Remontajes

Coreografía: Edward Clug
Reconstructora: Chloé Albaret
Música: Milko Lazar
Vestuario: Leo Kulas
Iluminación: Tom Visser
Asistente de iluminación: Daan de Boer
Escenógrafo: Marko Japelj
Elenco: 6 bailarines
Duración: 25 min y 32 secs
Estreno mundial: 2019, NDT1, Países Bajos
Estreno con la SPDC: 2026 | Barueri, São Paulo/SP – Brasil

Aperture explora la intimidad humana, revelando en escena la dinámica del deseo entre los cuerpos: su construcción, transformación y posible desaparición. Con un lenguaje coreográfico preciso y sensible, la obra expone los matices de la atracción y la vulnerabilidad, llevando al público a una experiencia a la vez íntima y universal. Concebida desde la mirada del espectador, la coreografía establece una analogía entre el iris —que se expande y se contrae— y la apertura de una cámara, convirtiendo el escenario en un espacio que se revela y se retrae bajo la observación.

El espacio propuesto en la obra no es literal, sino mental, un campo de encuentros en el que los intérpretes negocian continuamente la distancia y la proximidad, la atracción y el alejamiento. En este contexto, se establecen diferentes dinámicas de deseo y poder, revelando estrategias individuales y distintas formas de relacionarse. En lugar de una narrativa fija, Aperture se desarrolla a través de situaciones que surgen y se disuelven, estructuradas por un sofisticado sistema de acción y reacción, en el que cada gesto desencadena nuevas respuestas bajo una superficie aparentemente ligera y fluida.

Creada originalmente en 2019, la obra cuenta con una nueva puesta en escena y se estrena de nuevo a cargo de la São Paulo Compañía de Danza en 2026. Para Clug, volver a montar la obra no es un acto de repetición, sino de renovación: «la obra pasa por diferentes cuerpos, diferentes sensibilidades culturales e, inevitablemente, revela algo que yo no sabía que estaba ahí», reafirmando su potencia estética y su relevancia en el repertorio contemporáneo.

Remontaje: Lars Van Cauwenbergh, based on the work of August Bournonville (1805-1879)
Musicas: Napoli: 3 akt.: no2; Damer (2, 3, 4); Herresolo (1, 2, 3); Damesolo (1, 2, 3, 4); Coda; by Edvard Helsted (1816-1900), Holger Simon Paulli (1810-1891) – versión ejecutada por la Orquesta Sinfónica de Aalborg
Vestuario: Fábio Namatame
Duracíon: 14 minutos y 28 segundos
Elenco: 7 bailarines
Preestreno: 2024 | Teatro Municipal de Itapevi, Itapevi/SP

Coreografía y escenografía: Marco Goecke
Remontaje: Giovanni di Palma
Musica: Le Chant du Rossignol, de Igor Stravinsky (1882-1971)
Iluminación: Udo Haberland
Vestuario: Michaela Springer
Duration: 22 minutos
Elenco: 10 bailarines
Estreno: 2023 | Theatro São Pedro, São Paulo/SP

Coreografía: Lars Van Cauwenbergh, del original de 1909 por Jules Perrot (1810-1892) y Jean Coralli (1779-1854)
Música: Adolphe Adam (1803-1856)
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Marilda Fontes
Escenografía: Vera Hamburger
Asistente de escenografía: Fernando Passetti
Ejecución de escenografía: Jorge e Denis Produções Cenográficas
Tratamiento de imagen: MR Estúdio Digital
Iconografía:  Fotografía de Cássio Vasconcellos/Bridgeman Images | Lados: composición con grabados de Jean Baptiste Debret proporcionado por Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin; de Charles Othon Frederic Jean-Baptiste de Clarac e de Friedrich Philipp von Martius (del original de Thomas Ender e de Benjamin Mary) – Colección Martha e Erico Stickel – proporcionado por Acervo Instituto Moreira SallesVisagismo: Augusto Sargo
Profesora de Interpretacion: Vivien Buckup
Estreno por la SPCD: 2021

Este importante romántico sigue el romance entre la aldeana Giselle y Albrecht, un noble disfrazado de campesino. Tras ser traicionada por él, la joven, de corazón frágil, muere. En el segundo acto, el príncipe, abrumado por el remordimiento, visita la tumba de Giselle, pero es atacado por Willis. Son espíritus de niñas muertas antes del matrimonio dedicados a hacer bailar a los hombres que allí aparecen para su propio fin. Giselle, ahora también willi, busca a toda costa proteger a su amado. El tono de despedida domina la escena: Giselle está dispuesta a perdonar a Albrecht y dejarlo ir en paz.

