Creaciones

Coreografía: Goyo Montero
Música: Owen Belton
Iluminación: Nicolas Fischtel e Goyo Montero
Vestuario: Goyo Montero e Fábio Namatame
Organización: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (Espanha)
Duración / elenco: 25 minutos con 14 bailarines
Debut SPCD: 2019 | Teatro Municipal Castro Mendes, Campinas/SP – Brazil

Anthem es la primera creación del español Goyo Montero para una empresa brasileña. El trabajo trae una reflexión sobre el proceso de construcción y deconstrucción de identidades colectivas. Según el coreógrafo: “Hay ciclos en los que repetimos los mismos errores, pensando que estamos separados, que somos diferentes cuando, en realidad, todos somos un grupo, la humanidad; y en el momento en que perdemos este impulso, comienzan los problemas. Este es un rastro de la historia humana».
El puntaje es del canadiense Owen Belton, con quien Goyo ha creado más de nueve piezas. La inspiración de la canción proviene de canciones que se convierten en himnos, ya sea de naciones, personas con preferencias similares o individuos de la misma generación. Por lo tanto, el nombre elegido para el trabajo: Anthem, himno en inglés. Para Montero, «La voz humana se convierte en una canción y esta canción se convierte en algo con lo que nos identificamos».

Coreografía y iluminación: Édouard Lock
Composición musical: Gavin Bryars, interpretado pelo Percorso Ensemble (Director Musical de Percorso Ensemble: Ricardo Bologna I Músicos: Adriana Holtz (cello) I Douglas Kier (cello) I Horácio Gouveia (piano) I Joana Queiroz (clarín) I Pedro Gadelha (contrabajo))
Vestuario: Ulrika Van Gelder (vestidos)
Asistente de Vestuario: Edmeia Evaristo (corsets)
Duración/elenco: 50 minutos con 14 bailarines
Debut SPCD: 2019 | Teatro Hafen 1, Wolfsburg/Germany
Produciton Associação Pró-Dança / São Paulo Dance Company y coproducción Moviments Festwochen der Autostad, en Wolfsburg, Alemania

Movimentos ligados a operas icónicas y sus memorias colectivas y desconstruidas, la suavidad abandonada gradualmente para la entrada en un terreno nihilista, reflexionando tanto una visión más sombría de las pasiones expresadas en esas arias cuanto la fragmentación de la utopía social que les dió origen. Una danza como el viento en la hierba entre el crepúsculo de la noche. Trick Cell Play es la segunda obra del coreógrafo para la São Paulo.

Coreografía: Cassi Abranches
Música: Sebastián Piracés
Iluminación: Gabriel Pederneiras
Vestuario: Janaina de Castro
Duración / elenco: 20 minutos con 12 bailarines
Debut SPCD: 2019 | Teatro Estadual de Araras, Araras/SP – Brazil

La tercera creación de Cassi Abranches para la São Paulo explora la palabra tiempo en sus posibles significados: aspecto musical con dinámica y sonoridades; Aspecto cronológico con recuerdos y expectativas, temperatura con diferentes grados e intensidades. El coreógrafo esculpe los movimientos en el cuerpo de cada bailarín a partir de los ritmos musicales del tema compuesto por Sebastián Piracés, que utiliza elementos de batería y percusión afrobrasileña, mezclados con el rock y el cante contemporáneos.

Coreografía: Jöelle Bouvier
Música: extractos de Bachianas Brasileiras de Heitor Villa Lobos, extractos de Pasión Según San Mateo de Johann Sebastian Bach, Melodia Sentimental de Villa Lobos (letra de Dora Vaconcellos) y poema Pátria Minha de Vinícius de Moraes
Iluminación: Renaud Lagier
Vestuario: Fábio Namatame
Asistente de coreografía: Emilio Urbina y Rafael Pardillo
Duración / elenco: 37 minutos con 14 bailarines
Debut SCD: 2018 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brazil
Production Associação Pró-Dança/São Paulo Dacen Company and coproduction Chaillot – Théâtre National de la Danse (Paris/France)

Odisseia es un viaje, un reencuentro consigo mismo. Movido por la cuestión de los migrantes de la actualidad, la coreógrafa construye una estructura dramática y poética que aborda temas como mudanza, transición, partida y la esperanza de una vida mejor. “En este momento, somos todos sensibles a esta cuestión, que es fuerte en el mundo.”, comenta Joelle. Bouvier explica que buscó mezclar fragmentos de las Bachianas Brasileiras con la composición de Bach, Pasión Segun San Mateo. Al final tenemos en la voz de Maria Bethânia, la música Melodia Sentimental y el poema Pátria Minha. La obra tiene coproducción con Chaillot – Théâtre National de la Danse, en Francia.

Coreografía e iluminación: Henrique Rodovalho
Música: Creación original de Pupillo con la voz de Céu
Vestuario: Cássio Brasil
Duración / elenco: 21 minutos con 14 bailarines.
Debut SPCD: 2018 | Sesc Santos, Santos/SP – Brazi

Rodovalho comenta que en este trabajo prueba movimientos expandidos y continuados a partir de la relación de los bailarines que permanecen todo el tiempo en escena. “Las referencias sobre esta característica vinieron de grandes grupos de animales en movimiento y como se desarrollan y se relacionan”, dice el coreógrafo. La obra trata sobre ‘lo que tiene que suceder’, en este breve espacio de tiempo de existencia de este gran grupo, relacionado principalmente a algún tipo de placer. Por eso, el nombre Melhor Único Dia. “Para intentar traducir, de alguna forma, la corta existencia que se expresa por medio del movimiento en grupo”, completa Rodovalho. Esta obra fue electa como Tercer Mejor Espectáculo por la Guia de Folha (2018) y como Mejor Estreno de 2018 por el Premio APCA.

Coreografía: Jomar Mesquita con colaboracion de Rodrigo de Castro
Música: Por Toda a Minha Vida, de Tom Jobim y Vinícius de Moraes (cantada por Cibelle); Melancolia y Uma Canção pra Você (Jaqueta Amarela), de Assucena Assucena (ejecutada por As Bahias y la Cozinha Mineira); Segunda Chance, compuesta y ejecutada por Johnny Hooker; Volta, de Lupicínio Rodrigues (cantada por Adriana Calcanhoto); O Desejo do Desejo do Desejo, de Celso Sim y Pepe Mata Machado; Vai Saber, de Adriana Calcanhoto cantada por Marisa Monte
Iluminación: Joyce Drummond
Vestuario: Fernanda Yamamoto
Duración / reparto: 27 minutos con 12 bailarines
Debut SPCD: 2016 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brazil

Ngali… tiene como referencia la pieza teatral La Ronde, de Arthur Schnitzler – escrita en 1897 – la obra retrata diferentes relaciones amorosas que incluyen un tercero – y trae elementos da danza de salón para retratar las diferentes formas de amar. Ngali es una palabra de origen aborigen de la Australia Occidental, cuyo significado, sin correspondiente en otro idioma, es: “nosotros dos, incluyendo a ti”. En oposición a otro pronombre de la misma lengua – Ngaliju – que quiere decir: “nosotros dos, excluyendo a ti”.

Coreografía: Márcia Haydée
Música: Ludwig Minkus (1826-1917) and Norberto Macedo (1939-2011)
Iluminación: José Luiz Fiorruccio
Vestuario: Tânia Agra
Escenografía: Hélio Euchbauer, with eight drawing images of Candido Portinari (1903-1962)*
Duración/elenco: 90 minutos con 36 bailarinos
Debut SPCD: 2015 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil
*Los derechos de reproducción de las obras fueron gentilmente cedidos por João Candido Portinari.

Es una obra colorida, vibrante y con mucho humor. El ballet cuenta las aventuras de Don Quijote, un soñador visionario, que se dispone a combatir “el error, lo falso y el mal de mil semblantes” y encontrar su dama perfecta Dulcinea; y la historia de amor casi imposible de Kitri y Basílio, una vez que ella estaba prometida por su padre a Gamache, un rico comerciante. Cantoneses, toreros y gitanos ayudan a componer a la obra. Con la complicidad de Don Quijote, el casamiento de los apasionados se realiza y es conmemorado por todos. Don Quijote es uno de los ballets más populares en el mundo todo. La versión especial de Márcia Haydée para la São Paulo Companhia de Dança mantiene algunos momentos reconocidos de esta obra – creada originalmente por Marius Petipa (1818-1910) en 1869 e inspirada en un capítulo de la obra de Miguel de Cervantes (1547-1616) con música compuesta por Ludwig Minkus (1826-1917) – al mismo tiempo en que las actualiza con escenografía de Hélio Eichbauer y diseños de Candido Portinari (1903-1962), vestuarios de Tânia Agra, luz de José Luiz Fiorruccio, composiciones de Norberto Macedo (1939-2011) y poemas de Carlos Drummond de Andrade (1902-1987). Una obra para encantarse y apasionarse.

Coreografía: Jomar Mesquita con colaboración de Rodrigo de Castro
Música: Te amaré e Después (Silvio Rodrigues), No Se Nada (Rodrigo Leão), Tema Final (Cris Scabello) y As Rosas Não Falam (Cartola y Grupo Planetangos)
Iluminación: Joyce Drummond
Vestuario: Cláudia Schapira
Duración/elenco: 21 minutos con 8 bailarines
Debut SPCD: 2012 | Teatro Geo, São Paulo/SP – Brazil

Mamihlapinatapai muestra el deseo de una relación entre el hombre y la mujer. Una mirada compartida por dos personas, cada una con ganas de que el otro pueda tomar una iniciativa para que algo suceda, pero ninguno de ellos funciona. Esto está destinado a Mamihlapinatapai, palabra indígena originaria de la lengua yagán, una tribu de la Tierra del Fuego. El coreógrafo Jomar Mesquita utiliza elementos desconstruidas de bailes de salón para crear la pieza.

Dirección Artístico-Pedagógica de la Asociación Santa Marcelina: Paulo Zuben
Responsable Artístico de la Asociación Santa Marcelina: Ricardo Appezzato
Dirección Artística y Ejecutiva de la São Paulo Compañía de Danza: Inês Bogéa

Concepción y dirección escénica: William Pereira
Dirección Musical: Ricardo Ballestero
Dirección de Danza: Inês Bogéa
Músicas: Heitor Villa-Lobos (1887-1959), Camargo Guarnieri (1907-1993), Alberto Ginastera (1916-1983), Miguel del Águila
Coreografía: Monica Proença, Jonathan dos Santos y Esdras Hernández Villar
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuario: Balletto (mulheres) e ColecciónSPCD (homens)

Script

Heitor Villa-Lobos
Choros n.2, para flauta y clarinete

Heitor Villa-Lobos
Fantasia Concertante, para piano, clarinete y fagot
i. Allegro non tropo
ii. Lento
iii. Allegro impetuoso
Coreografía: Monica Proença y Jonathan dos Santos

Camargo Guarnieri
Improvisações, para flauta solo
Coreografía: Esdras Hernández Villar

Alberto Ginastera
Quarteto de cordas n.1 – Allegro
Coreografía: Esdras Hernández Villar

Alberto Ginastera
Triste, para violonchelo y piano
Coreografía: Monica Proença y Jonathan dos Santos

Miguel del Águila
Charango Capriccioso, para piano y cuarteto de cuerdas
Coreografía: Esdras Hernández Villar

Infinitos Traçados es una obra idealizada por muchas perspectivas: el director escénico, la danza, la música, la iluminación, los tres coreógrafos, los ocho bailarines, los ocho músicos. Juntos, revelan a los compositores brasileños Heitor Villa-Lobos, M. Camargo Guarnieri, el argentino Alberto Ginastera y el uruguayo Miguel del Águila. Estos caminos fueron creados de forma remota con artistas radicados en Brasil, Canadá, Alemania y Chile. Infinitos caminos surgen en la interacción de este material con la escenografía, la luz y la música en vivo. Todo está tan presente y tan fugaz: en el arte de la danza el cuerpo revela el alma en movimiento.

Coreografía: Shamel Pitts
Banda sonora: Remix de Shamel Pitts e DiPa de las canciones Into the tranquility, de Ryoji Ikeda; Spring break Anthem, de The Lonely Island; Obatalá, de Metá Metá; Spirit Caller, de Alleged Witches; Banomoya, de Prince Keybee ft. Busiswa; Freedom is a Feeling, de Nina Simone; Zion, de Fluke; Prismis, de Tim Hecker; F****t, de Arca; Ode, de Nils Frahm; Tudo Que Você Podia Ser, de Clube da Esquina
Iluminación: Mirella Brandi
Vestuario: Tushrik Fredericks
Coreografía Asistente: Mirelle Martins

Vai es la primera creación del norteamericano Shamel Pitts para una empresa brasileña. “Es un viaje individual y colectivo basado en la euforia, la excentricidad, el descubrimiento, el encanto y el intercambio. Después del final, la ligereza y la suavidad del ser humano son las esencias para crear un mundo nuevo, un momento de descubrimiento de lo que está dentro de nosotros, entre nosotros y a nuestro alrededor ”, comenta el coreógrafo.
Después de este despertar de la conciencia, el grupo se reúne en una celebración donde la energía colectiva se ve reforzada por el potencial de cada individuo. El dúo final de Vai representa a la humanidad en armonía después del reinicio, donde la suavidad del tacto y la piel, la confianza y el compromiso de avanzar juntos lideran la escena. «Descubriéndose y descubriéndose como espejos el uno del otro».

Dirección: Inês Bogéa y Luciano Cury
Coreografía: Milton Coatti
Producción Ejecutiva: João Marcello Bôscoli
Música: Max Richter, Vivaldi – The Four Seasons Winter 3
Vestuario: Raquel Davidowicz – UMA
Styling: Paula Iglecio
Filmación y edición: Panogramma

Desarrollada con la idea de visualización en 360o y realidad virtual (VR), la creación coreográfica de Milton Coatti para la São Paulo Compañía de Danza busca traducir en movimiento las cuestiones que devastan el ser humano. Conocida por los antiguos como una de las más brillantes visibles en el hemisferio sur, la estrella Mira tiene períodos de cambios significativos en su apariencia. Preocupaciones, cuestionamientos, y una cierta angustia interna, mueven a los bailarines a buscar una respuesta para estos sentimientos y sensaciones. En esta búsqueda, miran a sí mismos y a los otros para reencontrar la belleza, la luz y el amor aparentemente perdidos (o temporalmente olvidados) en ese espacio casi lunar que sugiere disipar, más que aún reserva la esperanza y la perspectiva de que, en algún momento, el encuentro ideal, consigo y con el otro, irá a concretizarse.

Concepción, dramaturgia, dirección teatral y espacio escénico: William Pereira
Dirección musical: Ricardo Ballestero
Coreógrafos: Cassi Abranches e Milton Coatti
Dirección artístico-pedagógica de la Santa Marcelina Cultura: Paulo Zuben
Dirección artística de la São Paulo Companhia de Dança: Inês Bogéa
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuario: 1º Acto – Bailarinas: colección SPCD | Cantantes: Fabio Namatame | Cantantes: Colección Teatro São Pedro I 2º Acto – Bailarinas: Plié y Fernanda Yamamoto | Cantantes: Plié y Fabio Namatame | Bailarines y Cantantes: Highstil

Compuesto por dos actos, uno Neoclásico y uno Contemporáneo, la obra traza un recorte de canciones del compositor alemán Robert Schumann, escritas en 1840, con adaptaciones del maestro invitado Ricardo Ballestero, a partir de la concepción escénica de William Pereira en sociedad con la São Paulo Companhia de Dança, dirigida por Inês Bogéa. La coreografía es firmada por Milton Coatti y Cassi Abranches y la iluminación es de Caetano Vilela. La primera parte – un Neoclásico – contempla el ciclo completo de Los Amores del Poeta Op.48., cuyo escenario refiere al Romanticismo. A la vuelta del intervalo, entra en escena un lenguaje mas actual con escenografía clara y visual despojado. Los textos de estas 16 canciones vienen del Lyrisches Intermezzo, o del «Intermezzo lírico», del poeta Heinrich Heine, escritos entre 1822 y 1823 y publicados como parte de la obra Das Buch der Lieder.

Dirección General: Samuel Mac Dowell de Figueiredo
Puesta en escena: Ulysses Cruz
Orquesta Jazz Sinfónica ( Regencia: João Maurício Galindo / Coro: Coral Paulistano / Regencia: Naomi Munakata) Solistas: Camila Titinger y Carla Cottini, soprano | Luciana Bueno, mezzo-soprano | Daniel Umbelino, tenor | Johnny Lima, barítono
São Paulo Companhia de Dança
Dirección Artística: Inês Bogéa
Coreógrafos invitados: Erika Novachi y Edson Guiu
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Balletto por Luciana Mantegazza

Inspirada en las principales obras de Leonard Bernstein para Broadway, este espectáculo refleja las inquietudes del compositor, pianista y maestro, por medio de una jornada por los musicales West Side Story, Fancy Free, On the Town e Candide. Sumando a todo lo que Bernstein representó, de la importancia de su obra erudita a la defensa de la transición entre los géneros eruditos y populares y su actuación como maestro de las principales orquestas del mundo, nace Bernstein 100. Es el hombre renovador, emocional y provocador, siempre determinado a romper fronteras!

Coreografía e iluminación: Thiago Bordin
Música: Jóhann Jóhannsson and Wim Mertens
Vestuario: Fábio Namatame

Primera creación de Bordin para una compañía brasilera, Petrichor – nombre que refiere al olor de la tierra mojada por la lluvia – tuvo como punto de partida la música de Jóhann Jóhannsson y Wim Mertens, que, según Bordin, permite un deslumbre de la creación coreográfica. “Cuando escucho Mertens, comienzo a imaginar la luz, el vestuario, los pasos”. Las características de los bailarines brasileros fueron otra fuente de inspiración para el creador. “La obra se desarrolló en diálogo con el elenco. Cada uno trajo un color, un carácter fuerte, bien diferente de lo que yo imaginaba. Y eso acabó convirtiéndose en la parte más gratificante de esta coreografía.

Coreografía: Lucas Lima
Música: On the Nature of Daylight, de Max Richter
Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: Fábio Namatame

Instante es una creación de Lucas Lima para el Atelier de Coreógrafos Brasileros y tiene como punto de partida la música de Max Richter, que ganó nuevas dinámicas en el movimiento de los bailarines de la São Paulo Compañía de Danza. Según el coreógrafo, la obra trata de “un instante para encontrarse, y otro para perderse. Un instante para decidir, para seguir, para volver, para arrepentirse”. Es una coreografía que introduce nuevos impulsos y dinámicas en los movimientos del ballet, dialogando con la contemporaneidad.

Coreografía: Giovanni Di Palma
Música: Pulcinella by Igor Stravinsky (1882-1971)
Iluminación: Mirella Brandi
Vestuario: Fábio Namatame
Dirección escénica y concepción de escenario: William Pereira
En asociación con: Organização Social de Cultura Santa Marcelina

Il Ballet Pulcinella está basado en la historia de Los Cuatro Pulcinellas, de un manuscrito de comedias do folklore napolitano. La obra estrenó con los Ballets Russs de Diaghilev en Paris, en 1920, con música compuesta por Igor Stravinsky, inspirada en composiciones de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) y otras composiciones del siglo XVIII. La coreografía neoclásica de Giovanni Di Palma usa zapatillas de punta en diálogo con movimientos contemporâneos para contar la historia del aventurado Pulcinella, famoso personaje de la Commedia Dell’Arte.

Coreografía, palco e vestuario: Clébio Oliveira
Música: Matresanch
Iluminación: Mirella Brandi

Según Clébio Oliveira, Primavera Fria examina la anatomía de una ruptura inesperada. Es una jornada del cuerpo por la pérdida del objeto amoroso en relación a la experiencia psíquica y neurológica. Deseo, narcisismo, inadecuación corporal, vulnerabilidad. La obra propone un mapeamiento afectivo-sensorial del cuerpo en nuestro cerebro. “La pérdida del objeto amoroso es un tema que por siglos inquieta e inspira pensadores, poetas y artistas. Mas lejos de constituir una experiencia metafísica, está perdida es experimentada en el cuerpo por medio de un intrincado encadenamiento bioquímico sufrido y producido por el cerebro humano. Buscamos prever y planear, bien como entender el mundo a nuestro alrededor, las personas y, principalmente, a nosotros mismos, a partir de racionalizaciones. En el campo afectivo, buscamos la felicidad y anhelamos relaciones amorosas sólidas más que inexorablemente forjadas por la fantasía. Nuestra búsqueda por control cae a tierra cuando somos atravesados por la pasión o por el dolor de su ruptura”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Richard Siegal *
Música: Jean-Philippe Rameau (1683-1764); Suite in D Minor / Major I. Les Tendres Plaintes, Suite in E Minor V. Le Rappel des Oiseaux, Suite in E Minor IX. Tambourin, Suite in E Minor III. Gigue en rondeau I, Suite in D Minor – Major III. Le Soupirs and Suite in A Minor – Major VII, performed by Tzimon Barto.
Iluminación: Gilles Gentner Vestuario: Simone Mina

* Richard Siegal es representado por Verlag der Autoren, Frankfurt, Alemana| choreography@verlagderautoren.de
Inspirado en las composiciones barrocas de Jean-Phippe Rameau (1683-1764), el coreógrafo Richard Siegal creó esta pieza para la São Paulo Compañía de Danza. Es una coreografía suave, delicada y dinámica en la cual la danza clásica aparece sobrepuesta a otros acentos, trayendo la idea de ruptura y desconstrucción de padrones. El vestuario de Simone Mina y la luz de Gilles Gentner dialogan con la propuesta del coreógrafo utilizando referencia del barroco en materiales y diseños contemporáneos. “Es como transponer los siglos. Este es un trabajo que actualiza esta música al modo del siglo XXI y no más del siglo XVIII”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Fabiano Lima
Música: Quem sabe? (1859), cantada por Adriana de Almeida e ejecutada al piano por Olinda Allessandrini; y Bailado dos Índios de la ópera O Guarani (1870), Carlos Gomes (1836-1896), ejecutada por la Orquesta del Teatro Municipal de São Paulo, sobre regéncia de Armando Bellardi
Iluminación: Guilherme Paterno
Vestuario: Cássio Brasil

La obra se vale de referencias del básquet, del hip-hop y de la danza contemporánea. Con músicas de Carlos Gomes, la coreografía trae para la escena el ambiente brasilero con sonoridades conocidas. El vestuario de Cássio Brasil dialoga con la luz de Guilherme Paterno y evidencia las diferentes camadas de color de la obra. “Es una coreografía de intercambio y percepción para que entendamos como esta danza pasa de un cuerpo para el otro. Me gusta de trabajar con elementos escénicos, da identidad a mis trabajos”, dice Fabiano. La obra fue premiada con el tercer lugar en la elección del jurado como Mejor Espectáculo de Danza de 2016 en la encuesta promovida por la Guia de Folha.

Coreografía y vestuario: Binho Pacheco
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Iluminación: Guilherme Paterno

La obra explora las fronteras entre el interior y el exterior del ser humano, teniendo la piel como objeto de reflexión. “Parto de una mirada científica, de camadas, órganos y terminaciones nerviosas, para un mundo de sensaciones latentes, en la cual el público es envuelto por los acordes de Bach y por una coreografía joven y provocadora, que al mismo tiempo conecta y separa estos universos”, dice el coreógrafo. Los bailarines aparecen en situaciones de constante desafío, buscando maneras de redescubrir el equilibrio y las formas, que se deshacen en cada instante y en el contacto entre estas pieles que, a veces se atraen con suavidad y delicadeza, y otras veces se repelen con violencia.