Criações

Coreografia: Jomar Mesquita
Assistente de coreografia: Rúbia Frutuoso
Músicas: Poema Saudades, de Arnaldo Antunes; Assum Preto, de Luiz Gonzaga e Humberto Teixeira (intérprete: Jorge Du Peixe); Fim de Festa, de Itamar Assumpção (intérpretes: Naná Vasconcelos e Itamar Assumpção); Carinhoso, de João de Barro e Pixinguinha (intérprete: Elza Soares); Como 2 e 2, de Caetano Veloso (intérpretes: Arnaldo Antunes e Vitor Araújo); Samba da Benção, de Baden Powell e Vinícius de Moraes (intérprete: Maria Bethânia); Avisa, de Tato (intérprete: Cida Moreira); Juízo Final, de Elcio Soares; Nelson Cavaquinho (intérprete: Arnaldo Antunes); Manhã de Carnaval, de Luís Bonfa e Antônio Maria (intérpretes: Jean Pascal Quiles, Louis Quiles e Nelly Decamp); vozes dos bailarinos do elenco.
Figurino: Agustina Comas
Iluminação: André Boll
Estreia: 2024, Teatro Sérgio Cardoso | São Paulo – SP

Qual é a sensação que fica após cessado o estímulo? Os mínimos e mais sutis, os dolorosos ou longevos. O som da gangorra, o cheiro do café da avó, toques, as imagens que parecem permanecer ou persistir. Aqueles que gostaríamos de guardar em uma cristaleira, em um relicário. E como nos transformamos quando tais estímulos deixam de ser reais, mas persistem na nossa cristaleira interior… Yoin.

Ao revisitar as referências usadas para criar a obra Mamihlapinatapai – primeira criação de Jomar Mesquita para a São Paulo Companhia de Dança – o coreógrafo se deparou com outra conotação do significado dessa palavra tão instigante: aquele momento de reflexão em volta do fogo, após os avós transmitirem suas histórias e conhecimentos para os mais jovens. Ou seja, mais uma vez: a sensação que fica após cessado o estímulo.

“E o que fazemos com o que ficou, com as nossas ancestralidades, perdas, gozos, suspiros, arrepios, dores… que guardamos no nosso relicário: Yoin. Essa nova criação nos faz retornar, portanto, ao início desse meu encontro com esses artistas e refletir sobre as sensações que ficaram em nós e as que deixamos no público. O que ficou das experiências passadas de cada um, das nossas ancestralidades, quais legados nos foram transmitidos e por nós embalados. Nos transformamos em novas versões de nós mesmos, após cessados os estímulos que nos perpassaram ou nos atravessaram”, conta Jomar.

A trilha sonora metaforiza esse universo, com versões de músicas cujas interpretações originais marcaram o cenário musical brasileiro e o que elas se tornaram após transformadas por novos olhares. O figurino utiliza o upcycling em uma analogia com as novas e melhores versões que podemos criar de nós mesmos a partir dos resíduos das experiências vividas, que guardamos nas nossas cristaleiras interiores. A iluminação simboliza a fogueira de forma contemporânea, em volta da qual os saberes e ancestralidades são transmitidos para nos transformar. Yoin também diz da própria dança que, com sua efemeridade, deixa suas marcas e sensações, após fechadas as cortinas… para o público embalar nos seus relicários.

Coreografia: Beatriz Hack
Músicas: Boi nº1, Foli Griô Orquestra com Cacau Amaral; Nordavindens Klagesang, de Vàli; Giardini Di Boboli, de Manos Milonakis feat. Jacob David e Grégoire Blanc; Encruzilhada, de Tulio; e Marie, de Cristobal Tapia De Veer – mixagem por Renan Lemos
Figurinos: Balletto
Duração/Elenco: 14 minutos e 44 segundos com 7 bailarinos
Pré-Estreia pela SPCD: 2024 | Teatro Municipal de Itapevi, Itapevi/SP

Casa Flutuante, primeira criação de Beatriz Hack para a São Paulo Companhia de Dança, revela diferentes conceitos de “casa” e suas impermanências, na cena. Conduzidos por uma trilha sonora eclética, o elenco flutua entre os movimentos propostos pela coreógrafa e desenvolvidos a partir da experiência pessoal de cada um. Os movimentos individuais e de grupo exploram as relações humanas e interpessoais. Vivemos um momento de fluxo contínuo de informações, sem tempo para reflexões sobre a profundidade da nossa existência. Para isso, é preciso aterrarmos, voltarmos para casa – seja ela um espaço físico, o corpo humano ou o planeta Terra”, reflete Beatriz.