Coreografía: Ana Botafogo, del original de 1909 por Mikhail Fokine (1880-1942)
Música: Frédéric Chopin (1810-1849)
Iluminación: André Boll
Vestuario: Tânia Agra
Escenografía: Fábio Namatame
Asistente de coreografía: Duda Braz y Teresa Augusta
Visagismo: Augusto Sargo
Profesora de Interpretacion: Vivien Buckup
Estreno por la SPCD: 2021

Este clásico evoca la época romántica del ballet para retratar el encantamiento de un poeta soñador por la danza de las sílfides, seres mágicos que habitan los bosques. Bajo la luz de la luna, materializan el acto poético en sus movimientos y diseñan el escenario con arabescos, dando como resultado una obra de gran belleza contemplativa.

Coreografía: Duda Braz, do original de Carnival de Venise (1859) de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Cesare Pugni (1802-1870)
Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: Marilda Fontes

Creada originalmente a partir de temas del Carnavale di Venezia (Op. 10) de Niccolò Paganini, esta obra forma parte del repertorio clásico de las grandes compañías. El Grand Pas de Deux de Carnaval en Venecia trae a la escena un dúo clásico vibrante y virtuoso, que recuerda a los bailes de disfraces europeos del siglo XVII.

Coreografía  y Iluminación: Henrique Rodovalho
Música: Album Elis & Tom – Corcovado (Antonio Carlos Jobim / Gene Lees); Photography, Modinha (Antonio Carlos Jobim); Por Toda Minha Vida, Soneto de Separação, O que Tinha de Ser, Brigas Nunca Mais (Antonio Carlos Jobim / Vinicius de Moraes); Só Tinha de Ser com Você, Inútil Paisagem (Antonio Carlos Jobim / Aloisio de Oliveira); Retrato em Preto e Branco (Antonio Carlos Jobim / Chico Buarque de Holanda)
Vestuario: Cássio Brasil
Escenografía: Letycia Rossi
Asistente de coreografía: Vivian Navega
Estreno por la SPCD: 2020

Só Tinha de Ser com Você (Solo tengo que estar contigo, en portugués) es una reinterpretación coreográfica sensible y singular del disco Elis & Tom (1974), un clásico de la música brasileña. Este gran éxito del coreógrafo Henrique Rodovalho fue creado originalmente en 2005 para su compañía, Quasar Cia de Dança, y ahora tiene una versión especial diseñada para los bailarines de São Paulo Companhia de Dança. “Este primer montaje de un espectáculo de Quasar Cia de Dança“ tenía que ser ”con SPDC. Es un hermoso encuentro en el estilo de baile Quasar / Rodovalho con todo el perfeccionamiento técnico de São Paulo Compañía de Danza ”, comenta Rodovalho.

Coreografía:  Lars Van Cauwenbergh del original de Michel Fokine (1880-1942)
Música: Camile Saint_Saens, El Cisne,  abstraído del Carnaval de los Animales (1866)
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Marilda Fontes

El ballet creado en 1907 por Fokine para Anna Pavlova es un solo emocional que dialoga con los sonidos del arpa y el violonchelo, inspirado en el poema de Alfred Tennyson (1809-1892) y los movimientos del cisne en sus últimos momentos de vida. Este solo es interpretado por grandes estrellas de la danza y ahora adquiere nuevos acentos y dinámicas en el cuerpo de una bailarina de la São Paulo Compañía de Danza.

Coreografía: Mario Galizzi, del original de Marius Petipa (1818-1910) y Lev Ivanov (1834-1901)
Música: Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893) con partitura revisada por Riccardo Drigo (1846-1930)
Iluminación: Wagner Freire
Cinografía: Marco Lima
Vestuario: Fábio Namatame| 1ª y 3ª escenas, todos | 2ª escenas, hombres Tânia Agra | 2ª y 4ª escenas, tutus y brujo | 3ª escena, Odille
Accesorios: Robson Rui (ballesta) I Américo Corrêa (hachas, trompetas e cetro)
Asistente de coreografía: Sabrina Streiff
Asistente de escenografía: César Bento
Visagismo: Augusto Sargo
Profesora de Dramaturgia: Vivien Buckup

El Lago de Los Cisnes es un ballet con música especialmente compuesta por Tchaikovsky que se estrenó en 1877 en el Teatro Bolshoi, pero solo en 1895, con una nueva coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov, para el Teatro Mariinsky en San Petersburgo, la obra se convirtió en un gran éxito. El Lago de Los Cisne de la São Paulo Compañía de Danza está hecho a medida para los artistas de la casa. La coreografía de Galizzi dialoga con la tradición y se renueva en las relaciones de los personajes, en el detalle de las pantomimas, en los dibujos de las escenas, en sintonía con la música emblemática de Tchaikovsky y pone a todos los artistas en escena. Fue elegido el segundo Mejor Show por la Guia Folha de S. Paulo (voto público y también por el voto del jurado) y también recibió el Premio APCA – Premio Técnico de Vivien Buckup, maestra de dramaturgia de El Lago de Los Cisnes.

