Creaciones

Coreografía: Richard Siegal *
Música: Jean-Philippe Rameau (1683-1764); Suite in D Minor / Major I. Les Tendres Plaintes, Suite in E Minor V. Le Rappel des Oiseaux, Suite in E Minor IX. Tambourin, Suite in E Minor III. Gigue en rondeau I, Suite in D Minor – Major III. Le Soupirs and Suite in A Minor – Major VII, performed by Tzimon Barto.
Iluminación: Gilles Gentner Vestuario: Simone Mina

* Richard Siegal es representado por Verlag der Autoren, Frankfurt, Alemana| choreography@verlagderautoren.de
Inspirado en las composiciones barrocas de Jean-Phippe Rameau (1683-1764), el coreógrafo Richard Siegal creó esta pieza para la São Paulo Compañía de Danza. Es una coreografía suave, delicada y dinámica en la cual la danza clásica aparece sobrepuesta a otros acentos, trayendo la idea de ruptura y desconstrucción de padrones. El vestuario de Simone Mina y la luz de Gilles Gentner dialogan con la propuesta del coreógrafo utilizando referencia del barroco en materiales y diseños contemporáneos. “Es como transponer los siglos. Este es un trabajo que actualiza esta música al modo del siglo XXI y no más del siglo XVIII”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Fabiano Lima
Música: Quem sabe? (1859), cantada por Adriana de Almeida e ejecutada al piano por Olinda Allessandrini; y Bailado dos Índios de la ópera O Guarani (1870), Carlos Gomes (1836-1896), ejecutada por la Orquesta del Teatro Municipal de São Paulo, sobre regéncia de Armando Bellardi
Iluminación: Guilherme Paterno
Vestuario: Cássio Brasil

La obra se vale de referencias del básquet, del hip-hop y de la danza contemporánea. Con músicas de Carlos Gomes, la coreografía trae para la escena el ambiente brasilero con sonoridades conocidas. El vestuario de Cássio Brasil dialoga con la luz de Guilherme Paterno y evidencia las diferentes camadas de color de la obra. “Es una coreografía de intercambio y percepción para que entendamos como esta danza pasa de un cuerpo para el otro. Me gusta de trabajar con elementos escénicos, da identidad a mis trabajos”, dice Fabiano. La obra fue premiada con el tercer lugar en la elección del jurado como Mejor Espectáculo de Danza de 2016 en la encuesta promovida por la Guia de Folha.

Coreografía y vestuario: Binho Pacheco
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Iluminación: Guilherme Paterno

La obra explora las fronteras entre el interior y el exterior del ser humano, teniendo la piel como objeto de reflexión. “Parto de una mirada científica, de camadas, órganos y terminaciones nerviosas, para un mundo de sensaciones latentes, en la cual el público es envuelto por los acordes de Bach y por una coreografía joven y provocadora, que al mismo tiempo conecta y separa estos universos”, dice el coreógrafo. Los bailarines aparecen en situaciones de constante desafío, buscando maneras de redescubrir el equilibrio y las formas, que se deshacen en cada instante y en el contacto entre estas pieles que, a veces se atraen con suavidad y delicadeza, y otras veces se repelen con violencia.

Coreografía: Maurício Wainrot
Música: Raul Barboza (The Land Without Evil, Winter in Paris and Gold Series: Great Exitos) and Pedro de Cervi (El Celeste Dress)
Iluminación: Domingos Quintiliano
Vestuario: Graciela Galán
Asistente de coreografía: Laura Marini

Litoral, de Maurício Wainrot se inspira en las músicas de Raul Barboza y Pedro de Cervi cuyos ritmos regionales argentinos tienen resonancia en músicas del sur de Brasil. El elenco se alterna en dúos, tríos y conjuntos con un tipo de movimiento ondulado que evidencia el lenguaje del coreógrafo que se vale de lo popular y erudito para crear una danza vibrante y festiva, con contrapuntos suaves y densos. “Litoral es una región de grandes ríos en Argentina, de tierra colorada, con bosques llenos de árboles, pájaros y ruidos formada por las provincias de Santa Fe, Misiones, Formosa, Entre Ríos, Corrientes y Chaco. Los bordes de éstos ríos que llamamos de Litoral se encuentran, se contaminan y sufren influencias de diferentes lugares”, dice el coreógrafo.