Coreografia e iluminação: Stephen Shropshire
Música: Symphony no 8: IV: Finale de Anton Bruckner (1824-1896)
Figurino: Fabio Namatame
Duração/Elenco: 22 minutos com 10 bailarinos
Pré-estreia: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP

“The Eighth” é resultado de uma parceria entre o Dutch Performing Arts Program, do Performing Arts Fund NL, da Holanda, e a Associação Pró-Dança, São Paulo Companhia de Dança. É também uma co-produção do Bruckner Festival e apoio do Governo Holandês.

Desde 2020, Stephen Shropshire é coreógrafo residente da São Paulo Companhia de Dança, para quem já criou: Rococó Variations (2020), Marmórea (2021) e Partita (2022). Juntos, esses trabalhos revelam uma linha de pesquisa que começou com a (re)investigação de Shropshire sobre a técnica do balé clássico, a fim de descobrir novas maneiras de pensar e se envolver com seu processo coreográfico. Em The Eighth (2024), ele oferece ao público uma nota de rodapé a estes três trabalhos distintos, porém interligados. Shropshire cria esta obra ao som da Oitava Sinfonia, de Anton Bruckner (1824-1896), uma composição emocionante, assim como disse o jornalista musical Tom Service, “que não pode ser explicada pelas regras e regulamentos musicais; em vez disso, sua ‘forma’ é fenomenológica e é algo você precisa experimentar”.

Cada Olhar (2024)
Coreografia e Iluminação: Henrique Rodovalho
Música: Obatalá, escrita por Kiko Dinucci, interpretação e produção de Metá Metá
Figurino: Fábio Namatame
Elenco: 7 bailarinas

Essa obra é uma releitura de ‘Desassossegos’, também de Henrique Rodovalho.

Esta coreografia trata do olhar de cada uma das sete bailarinas, de como cada uma se sente e se apropria diante deste singular momento de movimentos e música, que foi construído, inicialmente, pelo olhar do coreógrafo. E a partir dessa construção, provocar posteriormente o olhar de cada pessoa, de cada público que vê, para ter as suas escolhas e sobretudo ter as suas legítimas impressões sobre este efêmero e intenso momento, diante dos seus olhos, diante de cada olhar.

Coreografia: Lucas Valente
Músicas: Em Transe, de Cadu Tenório & Márcio Bulk na voz de Lívia Nestrovski; Fragmentos, de Cadu Tenório e Afterglow, de Rival Consoles
Iluminação: Nicolas Marchi
Figurino: UMA – Raquel Davidowicz
Duração/Elenco: 15 minutos com 3 bailarinos
Estreia: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP

Baseado em duas facetas essenciais do sal – a física e a energética – a coreografia de Lucas Valente – que foi bailarino da São Paulo Companhia de Dança – explora movimentos que capturam sua textura, sua natureza áspera, seca e afiada, buscando uma sensação de intensidade e vigor. A obra explora ideias de como seria uma dança salgada na busca uma fisicalidade energética, saborosa, eficaz e ágil. “Nos deparamos com uma dualidade inerente ao sal, que se dissolve e se coordena na água, encontrando uma capacidade de fluidez quase ambígua quando em combinação, se transforma e adapta”, fala o coreógrafo. A exploração da riqueza de significados e ideias associadas ao sal na cultura brasileira, que se expressam desde os rituais de banhos de sal grosso, presentes em diversas tradições espirituais, até as manifestações culturais, como o maracatu de baque solto, que utilizam o sal como parte de sua dança em gesto de oferenda e conexão com a terra também estão presentes na coreografia. Esse elemento ritualístico rege a peça, que busca compartilhar uma experiência sensorial, combinando uma narrativa física e uma narrativa conceitual à poderosa energia do sal e à rica diversidade cultural do Brasil.