Coreografía: Mario Galizzi, según original de Marius Petipa (1818-1910) y Lev Ivanov (1834-1901)
Música: Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893)
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Tânia Agra
Pelucas: Emi Perucas
Accesorios: Robson Rui
Asistente de coreografia: Sabrina Streiff

El segundo acto del icónico ballet muestra el encuentro del príncipe Siegfried y de la princesa Odete en el bosque. Da media noche y al amanecer, ella es la princesa de la noche, una criatura mágica y delicada, que el príncipe desea amar y proteger. Durante el día, la reina de los cisnes: frágil, asustada y, al mismo tiempo, corajosa y protectora de su grupo. Esta obra marca la historia del arte y encanta todas las generaciones por su tema y por su ligación entre la danza y la música. El Mago Rothbart es un noble y un pájaro. El príncipe que sale para cazar con sus amigos tiene la elegancia de la nobleza.

Coreografía: Guivalde de Almeida a partir del original de Marius Petipa in 1898
Música: Raymonda, de Alexander Glazunov (1865-1936), ejecutada por la Nice Philharmonic Orchestra con regencia de Klaus Weise y Moscow Symphonic Orchestra, con regencia de Alexander Anisimov
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Tânia Agra

La obra de Guivalde de Almeida parte de la versión original de 1898 de Marius Petipa e integra el tercer acto de la obra. En escena vemos el casamiento de Raymonda con Juan de Brienne. “Mi principal objetivo fue mantener la esencia de la obra de Petipa, el estilo, vinculado a la identidad de los bailarines de la Compañía. Es una danza virtuosa, puntuada por muchas variaciones y lo que singulariza su creación en el escenario de la danza es la unión entre la danza clásica académica con la danza de carácter, que vemos al mismo tiempo en la escena”, dice el coreógrafo.

Coreografía, escenografia y producción: Jirí Kylián
Música: Dirk Haubrich (nueva composición basada en dos temas de Gustav Mahler [1860- 1911])
Iluminación: Kees Tjebbes
Vestuario: Joke Visser
Asistente de coreografía: Nina Botkay
Supervisión de iluminación y escenario: Loes Schakenbos
Estreno por la SPCD: 2017

14´20’’ es un extracto de la obra 27’52´´ – cují título se refiere a la duración del espectáculo – de Jirí Kylián. Al sonido de la música electrónica de Dirk Haubrich, enrayada por una voz femenina en alemán y otra masculina en francés, vemos un dúo que trae para la escena cuestiones de tiempo, amor, vida y la muerte, temas recurrentes en las obras de éste coreógrafo. Esta es la cuarta obra de Kylián que constituye el repertorio de São Paulo Companhia de Dança (Sechs Tanze, Indigo Rose y Petite Mort).

Coreografía: Marcia Haydée
Música: Georges Bizet (1838-1875) ejecutado por Santiago Philharmonic Orchestra Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: Tânia Agra
Estreno por la SPCD: 2016

Este pas de deux integra el primer acto de la obra Carmen y revela el momento en que José abandona todo y todos para entregarse a Carmen. Ella es una figura sensual y furte, que juega con los sentimientos de José. Por momentos lo seduce y se deja llevar por el, por otros lo esquiva, pero lo atrae.

Coreografía: Pablo Aharonian inspirado en el original de Pyotr Gusev (1904-1987)
Música: Riccardo Drigo (1846-1930) y Cesare Pugni (1802-1870)
Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: Fabio Namatame
Estreno por la SPCD: 2016

El pas de deux revela el momento en que Vayou, el Dios del Viento, danza con Niriti, la hija de Amravati (Diosa de los espíritus celestiales). Este dúo fue creado em 1955 por Pyotr Gusev (1904-1987) a partir de la obra original creada por Marius Petipa (1818-1910) en 1889. Aquí vemos la suavidad da la bailarina en contraste con los movimientos vigorosos del bailarín.

Coreografía: Marcia Haydée
Música: La Nymphe de Diane, No 16 B, by Léo Delibes (1836-1891), Violin solo ejecutado por Jean Baptiste Marie y Roger André
Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: Evandro Machado
Estreno por la SPCD: 2016

El dúo traduce la energía y el amor del hada por el ser humano marcado por su entrega y delicadeza. El pas de deux integra Dr. Coppélius, El Mago de Marcia Haydée, una relectura de Coppélia. La magia de esta obra nos lleva a percibir las leves de la bailarina que cruza la escena en los brazos del bailarín.

