y la respiración se convierten en signos de nuestro paso.

Coreografía: Yoshi Suzuki
Música: 10 Lo schiavo, Activ Preludio. Sonata para cuerdas – III – Largo – Adagio lento y tranquilo, composición de Antônio Carlos Gomes, versión con la Orquesta Ouro Preto, dirigida por Silvio Viegas. Salvator Rosa – Sinfonía (Obertura), composición de Carlos Gomes, versión con la Orquesta Filarmónica de Minas Gerais y Fabio Mechetti.
Vestuario: Tatiana Dal Paschoale / Laviendanse
Elenco: 11 bailarines
Duración: 14 minutos y 44 segundos
Preestreno: 2025 | Fábrica de Cultura Diadema, Diadema, SP
Estreno: 2025 | Estação Motiva Cultural, São Paulo, SP

Alvorada es una oda al nuevo comienzo, donde la frescura del amanecer se traduce en renovación y continuidad. A pesar de debutar en su carrera como coreógrafo, el expresivo bailarín Yoshi Suzuki —que forma parte del elenco de la SPCD desde su creación— sigue bailando con pasión, manteniendo viva la esencia que siempre lo ha impulsado. En esta obra, creada para sus compañeros de la São Paulo Compañía de Danza, el suave deslizamiento de la mañana invita al cuerpo y al alma a sentir cada emoción en la superficie de la piel. 

Alvorada no solo celebra un nuevo capítulo, sino también una opción de continuidad al reafirmar la trayectoria de un artista que se reinventa, sin abandonar jamás su pasión por el movimiento.

Esta iniciativa forma parte del Programa de Desarrollo de las Habilidades Futuras del Artista de la Danza (PDHFAD) —Acciones para bailarines: transición profesional—, que anima al cuerpo artístico de la SPCD a explorar diferentes posibilidades profesionales dentro del ecosistema de la danza.

Concepción, coreografía y dramaturgia: Michael Bugdahn y Denise Namura
Composición de la música original, banda sonora y texto: Michael Bugdahn
Músicas adicionales: Manyfingers, Arcade Fire (Peter Gabriel)
Locutores (voz en off): Mario Spaziani (portugués), Jean-Damien Fleury (francés), Jörg Schnass y Doris Streibl (alemán)
Videos: Doves and Noise e INDU 02, de Stefan Kranefeld – en versiones modificadas
Video adicional: Olhar, de Michael Bugdahn
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuario: Fábio Namatame
Apoyo: Centre National de la Danse, Pantin (prêt de studio) y La Ménagerie Technologique (Sophie Colin, Bertrand Manuel)
Bailarines: 14
Duración: 28 minutos
Estreno: 2025 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo, SP – Brasil

¿Quién soy yo? Y, si es así, ¿cuántos? Es muy fácil perderse en nuestro mundo moderno, con todos sus saberes, conocimientos y un acceso casi ilimitado a una infinidad de informaciones — un mundo en el que los recursos naturales se vuelven cada vez más escasos y las relaciones cada vez más superficiales. ¿Cómo construirse, forjar una identidad propia y auténtica, en un contexto poco favorable al individuo, pero que, paradójicamente, glorifica el “yo” — aunque intente estandarizarlo? ¿Cómo lidiar con esta contradicción sin negar nuestros orígenes y particularidades, valorando nuestras diferencias? La vieja pregunta “¿De dónde vengo y hacia dónde voy?” sigue vigente. ¿Cómo proyectarse no solo en un futuro incierto, sino en la realidad concreta de la vida presente? Tras el colapso de las utopías, en una época regida por un realismo extremo y sus restricciones, el simple acto de soñar se ha convertido en un gesto de resistencia. Tal vez sea hora de volver a soñar. Soñar una utopía individual — y hacer que no sea una ilusión en un lugar inexistente, sino una realidad posible, aquí y ahora, en algún rincón de esos múltiples mundos que habitamos. “No podemos dejar de agradecer a algunas personas que fueron —y son— esenciales para el desarrollo de nuestro trabajo, no solo aquí, sino a lo largo de tantos años, como Stefan Kranefeld, Doris Streibl, Genny Patah Namura, Harald Schwarzer, Jean-Damien Fleury, Jörg Schnass, Monika Bugdahn y Silvia Namura Dias”, destacan los coreógrafos.

be yourself – everyone else is already taken es la primera obra de Michael Bugdahn y Denise Namura para la São Paulo Companhia de Dança.