Coreografía, escenografía y vestuario: Clébio Oliveira
Música original: Matresanch
Iluminación: Mirella Brandi

Criada para el Atelier de Coreógrafos Brasileños de la SPCD, Cielo Gris (Céu Cinzento), de Clébio Oliveira, muestra el eterno tema de los amores imposibles que están en las mentes de las personas y son representados en obras como Romeo y Julieta, de William Shakespeare. ¿La coreografía es inspirada en esa historia y pregunta a todos: cuál sería el curso de los amantes de la tragedia si Romeo y Julieta quedasen ciegos en lugar de morir? “En la obra, el trágico final de los amantes da paso a la nueva versión y, dentro de esta perspectiva, la pareja se pierde en una especie de laberinto y trata desesperadamente de encontrarse. La obra pone de manifiesto la necesidad de avanzar como una forma de integración de los sentidos”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Cassi Abranches
Música original: Marcelo Jeneci and Zé Nigro
Iluminación: Gabriel Pederneiras
Vestuario: Janaina de Castro
Asistente de coreografía: Ana Paula Cançado

Cassi Abranches utiliza las memorias del cuerpo y impulsos con temas de Marcelo Jeneci y Zé Nigro para construir GEN: “La obra marca mi salida de la etapa de coreógrafo. Todavía tengo referencias físicas de lo que viví en el Grupo Cuerpo, pero trato de mi lengua en cada creación. Invité a la gente de procesos creativos de mi generación para arrancar una nueva era. Está empezando, comenzando, comenzando”, dice el coreógrafo. El trabajo es parte del taller Coreógrafos de Brasil 2014 de la SPCD.

Coreografía y vestuario: Rafael Gomes*
Pista Remixed: Dj Hisato con temas de The End, Jim Morrison, El solitario Tempist, Vic Firth y Take Five de Paul Desmond
Iluminación: Wagner Freire
Establecer diseñador: Kleber Matheus

* Los bailarines usan colección de Alexandre Herchcovitch

Inspirado en las fotografías de Otto Dix y las imágenes de los 50, Rafael Gomes hizo Bingo!, para el Taller de los Coreógrafos Brasileños, de la SPCD. “Es un casino clandestino en que revelan diferentes personajes y situaciones, desde una mujer muy bonita hasta parejas que luchan, la violencia y el sexo prohibido. Los bailarines son las piezas del juego de bingo que se dibujan al azar”, completó el coreógrafo. El espectáculo trae el rock, jazz y funk, desempeñados por los timbales y remezclados por Hisato, la pieza es cortada por las luces de neón de Kleber Matheus y por el ambiente de Wagner Freire, construyendo diferentes sensaciones. Los bailarines usan colección de Alexandre Herchcovitch, elegido por el coreógrafo.

Coreografía: Mario Galizzi basado en el original de 1911 Michel Fokine (1880-1942)
Música: Carl Maria von Weber (1786-1826)
Escenografía y vestuario: Fabio Namatame
Iluminación: Wagner Freire

Un clásico moderno que establece una nueva relación entre el hombre y la mujer. La figura contemplativa y fantástica se convierte en el bailarín, que interpreta el espíritu de una rosa ganada por una mujer joven en su primera fiesta. Después de regresar a casa, ella duerme y sueña con el aroma de la flor, que es el mismo del joven que la presentó. Él aparece en su sueño como un espectro a bailar con ella. Basado en el poema de Théophile Gautier (1811-1872), este clásico moderno fue escrito por Michel Fokine. El tema Invitación a la Danza, escrito por Carl Maria von Weber (1786-1826) para piano, en el 1819, fue orquestada por Héctor Berlioz (1803-1869) en el 1841, rebautizado Invitación a la Valsa.

Coreografía: Mario Galizzi basado en el original de 1836 de August Bournonville (1805-1879)
Música: Herman Lovenskjold (1815-1870)
Iluminación: José Luis Fiorruccio
Vestuario: Beth Filipecki (caracteres), Marilda Fontes (Sylphides)
Escenario: Marco Lima

La Sylphide es un cuento de hadas para todas las edades. Es un punto de referencia del ballet romántico en el que la doble aparición femenina – sensual y etérea – simboliza la dualidad del cuerpo y del espíritu. El trabajo se divide en dos actos: en la primera escena vemos a los preparativos de la fiesta de la boda de James y Effie, y las similitudes y diferencias del amor; en la segunda parte en un mundo imaginario con personajes fantásticos como Sylphides – criaturas aladas de los bosques – y brujas.

Coreografía y Iluminación: Édouard Lock
Música original: The Seasons, Gavin Bryars, publicadas por Schott Music Ltd, y interpretada por Percorso Ensemble, dirigido por Ricardo Bologna
Escenografía: Armand Vaillancourt
Vestuario: Liz Vandal (mujer), Édouard Lock (home)

Imágenes creadas por Édouard Lock en The Seasons revitalizan el sentido de la memoria de la danza. En la escena se puede observar varias capas, que interactúan entre sí – la danza, la música, el paisaje y la luz – y hacen nuevas relaciones, tanto para el espectador, como para los que están en la escena. Cada gesto tiene su corresponsal en un movimiento de la luz, que corta a través del espacio como si estuviese haciendo una edición en vivo para lo que ves. El signo está entre los movimientos vigorosos y muy suaves. Lento y rápido permean las escenas, a la velocidad del pensamiento, desorientando nuestra percepción.