Concepção e coreografia: Goyo Montero
Música: Igor Stravinsky
Cenografia: Curt Allen Wilmer e Letícia Gañán
Figurinos e Bonecos (infláveis e marionetes): Salvador Andujar
Iluminação: Nicolas Fischtel
Assistente de Coreografia: Igor Vieira
Organização (Espanha): Carlos Iturrioz
.
Execução de Figurinos: Fabio Namatame
Consultoria para Construção e Manipulação de Bonecos: Beto Andreetta
Execução de Infláveis e Pintura de Arte: Carlos Delfino
Execução de Máscaras e Marionetes: Dino Soto
Duração/Elenco: 35 minutos / 14 bailarinos 

© GOYO MONTERO, todos os direitos reservados

Um dos balés mais populares do cenário mundial, estrelado por Vaslav Nijinsky, em 1911, Petroushka, conta a história de amor e ciúme de três bonecos que ganham vida. Este é o tema da mais nova criação do coreógrafo espanhol Goyo Montero para a São Paulo Companhia de Dança. Nesta releitura inédita, bonecos infláveis gigantes ganham novos contornos – Petroushka, Bailarina e Lutador  –, contam esta história de amor, morte, alegria, tristeza, rejeição e manipulação. Petrushka ama a Bailarina, mas ela prefere o Lutador, que mata Petrushka, cujo fantasma aparece quando a noite cai. “É um teatro dentro de outro teatro, para que eu possa contar essa história de diferentes perspectivas”, fala o coreógrafo. Essa é segunda montagem de Goyo Montero para a SPCD, para quem já criou ‘Anthem’ (2019).

Coreografia e figurinos: Shahar Binyamini
Assistente de coreografia: Yotam Baruch
Músicas: Le Tombeau de Couperin M 68: II Fornane e III Minuet, de Maurice Ravel, Blade Runner, de Hans Zimmer e Benjamin Wallfish e Hard to Tell, de Andy Stott e Alison Skidmore.
Iluminação: Wagner Freire
Execução de figurinos: Cris Driscoll
Duração: 24 minutos
Estreia: 2023 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP

‘I’ve Changed My Mind’, criada pelo israelense Shahar Binyamini, especialmente para a São Paulo Companhia de Dança, questiona sobre quem somos como humanos, animais, almas e entidades. O título traduzido como “Eu Mudei de Ideia”, está ligado ao processo de criação artístico na sala de ensaio, sendo que em alguns momentos precisamos renunciar a alguns conceitos e abraçar o que é incógnito. Na cena, para que os intérpretes se mantenham presentes, eles buscam uma conexão consigo mesmos, e ao mesmo tempo, se conectam com o todo percebendo-o como parte de um único corpo. “Nós não estamos mais ‘lá’ (no passado) e sim ‘aqui’ (no presente) e isso nos permite a liberdade de não sermos responsáveis por tudo, e sim, pelo que a própria situação nos pede”, fala o coreógrafo. Este dinamismo proposto pela obra é um convite para que o público abra espaço dentro de si – respeitando sua singularidade – e vá ao encontro do que o coreógrafo nomeia como “o frescor da mudança”: uma energia de troca constante entre os intérpretes e a plateia.

Coreografia: Lili de Grammont
Trilha Sonora original: de Ed Côrtes, com canções – Você é Doida Demais”, “Vou Rifar Meu Coração” e “Linda”, de Lindomar Castilho
Figurino: Cláudia Schapira
Iluminação: Caetano Vilela
Estreia: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Essa obra integrou o projeto Ensejos, uma parceria com o Centro Cultural São Paulo, que tem curadoria de dança de Mark Van Loo e direção geral de Rodolfo Beltrão.

Sob os clássicos de Lindomar Castilho, como “Você é Doida Demais”, “Vou Rifar Meu Coração” e “Linda” – revisitados e modernizados pelo compositor Ed Côrtes – a coreógrafa Lili de Grammont, cria sua primeira obra para a São Paulo Companhia de Dança, a partir de um dos casos passionais mais conhecidos no país: o feminicídio de Eliane de Grammont, sua mãe, por Lindomar Castilho, seu pai. A dramaturgia da obra é construída a partir de pinceladas de memórias de Lili com relação a história. “A narrativa não é direta e tão pouco intenciona contar a história. É uma inspiração, recheada de sentimentos e complexidades. Memória em Conta Gotas expõe vulnerabilidade e tristeza, mas acima de tudo dialoga sobre como seguir com coragem e esperança”, diz ela.

Coreografia: Arilton Assunção
Músicas: “Teia de Renda”, de Milton Nascimento e Túlio Mourão e “Evocação das Montanhas”, de Henrique de Curitiba
Assistente de coreografia: Henrique Duarte e Samuel Elias Rodrigues
Mixagem de trilha: Lucas Romualdo
Figurino: Cláudia Schapira
Iluminação: Caetano Vilela
Estreia: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Essa obra integrou o projeto Ensejos, uma parceria com o Centro Cultural São Paulo, que tem curadoria de dança de Mark Van Loo e direção geral de Rodolfo Beltrão.

Teia de Renda, de Arilton Assunção, que parte de temas como a literatura, a poesia, a dramaturgia, a política e a religiosidade em movimento para construir a obra. A coreografia encontra nas composições “Teia de Renda” e “Evocação das Montanhas”, a inspiração e a liberdade de sua concepção. “Uma teia que sustenta, que alimenta, que une e separa relações”, diz Arilton. 

Coreografia: Poliane Fogaça
Músicas: “Canción para um Niño em la calle,” de Algel Ritro, Armando Tejada, René Pérez; “Afonsina Y El mar”, de Ariel Ramírez, Feliz Cezar Luna, “Razón de Vivir”, de Victor Heredia e “Canción Con Todos”, de Armando Teijada Gomez, Cézar Isella
Figurino: Cláudia Schapira
Iluminação: Caetano Vilela
Estreia: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Essa obra integrou o projeto Ensejos, uma parceria com o Centro Cultural São Paulo, que tem curadoria de dança de Mark Van Loo e direção geral de Rodolfo Beltrão.

Inspirado livremente na obra literária: “As veias Abertas da América Latina”, do escritor uruguaio Eduardo Galeano (1940-2015) e embalado pelas canções da cantora argentina Mercedes Sosa (1935-2009), Veias Abertas, de Poliane Fogaça, propõe o encontro desses dois grandes artistas que em comum, contaram as histórias dos povos latino-americanos. Galeano nos diz que “o futuro sempre precisa ser reinventado”, enquanto Mercedes dizia “que é preciso dar voz aos que não têm voz”. A obra revela aspectos sociais – como a fome, a falta de oportunidade, a luta contra a repressão – e a resiliência, o amor pelo próximo e a noção de unidade entre os povos. “Quiçá seja uma utopia acreditar que é possível estancar o sangue das veias abertas da nossa sociedade. Mas que seja um sonho em ação, um ato de esperançar um novo futuro de justiça e união. Por meio da poética da arte de dançar, que a dor cesse, que a ferida cicatrize e que nos inspire a cada passo, a sermos e estarmos uns pelos outros”, diz a coreógrafa.

Concepção e Coreografia: Eduardo Fukushima
Montagem musical: de Fukushima a partir de “Night’s Calling” de Rodolphe Alexis, “Sumertime”, de Tunekichi Suzuki e “Sedna” de Kyungso Park
Colaboração Artística e Assistente de Coreografia: Beatriz Sano
Colaboração Textual: Isabel Ramos Monteiro
Agradecimento: Toshi Tanaka (leque)
Figurino: Cláudia Schapira
Iluminação: Caetano Vilela
Estreia: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Essa obra integrou o projeto Ensejos, uma parceria com o Centro Cultural São Paulo, que tem curadoria de dança de Mark Van Loo e direção geral de Rodolfo Beltrão.

Ver o Ar Ouvir o Verão, que é uma partitura coreográfica criada por Eduardo Fukushima a partir de sua pesquisa com práticas corporais chinesas e japonesas, entrelaçando questões da dança contemporânea e da performance, a partir de múltiplas referências. “O ar é a matéria principal dessa coreografia. É uma tentativa de coreografá-lo, dar luz à sua matéria ao mesmo tempo concreta e invisível, que nos envolve, nos une. Há alguém no vento? O vento passa e o que antes era verão agora já é outono. Mas ainda é preciso escutar o calor, ouvir o verão”, fala o coreógrafo. Esta é uma dança para as forças do vento.

Coreografia: Márcia Haydée
Música: Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893), Get up Off de Stro Elliot mixada por Matheus Carrato Alexandre, Jingo Bells, de Stefen Swansoon e Fertility of the Sea, de Eitetsu Hayashi
Figurino: Tânia Agra
Cenografia: Nicolás Boni
Iluminação: Wagner Freire
Maître Convidado: Pablo Aharonian
Assistentes de Coreografia: Aline Campos e Beatriz Hack
Assistente de Coreografia (Dança Do Papai Noel): Ciça Veronese
Técnica de Kobudo: Gunter Schöberl
Duração: 1 hora e 40 minutos

Estreia pela SPCD: 2022 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

O Quebra-Nozes no Mundo dos Sonhos é uma releitura do libreto de E.T.A. Hoffmann (1778-1822) que narra a experiência de dois irmãos em uma noite de Natal especial, quando um boneco quebra-nozes ganha vida e os conduz em uma jornada inesquecível por um reino mágico e dançante. O popular conto natalino, nesta versão inédita de Márcia Haydée, uma das mais importantes artistas do país a fazer carreira na Europa como diretora de dança e primeira-bailarina, traz referências do nosso país, com passagens por mundos da capoeira, das danças urbanas e, claro, do balé clássico. A história, assim como na original de 1892, coreografada por Marius Petipa (1818- 1910), é conduzida por uma das composições mais famosas de Tchaikovsky (1840-1893), unindo a tradição do balé à inventividade de Márcia.

Coreografia e Figurino: Juliano Nunes

Música: Bachiana Brasileira nº 8, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959)

Iluminação: Wagner Pinto

Produção do Figurino: Cássio Brasil

Duração: 24 minutos

Elenco: 14 bailarinos

Estreia pela SPCD: 2022 | Sala São Paulo, São Paulo/SP – Brasil

Cartas do Brasil é a primeira criação de Juliano Nunes para a São Paulo Companhia de Dança e para uma companhia Brasileira. “Essa obra é um pouco do Brasil que existe em mim. É o lugar onde o gesto de um afeta o gesto do outro e, embora tudo passe muito rápido, todos estão conectados como uma revoada de pássaros”, fala Nunes. Na coreografia, cada bailarino escreve com o corpo um diálogo contínuo que traduz a urgência de estar vivo.

Nunes criou inspirado na Bachiana Brasileira no 8, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) e nas suas memórias de infância que lhe remetem ao universo dos pássaros e das florestas. Na dança, as mãos, os braços e as cabeças vibram e nos lembram as imagens das asas dos pássaros, das folhas ao vento, do menear das cabeças das aves. “A beleza do corpo em movimento nos toca como palavras ao vivo”, diz Nunes. O figurino, uma malha azul em referência ao céu do Brasil – com detalhes pintados à mão pelo coreógrafo no corpo dos intérpretes – revela a silhueta dos artistas e as individualidades de cada um. E a luz vem completar esta atmosfera que nos transporta para um tempo vibrante, ágil e intenso.

Concepção e Direção Coreográfica: Gal Martins

Trilha Sonora Original: Dani Lova (direção musical e criação) com voz e contribuição artística de Thais Dias

Figurino e Visagismo: Gil Oliveira

Iluminação: Camila Andrade

Cenografia e Adereços: Caio Marinho

Cenotécnico: Pedro Paes

Assistente de Figurino: Bábi Batista e Giselle Carvalho

Estreia pela SPCD: 2022 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brasil

Elenco: 10 bailarinos

Duração: 25 min

Da palavra tupi-guarani Ibi, que significa terra, chão que se pisa, nasce a criação de Gal, que reflete sobre a questão do pós-isolamento da sociedade e sobre a falta de conexão do homem com a natureza. Inspirada em “O Amanhã Não Está a Venda”, de Ailton Krenak, e em diálogo com suas pesquisas sobre ancestralidade e o devir-animal, a obra é dividida em três momentos. No primeiro momento a coreógrafa quis trazer a ideia da terra arrasada, da provocação, da animalidade como potência e como isso se reconstrói. Na segunda parte, os intérpretes entram em contato com ‘eu’ individual e sua ancestralidade numa batalha contra as adversidades, e no terceiro, vemos uma reflexão sobre aquilo que aprendemos ao longo desta jornada. Segundo Gal, a ideia é “continuarmos insistindo em sermos o que somos”.

Coreografia, Figurino e Iluminação: Stephen Shropshire

Música: Partita, Perihelion I, II e III (Allamande; Sarabande e Gigue) de Margaret Anne Schedel, interpretada por: Schedel e Mikylah Myers

Duração: 15 min

Elenco: 10 bailarinos

Estreia pela SPCD: 2022 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brasil

“Partita” é a terceira criação de Stephen Shropshire para a São Paulo Companhia de Dança, inspirada na pintura do artista renascentista Pieter Bruegel (1525-1569) “Landscape with the Fall of Icarus” (1555), em diálogo com o poema homônimo escrito, em 1939, por William Carlos Williams (1883-1963). Com um figurino minimalista, o bailarino explora o espaço cênico e reescreve cada letra dos versos do poeta, em diálogo com os gestos dos outros intérpretes. Uma bailarina, ao canto da cena, soletra o texto completo no ar, que ganha ainda mais potência a cada frase dançada. Sob três movimentos contemporâneos da “Partita, Perihelion”, de Margaret Schedel e Mikylah Myers McTeer, instrumentos como flauta e violino ganham nuances eletrônicas. A peça instiga o espectador a perceber as interpretações e sensações do que se vê no próprio corpo. Uma obra “abstrata e desafiadora, com pessoas normais fazendo coisas extraordinárias”, revela o coreógrafo.

A obra é uma coprodução com o The Dutch Performing Arts Program of the Performing ArtsFund NL (Holanda).

Remontagem: Diego de Paula, a partir da obra de 1847 de Marius Petipa (1818-1910)

Música: Édouard Deldevez (1817-1897) e Ludwig Minkus (1826- 1917)

Iluminação: Nicolas Marchi

Cenário: Reproduções de fotografias da escadaria do Edifício Histórico do Museu Paulista – Eixo Monumental, de Hélio Nobre e José Rosael, gentilmente cedidas pelo Acervo do Museu Paulista da Universidade de São Paulo

Figurino: Tânia Agra

Duração: 14 minutos

Paquita conta a história de uma jovem órfã criada por ciganos que salva a vida do filho de um general francês, Lucien. Eles se apaixonam, mas precisam enfrentar desafios para viver esse amor. A suíte assinado por Diego de Paula se concentra na cena final do balé, quando o casal comemora a possibilidade de estar junto em um baile alegre e enérgico.

*Essa coreografia também é apresentada nas versões Pas de Deux e Divertissement.

Coreografia: Miriam Druwe

Música: Choros nº 6, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959)

Cenografia e Figurino: Fábio Namatame, inspirado em obras de Di Cavalcanti (1897-1976) cedidas gentilmente por Elisabeth Di Cavalcanti para esta criação

Iluminação: Wagner Freire

Elenco: 14 bailarinos

Duração: 25 min

Estreia pela SPCD: 2022 | Theatro São Pedro, São Paulo/SP – Brasil

Di Cavalcanti (1897-1976) inspira esta obra baseada na imaginação e no lirismo das telas deste grande nome das artes visuais do país, em diálogo com o Choros nº 6, de Villa-Lobos (1887-1959). Em comum, esses artistas manifestam impressões do Brasil a partir de um pensamento modernista, e Miriam Druwe parte do movimento para apresentar novas propostas para essas imagens no contexto do século XXI.

Concepção e Direção artística: Inês Bogéa

Trilha Sonora: J.S. Bach (1685-1750), Gioachino Rossini (1792-1868), Henrique Oswald (1852-1931) e Dmitri Shostakovich (1906-1975), com execução da Orquestra do Theatro São Pedro, sob direção do maestro Claudio Cruz

Iluminação: Nicolas Marchi

Fotografia: Chrales Lima e Nicolas Marchi

Montagem e Finalização: Charles Lima

Dramaturgia musical e Platô: Rodolfo Dias Paes (DiPa)

Operação de Câmera: Charles Lima e Alan Fabio Gomes

Assistência de regência: Gesiel Vilarubia

Captação de som direto: Julio Abreu

Assistente de áudio: Ítalo Belfiorie

Making of: Alan Fabio Gomes

Still: Marcos Alonso

Duração: 27 min

Elenco: 20 bailarinos

Estreia pela SPCD: 2022 | Transmissão nos canais no YouTube da SPCD e do Theatro São Pedro

Dividida em dois volumes, cada qual com quatro obras distintas, Reflexos de um Tempo Presente traz diferentes ambientes do Theatro São Pedro – fachada, saguão, corredores, balcões, plateia e palco –, revelando esse patrimônio arquitetônico da capital paulista sob novas perspectivas a partir da interação com a dança e a música orquestral na forma de videodanças nos quais os bailarinos da São Paulo Companhia de Dança dialogam com instrumentistas da Orquestra do Theatro São Pedro. Os filmes integram a série Dança Hoje, iniciada em 2020, e apresentam o trabalho de jovens coreógrafos a partir de 8 obras contemporâneas inéditas criadas especialmente para o audiovisual e que têm, em comum, um fino entrosamento entre música e movimento.

Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 2 é composta pelas seguintes coreografias:

Momentum

Coreografia: Letícia Forattini

Música: Sonata para Violino nº 1 em Sol Menor, BWV 1001 /II. Fuga, de J.S. Bach (1685-1750), interpretada por Claudio Cruz (violino)

Figurino: Raquel Davidowicz – UMA

Cenografia: Luiz Antônio Dias

Bailarinos: Ana Roberta Teixeira, Cecília Valadares, Hiago Castro, Luan Barcelos, Luiza Yuk, Mateus Rocha, Matheus Queiroz, Otávio Portela, Thamiris Prata e Yoshi Suzuki

“Il Cast”

Coreografia e Figurino: Artemis Bastos

Música: Abertura da ópera O Barbeiro de Sevilha, de Gioachino Rossini (1792-1868), executada por Andrey Ivanov (piano), Franklin Martins (violoncelo), Mariela Micheletti (violino)

Execução de Figurino: Edmeia Evaristo

Bailarinos: Alan Marques, Beatriz Paulino, Cecília Valadares, Luan Barcelos, Poliana Souza e Vinícius Vieira

Participação especial: André Souza e Luiz Antônio Dias

O Voo

Coreografia e Figurino: Vinícius Anselmo

Música: En Nacelle, de Henrique Oswald (1852-1931), interpretada por Andrey Ivanov (piano)

Execução de Figurino: Edmeia Evaristo

Poema: O Voo, de Rubem Alves, na voz de Inês Bogéa

Bailarinas: Beatriz Paulino e Luciana Davi

Totentanz

Coreografia, Figurino e interpretação: Ammanda Rosa e Nielson Souza

Música: Trio nº 2 para piano, violino e violoncelo Op 67 / IV Allegretto, de Dmitri Shostakovich (1906-1975), interpretada por Anderson Santoro (violino), Franklin Martins (violoncelo), Andrey Ivanov (piano)

Execução de Figurino: Edmeia Evaristo

Efeitos Cênicos: André Souza, Luiz Antônio Dias e Nicolas Marchi

Poema: Johannes Klöcking na voz de Bastian Thurner

Concepção e Direção artística: Inês Bogéa

Trilha Sonora: Heitor Villa-Lobos (1887-1959), Astor Piazzolla (1921-1992), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) e Samuel Barber (1910-1981), com execução da Orquestra do Theatro São Pedro, sob direção do maestro Claudio Cruz

Iluminação: Nicolas Marchi

Fotografia: Chrales Lima e Nicolas Marchi

Montagem e Finalização: Charles Lima

Dramaturgia musical e Platô: Rodolfo Dias Paes (DiPa)

Operação de Câmera: Charles Lima e Alan Fabio Gomes

Assistência de regência: Gesiel Vilarubia

Captação de som direto: Julio Abreu

Assistente de áudio: Ítalo Belfiorie

Making of: Alan Fabio Gomes

Still: Marcos Alonso

Duração: 25 min

Elenco: 16 bailarinos

Estreia pela SPCD: 2021 | Transmissão nos canais no YouTube da SPCD e do Theatro São Pedro

Dividida em dois volumes, cada qual com quatro obras distintas, Reflexos de um Tempo Presente traz diferentes ambientes do Theatro São Pedro – fachada, saguão, corredores, balcões, plateia e palco –, revelando esse patrimônio arquitetônico da capital paulista sob novas perspectivas a partir da interação com a dança e a música orquestral na forma de videodanças nos quais os bailarinos da São Paulo Companhia de Dança dialogam com instrumentistas da Orquestra do Theatro São Pedro. Os filmes integram a série Dança Hoje, iniciada em 2020, e apresentam o trabalho de jovens coreógrafos a partir de 8 obras contemporâneas inéditas criadas especialmente para o audiovisual e que têm, em comum, um fino entrosamento entre música e movimento.

Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 1 é composta pelas seguintes coreografias:

Coabito

Coreografia e Figurino: André Grippi

Música: Prelúdio nº 3, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959), interpretada por Gesiel Vilarubia (violino)

Execução de Figurino: Edmeia Evaristo

Bailarina: Ana Roberta Teixeira

Oblivion

Coreografia e Figurino: Irupé Sarmiento

Música: Oblivion, de Astor Piazzolla (1921-1992), interpretado por Renan Gonçalves (violino), Anderson Santoro (violino), Mariela Micheletti (violino), Diogo Guimarães (viola) e Franklin Martins (violoncelo)

Poema: Los Espejos, de Jorge Luis Borges (1899-1986) na voz de Luiz Arrieta

Bailarinos: Daniel Reca e Geivison Moreira

Bailarino Convidado: Luis Arrieta

Colapso

Coreografia e Figurino: Beatriz Hack

Música: Fantasia nº3 em Ré Menor K.397, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), interpretada por Andrey Ivanov (piano)

Objeto Cênico: Luiz Antônio Dias

Bailarinos: Nielson Souza, Otávio Portela e Vinícius Vieira

Perspectiva

Coreografia e Figurino: Matheus Queiroz

Música: Adágio para Cordas, de Samuel Barber (1910-1981), interpretada por Renan Gonçalves (violino), Hugo Leonardo (violino), Fabio Schio (viola), Fabrício Rodrigues (violoncelo)

Figurino: Highstil (camisas)

Bailarino: Artemis Bastos, Beatriz Paulino, Beatriz Hack, Cecília Valadares, Letícia Forattini, Leonardo Pedro, Luiza Yuk, Milton Coatti e Otávio Portela

Direção geral: Inês Bogéa e Stephen Shropshire
Coreografia: Stephen Shropshire
Músicas: Sonata em Si Menor K87, de Domenico Scarlatti (1685-1757), interpretada ao violão por Douglas Lora
Figurino: Plié
Duração/elenco: 9 minutos com Hiago Castro e Luiza Yuk
Estreia pela SPCD: 2021 | Transmissão no canal da SPCD no YouTube

Marmórea é um videodança no qual Stephen Shropshire – coreógrafo residente da São Paulo Companhia de Dança – aplica sua intrincada movimentação a um duo no qual os bailarinos são como esculturas que tomam vida em diálogo com a música do compositor Domenico Scarlatti (1685-1757) interpretada ao violão. Em uma fusão entre as linguagens da dança, da música, do audiovisual e das artes visuais, esta produção foi gravada na Pinacoteca de São Paulo e integra a programação do Pina Dança 2021. Com direção geral de Inês Bogéa – diretora da SPCD – e Stephen Shropshire, Marmórea é uma parceria entre a São Paulo Companhia de Dança, a Pinacoteca de São Paulo e The Dutch Performing Arts program of the Performing Arts Fund NL, da Holanda.