Coreografía: Carlos Pons Guerra
Música: Tanga, Álbum: A Man & His Music: El Padrino | Intérprete: Machito | Compositor: Mario Bauza; La familia de Glória, Álbum: Almodóvar Early Films (Original Motion Picture Soundtrack) | Intérprete: Bernardo Bonezzi by Altafonte | Compositor: Bernardo Bonezzi; Ilariê, Álbum: Xuxa en Español | Compositores: Cid Guerreiro, Dito, Ceinha; Bachianas brasileiras No. 5, W 389: I. Ária, Álbum: Villa-Lobos: Bachianas brasileiras No. 5, W 389: I. Ária – Sibelius: Lounnotar, Op. 70 – Ravel: Shéhérazade ℗ Sony Classical | Intérpretes: Carl Stern, Leonard Bernstein, Netania Davrath, New York Philharmonic | Compositores: Heitor Villa-Lobos, Manuel Bandeira, Ruth Valadares Corrêa; Ilaló (Ft. Mateo Kingman), Álbum: Bienaventuranza | Intérpretes: Chancha Vía Circuito · Mateo Kingman ℗ 2018 | Compositor: Pedro Canale; Mozamba, Álbum: Mozamba | Intérpretes: Herbie Mann & Machito & His Afro Cubans | Compositor: Herbie Mann; Lamento Borincano | Intérprete: Chavela Vargas | Compositor: Rafael Hernández; Arrastran el cadáver (De Volver), Álbum: Volver (Banda Sonora Original) | Intérprete: Alberto Iglesias | Compositor: Alberto Iglesias; Los Pastores, Álbum: Bienaventuranza | Intérpretes: Chancha Vía Circuito · Mateo Kingman ℗ 2018 | Compositor: Pedro Canale.
Diseño de vestuario: Fernanda Yamamoto
Diseño de iluminación: Wagner Freire
Bailarines: 10
Duración: 35 min 30 seg
Preestreno: 2025 | Teatro Municipal Manoel Lyra, Santa Bárbara D’Oeste, SP – Brasil
Estreno: 2025 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo, SP – Brasil

En su primera creación para la São Paulo Companhia de Dança, el coreógrafo español Carlos Pons Guerra lleva al centro del escenario una historia sobre la belleza, la resiliencia y el desequilibrio ambiental. Flamencos imponentes dominan la escena para exponer —con ironía y lirismo— las tensiones entre el espectáculo y la naturaleza. Inspirado en recuerdos de infancia en las Islas Canarias y combinando movimientos clásicos, contemporáneos y tomados del reino animal —con una interpretación marcadamente teatral—, el coreógrafo transforma el escenario en un espacio donde la vida salvaje actúa para nuestro entretenimiento —mientras guarda silencio, se agota y enferma. Con vestuario de Fernanda Yamamoto, que evoca texturas y volúmenes inspirados en el plumaje; iluminación de Wagner Freire, que alterna brillo y sombra; y una banda sonora que oscila entre el lirismo, el vodevil y la exuberancia, A Vingança do Flamingo es una obra profundamente sensible que enfrenta la crueldad oculta detrás de su tema e invita a la empatía —por el planeta, por los animales y por todo aquello que aún pueda resistir.

Coreografía: George Céspedes
Asistencia de Coreografía: Aymara Rodrigues
Música: Banda sonora original de George Céspedes; Count To Six And Die (The Vacuum Of Infinite Space Encompassing), de Marilyn Manson y John Lowery, The Golden Age Of Grotesque, de Brian Warner y Tim Skold, ambas interpretadas por Marilyn Manson; Candil De Nieve, de Raúl Torres, interpretada por Pablo Milanés.
Vestuario: Marco Lima
Iluminación: André Boll
Preestreno: 2025 | Teatro Barueri Praça das Artes, Barueri, SP
*Atención: la obra contiene una escena con efecto estroboscópico que puede afectar a espectadores fotosensibles.

Ataraxia es una palabra de origen griega que significa ausencia de perturbación. En el estoicismo, es el concepto central que sugiere que el dolor no está en el cambio, sino en la resistencia a él. Así, se busca un estado de serenidad imperturbable, en el que la mente se mantiene en equilibrio frente a las adversidades. En este juego entre control y entrega, se construye la nueva creación de George Céspedes para la São Paulo Companhia de Dança, que lleva el mismo nombre.

Esta es la primera obra de Céspedes para una compañía brasileña. Reconocido por su estilo único, que combina la danza con elementos geométricos y matemáticos, el coreógrafo —uno de los grandes nombres de la danza contemporánea global— diseña grandes formas en el escenario por medio del movimiento coordinado de grupos de bailarines, añadiendo contrastes dinámicos y emocionales a la narrativa.