Coreografía: Mario Galizzi basado en el original de 1895 de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Piotr Ilich Chaikovski(1840-1893)
Iluminación: Guilherme Paterno
Vestuario: Tânia Agra

Este dúo marca la reunión del príncipe Siegfried con Odile, el Cisne Negro. La hija del brujo Rothbart desea encantar al príncipe para que lo mismo pueda romper sus votos de amor eterno a Odete, el Cisne Blanco, mientras están en una fiesta. Para engañarle, Odile alterna sutilmente la sensualidad y dulzura, y revela toda su maldad. Este es un importante momento del tercer acto del ballet, uno de los más conocidos en el mundo.

Coreografía: Ana Vitória
Música original: Jorge Peña y Célio Barros
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Sonia Ushiyama
Asistente de coreografía: Renata Costa
Asistente de composición: Natália Fagá
Diseño y vídeos escénica: Carmen Luz
Desenvolvimiento de senario: Marcos Arruzzo and Alvaro Souza
Edición de video: Guido Marcondes and Carmen Luz
Película: Alexandre Robatto

Inspirada por la película Vadiação (1954), de Alexander Robatto, Ana Victoria creó para SPCD Vagancia, el trabajo inspirado en la capoeira dialogando con elementos de la danza contemporánea. Escenas de la película impregnan la obra, redefiniendo los cuerpos, el espacio y el tiempo. “Esta fue la primera película de baile que vi y que hizo a mí repensar el cuerpo y la identidad. Para coreografiar, siempre empiezo con algo más biográfica y hoy, 59 años después de su lanzamiento, esta misma película permite irme más allá de su objeto “, dice la coreógrafa.

Coreografía y dramaturgia: Giovanni Di Palma
Música: Sergei Prokofiev (1891-1953)
Iluminación: Udo Haberland
Dramaturgia: Nadja Kadel
Vestuario y escenografía: Jérôme Kaplan

Romeo y Julieta, la tragedia clásica de William Shakespeare (1564-1616), se llena de vida en el cuerpo de los bailarines de la São Paulo Compañía de Danza en una versión especialmente creada por el coreógrafo italiano Giovanni Di Palma en la música de Sergei Prokofiev (1891-1953). Dividida en dos actos y diez escenas, ella cuenta la historia de los jóvenes Romeo y Julieta, incapaces de vivir libremente su amor a causa de la enemistad entre sus familias. Una historia trágica de amor y odio que permanece atemporal y encanta a diferentes públicos en todo el mundo.

Coreografía: Luiz Fernando Bongiovanni
Música: Ponteios (Ponteio 18, nostálgico; Ponteio 26, la calma; Ponteio 24, tranquila; Ponteio 15, incisivo and Ponteio 1, la calma), Camargo Guarnieri (1907-1993)
Iluminación: Ligia Chaim
Vestuario: Naum Alves de Souza and Miko Hashimoto
Escenario: Soraya Kölle y Dilson Tavares (TKCeno Escenografía and Producciones)

En Utopía o El Lugar que No Existe, Luiz Fernando Bongiovanni critica la forma en que la belleza está asociada con el inútil, alienante, en paralelo a un mundo sin utopías. En la construcción del ballet, él ha seleccionado cinco puntos de la obra de Camargo Guarnieri, que traducen los estados emocionales que trataban de jugar, dándole un carácter típicamente brasileño, influenciado por temas y gestos de la música popular destacados en el escenario por un solo, un trío y un dúo, dando a la escena diferentes direcciones. El paisaje y los trajes reflejan y marcan el espacio en blanco y negro.

Coreografía y vestuario: Marco Goecke
Música: Simple Symphony, Benjamin Britten (1913-1976), H.Y.V.Ä y Sininen javalkoinen, con coral Mieskuoro Huutajat
Iluminación: Udo Haberland
Dramaturgia y organización: Nadja Kadel
Execucion de vestuario: Thomas Lampertz
Coproducción: Movimientos Festival Wolfsburg

En Peekaboo, el coreógrafo alemán Marco Goecke maneja actuar para ocultar y revelar de manera emocionante. El título se refiere a un juego infantil conocido a los niños: un espía persona (peek en Inglés). El niño se esconde su rostro y, de repente, reaparece y dice, ‘encontrado’ o ‘boo’. En la obra, la sinfonía de Britten unida con el sonido del coro finlandés Huutajat muestra contrastes: hablar de la fantasía al mismo tiempo que trae a colación los miedos y la soledad de cada bailarín. El elenco hace solos, dúos, tríos y conjuntos, el movimiento es rápido y preciso y los artistas aparecen y desaparecen misteriosamente de la escena. “Es todo que perder y encontrar”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Rui Moreira
Música: Rui Moreira and Lobi Traoré
Iluminación: Domingos Quintiliano
Vestuario: Eduardo Ferreira
Asistente de coreografía: Bete Arenque
Diseñador Gráfico: Guili Seara
Asistente de Diseñador Gráfico: Juarez Tanure