Coreografía: Uwe Scholz (1958-2004)
Música: Suite for Two Pianos Opus 17 por Sergei Rachmaninoff (1873-1943), ejecutado por Martha Argerich y Nelson Freire
Iluminación: André Boll
Remontaje: Giovanni Di Palma
Estreno por la SPCD: 2016

En Suite para Dos Pianos, el coreógrafo alemán Uwe Scholz creó movimientos inspirados en las reflexiones del artista plástico Wassily Kandinsky y en la música del ruso Sergei Rachmaninoff. Cuatro obras de Kandinsky son proyectadas en el fondo de la escena, ampliando la relación entre las diferentes artes. Uwe fue un coreógrafo que reflejó en la danza la estructura, las dinámicas y las intenciones de la música.

Coreografía y escenografía: SPCD partir del original de 1858 de Marius Petipa (1818-1910), inspirado em El Corsario, de Lord Byron
Música: Adolphe Adam (1803-1856)
Vestuario: Tânia Agra
Estreno por la SPCD: 2015

El Grand Pas de Deux de El Corsario, coreografía da São Paulo Companhia de Dança a partir del original de 1858 de Marius Petipa (1818-1910), está presente en el segundo acto de la obra, y revela la complicidad entre Medora y Ali. Esta obra presenta el virtuosismo técnico de los intérpretes aliado a una dramaticidad lírica que deja ver los sentimientos de dos personas que comparten una visión del mundo en búsqueda de la libertad.

Coreografía y escenografía: Jirí Kylián
Música: Robert Ashley, Factory Preset; François Couperin, Plainte des Memes; John Cage, Three Dances for Two Prepared Pianos: Dance No. 1; J.S. Bach, de las wohltemperierte Klavier: Fugue No. 8 in E-Flat minor.
Vestuario: Joke Visser
Iluminación (original): Michael Simon
Iluminación (nueva): Kees Tjebbes (Nederlands Dans Theater II, 2005)
Remontaje: Amos Ben Tal
Asistente de coreografía: Amos Ben Tal
Cámara: Hans Knill
Edición: Rob de Groot – Videoshot MultiMedia
Estreno por la SPCD: 2015

En Indigo Rose, el coreógrafo explora la vivacidad de sus intérpretes para crear una obra sobre la transición de la juventud y las relaciones humanas. El movimiento rápido, virtuoso, articulado y al mismo tiempo lírico, hace alusión a la búsqueda de la perfección, intangible según Kylián. En la escena, una cortina de seda blanca crea juegos de luz y sombra, que sumados a proyecciones de los bailarines, alteran la percepción de quien ve. Creada para celebrar el 20º aniversario del Netherlands Dance Theather II, esta es la tercera obra de Jirí Kylián que compone el repertorio de SPCD.

Coreografía: Mario Galizzi basado en el original de 1911 Michel Fokine (1880-1942)
Música: Carl Maria von Weber (1786-1826)
Escenografía y vestuario: Fabio Namatame
Iluminación: Wagner Freire

Un clásico moderno que establece una nueva relación entre el hombre y la mujer. La figura contemplativa y fantástica se convierte en el bailarín, que interpreta el espíritu de una rosa ganada por una mujer joven en su primera fiesta. Después de regresar a casa, ella duerme y sueña con el aroma de la flor, que es el mismo del joven que la presentó. Él aparece en su sueño como un espectro a bailar con ella. Basado en el poema de Théophile Gautier (1811-1872), este clásico moderno fue escrito por Michel Fokine. El tema Invitación a la Danza, escrito por Carl Maria von Weber (1786-1826) para piano, en el 1819, fue orquestada por Héctor Berlioz (1803-1869) en el 1841, rebautizado Invitación a la Valsa.

Coreografía, escenario y iluminación: William Forsythe
Música: Luciano Berio (1925-2003), Duetti per due violini, vol.1 (Por acuerdo con Universal Edition AG, Viena, www.universaledition.com)
Vestuario: Stephen Galloway Remontaje: Allisson Brown and Noah Gelber
Estreno por la SPCD: 2014

Workwithinwork (trabajo dentro del trabajo), de William Forsythe, hace referencia al método del coreógrafo al considerar una nueva obra como un trecho de un largo proceso de trabajo. En la coreografía Forsythe crea un flujo continuo de movimientos a partir de variaciones de la técnica clásica, sin rupturas ni articulaciones distendidas, haciendo referencia al pasado y, al mismo tiempo, actualizándolo. La música, una obra para dos violines de Luciano Berio ejecutada en pequeños trechos, crea impulsos para el desdoblamiento de los duetos en tríos, cuartetos y conjuntos. La obra evoluciona constantemente dentro de sí, creando nuevas configuraciones para escena.