La iluminación resalta la precisión de los movimientos e intensifica las atmósferas creadas, potenciando las emociones. Por su parte, el vestuario, inspirado en la ropa urbana, dialoga con la contemporaneidad, proporcionando libertad de movimiento y expresión individual, además de contribuir al aspecto urbano y vibrante de la obra.

Coreografía: Alex Soares
Musica: Matais de Incendios, anónimo, interpretado por Vox Brasiliensis y Ricardo Kanji; Partita para 8 Voces, N.º 4 Passacaglia, Caroline Shaw, interpretada por Brad Wells y Roomful of Teeth; Final Parade, Felix Rösch; Obstacle Course, Christophe Zurfluh
Vestuario: Cassiano Grandi
Iluminación: Wagner Freire
Estreno: 2024 | Sesc Guarulhos, Guarulhos – SP

Coreografía: Leilane Teles
Musicas: Grupo Krahó, de Indios Krahó, interpretado por Marlui Miranda; Pasha Dume Pae, de Amazon Ensemble; Canto da Libertad, de Akaiê Sramana, interpretado por Akaiê Sramana; Tchori Tchori feat. Uakti, de Marlui Miranda e Índios Jaboti de Rondônia, interpretado por Marlui Miranda, Rodolfo Stroeter, Uakti; Mae Inini (El Poder de la Tierra), de Amazon Ensemble; Tamburim, de Josy.Anne; Kworo Kango, de Canto Kaiapó, interpretado por Berimbaobab Brasil.
Producción Musical: Fernando Leite
Iluminación: Gabriele Souza
Vestuario: André von Schimonsky
Asistente de Vestuario: Wellington Araújo
Atrezzo: Satie Inafuku
Consultores en Asuntos Indígenas: Cristiane Takuá and Carlos Papá Mirim Poty
Duración: 19 minutos
Preestreno: 2024 | Teatro Municipal Manoel Lyra, Santa Bárbara D’Oeste – SP

Coreografía: Jomar Mesquita
Asistente de coreografía: Rúbia Frutuoso
Musica: Poema Saudades, de Arnaldo Antunes; Assum Preto, de Luiz Gonzaga y Humberto Teixeira (intérprete: Jorge Du Peixe); Fim de Festa, de Itamar Assumpção (intérpretes: Naná Vasconcelos e Itamar Assumpção); Carinhoso, de João de Barro y Pixinguinha (intérprete: Elza Soares); Como 2 e 2, de Caetano Veloso (intérpretes: Arnaldo Antunes y Vitor Araújo); Samba da Benção, de Baden Powell y Vinícius de Moraes (intérprete: Maria Bethânia); Avisa, de Tato (intérprete: Cida Moreira); Juízo Final, de Elcio Soares; Nelson Cavaquinho (intérprete: Arnaldo Antunes); Manhã de Carnaval, de Luís Bonfa y Antônio Maria (intérpretes: Jean Pascal Quiles, Louis Quiles y Nelly Decamp); voces de los bailarines del elenco.
Vestuario: Agustina Comas
Iluminación: André Boll
Estreno: 2024 | Teatro Sérgio Cardoso | São Paulo – SP

Coreografía y Iluminación: Henrique Rodovalho
Musica: Obatalá, escrito por Kiko Dinucci, interpretación y producción de Metá Metá
Vestuario: Fábio Namatame
Elenco: 7 bailarines
Duracíon: 8 minutos

Coreografía: Beatriz Hack
Musicas: Boi nº1, by Foli Griô Orquestra with Cacau Amaral; Nordavindens Klagesang, by Vàli; Giardini Di Boboli, by Manos Milonakis feat. Jacob David and Grégoire Blanc; Encruzilhada, by Tulio; and Marie, by Cristobal Tapia De Veer – mixed by Renan Lemos.
Vestuario: Balletto
Duracíon: 14 minutos y 44 segundos
Elenco: 7 bailarines
Preestreno: 2024 | Teatro Municipal de Itapevi, Itapevi/SP

Coreografía y Iluminación: Stephen Shropshire
Musica: Symphony no 8: IV: Finale de Anton Bruckner (1824-1896)
Vestuario: Fabio Namatame
Duración: 22 minutos
Elenco: 10 bailarines
Preestreno: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP
Estreno: 2024 | Linz, Áustria

Concepción y Coreografía: Eduardo Fukushima
Montaje musical: de Fukushima a partir de Night’s Calling, de Rodolphe Alexis; Sumertime, de Tunekichi Suzuki; y Sedna, de Kyungso Park
Colaboración Artística y Asistente de Coreografía: Beatriz Sano
Colaboración Textual: Isabel Ramos Monteiro
Agradecimiento: Toshi Tanaka (abanico)
Vestuario: Cláudia Schapira
Iluminación: Caetano Vilela
Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Esta obra fue parte del proyecto Ensejos, una colaboración con el Centro Cultural São Paulo, curada por Mark Van Loo y dirigida por Rodolfo Beltrão