Azougue presenta características de la cultura afro-brasileña, marcada por el timbre y sonoridad de los tambores. “Azougue es un término de varios significados, pero la expresión que utilicé fue representada por la inteligencia peculiar proveniente de la región noreste del país. Es la persona que se preocupa, pero que no va a sacrificarse, que tiene una vibración superior a lo normal”, cuenta el coreógrafo Rui Moreira. “También usé la relación azogue con el maracatu rural, en el que los caboclos de lanza utilizan una bebida energética preparada con pólvora ron-basada y una hierba llamada azogue para soportar el ‘golpe’ de carnaval y el peso de la ropa”, explica Rui.

Coreografía: Alex Neoral
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750) (Andante de la Sonata No. 2 y Sarabande de Partita No. 1, para violín solo)
Iluminación: Binho Schaefer
Vestuario: André Vytall
Asistente de coreografía: Clarice Rêgo

Detalles (Pormenores) es un ballet marcada por los detalles de los movimientos con la Andante de la Sonata No. 2 y Sarabande de Partita No. 1 para violín solo, de Johan Sebastian Bach. “En este trabajo, trabajamos con dúos, palancas y sus desencadenamientos, que son una característica fuerte de mi trabajo y que podía compartir con los bailarines de la Compañía”, dice Neoral. “Es un trabajo íntimo y valora la proximidad de los artistas.”

Coreografía: Rodrigo Pederneiras
Música: Bachianas Brazileiras nº1, Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Iluminación: Gabriel Pederneiras
Vestuario: Maria Luiza Malheiros Magalhães
Asistente de coreografía: Ana Paula Cançado

Inspirado por Bachianas Brasileiras No. 1, de Heitor Villa-Lobos, Rodrigo Pederneiras ha creado una coreografía en que la danza responde a la estructura íntima de la música. Dividido en tres movimientos, el trabajo destaca la brasilidad, el romance y la pasión de nuestra gente. Violonchelos traducen el propio gesto, y esta afinación entre el sonido y el movimiento crea la obra, que tiene acentos especiales en el cuerpo de cada intérprete. En Bachiana n° 1, la versatilidad de los bailarines trae nuevo énfasis al lenguaje Pederneiras.

Coreografía y iluminación: Henrique Rodovalho
Música: André Abujamra
Vestuario: Cássio Brazil
Escenografía: Shell Jr.
Ejecución de escenario: FCR | Fábio Brando

Inquieto tiene tres caras para cuando falta la paz. Tres personajes marcan la escena y poco a poco revelan diferentes preocupaciones al mundo: una velada y que parece no mover, todavía, lo que sucede en los pequeños gestos es casi incontrolable; otra determinada, como una línea a rascarse directamente a través del espacio de la escena; y otra traducida correctamente en movimiento: el cuerpo en sus diferentes articulaciones, conexiones y sinuosidades expandidas en el espacio. En la elaboración de la pieza, el tercer carácter se desarrolla en diez: los movimientos se multiplican, pasan a través de diferentes artistas como si fueran uno. La música de André Abujamra crea el ambiente y revela la dinámica de la obra. La quietud y el movimiento, la sombra y la luz, líneas rectas y sinuosas. Las polaridades que hay en la escena nos instigan a hacer preguntas alrededor del espacio y sus posibilidades e invenciones revelan un poco de aprensión cotidiana.

Coreografía: Maurício de Oliveira
Música: André Abujamra
Iluminación: Wagner Freire
Direccione de vestuario: Jum Nakao
Ejecución e creaciones de vestuario: Bruna Valente, Joceli Oliveira, Juliana Zampini, Patricia Maria Grossi, Roberto Slursarz Filho

El trabajo se centra en la imagen del bailarín que se multiplica sobre el escenario. En el entorno marcado por la luz de Wagner Freire, ocho intérpretes tratan de dibujar el espacio a través de sus propios movimientos y la relación de los cuerpos. Es el doble individual, de la otra persona y de la asamblea que va a establecer relaciones ambiguas. Entran, se mezclan, se contaminan en la búsqueda de un encuentro con los demás y con usted. Habitan un momento determinado. En Los Dobles, artistas son co-creadores de las estrategias introducidas, cuya firma coreográfica es reconocida por el movimiento y charla con el traje de Jum Nakao y la música especialmente compuesta por André Abujamra.