Ver o Ar Ouvir o Verão es una partitura coreográfica creada por Eduardo Fukushima basada en su investigación sobre las prácticas corporales chinas y japonesas, entrelazando la danza contemporánea y la performance a través de múltiples referencias. “El aire es la sustancia principal de esta coreografía. Es un intento de coreografiarlo, de iluminar su materia simultáneamente concreta e invisible que nos envuelve y nos une. ¿Hay alguien en el viento? El viento pasa, y lo que alguna vez fue verano ahora es otoño. Pero aún necesitamos escuchar el calor, oír el verano”, dice el coreógrafo. Esta es una danza para las fuerzas del viento.

Coreografía: Poliane Fogaça
Musicas: Canción para un Niño en la Calle, de Algel Ritro, Armando Tejada, René Pérez; Alfonsina y El Mar, de Ariel Ramírez, Feliz Cezar Luna; Razón de Vivir, de Victor Heredia; y Canción Con Todos, de Armando Tejada Gómez, Cézar Isella
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuario: Cláudia Schapira
Duracíon: 15 minutos
Elenco: 7 bailarines
Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Esta obra fue parte del proyecto Ensejos, una colaboración con el Centro Cultural São Paulo, curada por Mark Van Loo y dirigida por Rodolfo Beltrão

Inspirado de manera libre en la obra literaria «Las venas abiertas de América Latina» del escritor uruguayo Eduardo Galeano (1940-2015) y ambientado con las canciones de la cantante argentina Mercedes Sosa (1935-2009), Veias Abertas de Poliane Fogaça propone un encuentro entre estos dos grandes artistas que compartieron el objetivo común de contar las historias de los pueblos latinoamericanos. Galeano nos dice que “el futuro siempre necesita ser reinventado”, mientras que Mercedes decía “es necesario dar voz a quienes no tienen voz”. La obra revela aspectos sociales—como el hambre, la falta de oportunidades y la lucha contra la represión— así como la resiliencia, el amor por los demás y un sentido de unidad entre los pueblos. “Quizás sea una utopía creer que es posible detener la sangre de las venas abiertas de nuestra sociedad. Pero que sea un sueño en acción, un acto de esperanza por un nuevo futuro de justicia y unidad. A través de la poética del arte de la danza, que cese el dolor, que la herida sane y que nos inspire en cada paso a ser y estar junto a los demás”, dice la coreógrafa.

Coreografía: Lili de Grammont
Musicas: de Ed Côrtes, con las canciones Você é Doida Demais, Vou Rifar Meu Coração y Linda, de Lindomar Castilho
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuário: Cláudia Schapira
Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Esta obra fue parte del proyecto Ensejos, una colaboración con el Centro Cultural São Paulo, curada por Mark Van Loo y dirigida por Rodolfo Beltrão

Usando los clásicos de Lindomar Castilho, como “Você é Doida Demais”, “Vou Rifar Meu Coração” y “Linda”, revisitados y modernizados por el compositor Ed Côrtes, la coreógrafa Lili de Grammont crea su primera obra para la São Paulo Companhia de Dança, basada en uno de los casos de pasión más conocidos del país: el feminicidio de Eliane de Grammont, su madre, por Lindomar Castilho, su padre. La dramaturgia de la pieza se construye a partir de las pinceladas de recuerdos de Lili relacionadas con la historia. “La narrativa no es directa, ni pretende contar la historia. Es una inspiración, llena de sentimientos y complejidades. Memória em Conta-Gotas expone la vulnerabilidad y la tristeza, pero sobre todo, se involucra en un diálogo sobre cómo avanzar con valentía y esperanza”, dice.

Coreografía: Arilton Assunção
Asistente de coreografía: Henrique Duarte e Samuel Elias Rodrigues
Musicas: Teia de Renda, de Milton Nascimento y Túlio Mourão; y Evocação das Montanhas, de Henrique de Curitiba
Mezcla musical: Lucas Romualdo
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuário: Cláudia Schapira
Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Coreografía: Lucas Valente
Musicas: En Transe, de Cadu Tenório y Márcio Bulk, interpretada por Lívia Nestrovski; Fragmentos, de Cadu Tenório; y Afterglow, de Rival Consoles
Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: UMA – Raquel Davidowicz
Duracíon: 15 minutos
Elenco: 3 bailarines
Estreno: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP