Creaciones

Dirección: Inês Bogéa y Luciano Cury
Coreografía: Milton Coatti
Producción Ejecutiva: João Marcello Bôscoli
Música: Max Richter, Vivaldi – The Four Seasons Winter 3
Vestuario: Raquel Davidowicz – UMA
Styling: Paula Iglecio
Filmación y edición: Panogramma

Desarrollada con la idea de visualización en 360o y realidad virtual (VR), la creación coreográfica de Milton Coatti para la São Paulo Compañía de Danza busca traducir en movimiento las cuestiones que devastan el ser humano. Conocida por los antiguos como una de las más brillantes visibles en el hemisferio sur, la estrella Mira tiene períodos de cambios significativos en su apariencia. Preocupaciones, cuestionamientos, y una cierta angustia interna, mueven a los bailarines a buscar una respuesta para estos sentimientos y sensaciones. En esta búsqueda, miran a sí mismos y a los otros para reencontrar la belleza, la luz y el amor aparentemente perdidos (o temporalmente olvidados) en ese espacio casi lunar que sugiere disipar, más que aún reserva la esperanza y la perspectiva de que, en algún momento, el encuentro ideal, consigo y con el otro, irá a concretizarse.

Concepción, dramaturgia, dirección teatral y espacio escénico: William Pereira
Dirección musical: Ricardo Ballestero
Coreógrafos: Cassi Abranches e Milton Coatti
Dirección artístico-pedagógica de la Santa Marcelina Cultura: Paulo Zuben
Dirección artística de la São Paulo Companhia de Dança: Inês Bogéa
Iluminación: Caetano Vilela
Vestuario: 1º Acto – Bailarinas: colección SPCD | Cantantes: Fabio Namatame | Cantantes: Colección Teatro São Pedro I 2º Acto – Bailarinas: Plié y Fernanda Yamamoto | Cantantes: Plié y Fabio Namatame | Bailarines y Cantantes: Highstil

Compuesto por dos actos, uno Neoclásico y uno Contemporáneo, la obra traza un recorte de canciones del compositor alemán Robert Schumann, escritas en 1840, con adaptaciones del maestro invitado Ricardo Ballestero, a partir de la concepción escénica de William Pereira en sociedad con la São Paulo Companhia de Dança, dirigida por Inês Bogéa. La coreografía es firmada por Milton Coatti y Cassi Abranches y la iluminación es de Caetano Vilela. La primera parte – un Neoclásico – contempla el ciclo completo de Los Amores del Poeta Op.48., cuyo escenario refiere al Romanticismo. A la vuelta del intervalo, entra en escena un lenguaje mas actual con escenografía clara y visual despojado. Los textos de estas 16 canciones vienen del Lyrisches Intermezzo, o del “Intermezzo lírico”, del poeta Heinrich Heine, escritos entre 1822 y 1823 y publicados como parte de la obra Das Buch der Lieder.

Dirección General: Samuel Mac Dowell de Figueiredo
Puesta en escena: Ulysses Cruz
Orquesta Jazz Sinfónica ( Regencia: João Maurício Galindo / Coro: Coral Paulistano / Regencia: Naomi Munakata) Solistas: Camila Titinger y Carla Cottini, soprano | Luciana Bueno, mezzo-soprano | Daniel Umbelino, tenor | Johnny Lima, barítono
São Paulo Companhia de Dança
Dirección Artística: Inês Bogéa
Coreógrafos invitados: Erika Novachi y Edson Guiu
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Balletto por Luciana Mantegazza

Inspirada en las principales obras de Leonard Bernstein para Broadway, este espectáculo refleja las inquietudes del compositor, pianista y maestro, por medio de una jornada por los musicales West Side Story, Fancy Free, On the Town e Candide. Sumando a todo lo que Bernstein representó, de la importancia de su obra erudita a la defensa de la transición entre los géneros eruditos y populares y su actuación como maestro de las principales orquestas del mundo, nace Bernstein 100. Es el hombre renovador, emocional y provocador, siempre determinado a romper fronteras!

Coreografía e iluminación: Thiago Bordin
Música: Jóhann Jóhannsson and Wim Mertens
Vestuario: Fábio Namatame

Primera creación de Bordin para una compañía brasilera, Petrichor – nombre que refiere al olor de la tierra mojada por la lluvia – tuvo como punto de partida la música de Jóhann Jóhannsson y Wim Mertens, que, según Bordin, permite un deslumbre de la creación coreográfica. “Cuando escucho Mertens, comienzo a imaginar la luz, el vestuario, los pasos”. Las características de los bailarines brasileros fueron otra fuente de inspiración para el creador. “La obra se desarrolló en diálogo con el elenco. Cada uno trajo un color, un carácter fuerte, bien diferente de lo que yo imaginaba. Y eso acabó convirtiéndose en la parte más gratificante de esta coreografía.

Coreografía: Lucas Lima
Música: On the Nature of Daylight, de Max Richter
Iluminación: Nicolas Marchi
Vestuario: Fábio Namatame

Instante es una creación de Lucas Lima para el Atelier de Coreógrafos Brasileros y tiene como punto de partida la música de Max Richter, que ganó nuevas dinámicas en el movimiento de los bailarines de la São Paulo Compañía de Danza. Según el coreógrafo, la obra trata de “un instante para encontrarse, y otro para perderse. Un instante para decidir, para seguir, para volver, para arrepentirse”. Es una coreografía que introduce nuevos impulsos y dinámicas en los movimientos del ballet, dialogando con la contemporaneidad.

Coreografía: Giovanni Di Palma
Música: Pulcinella by Igor Stravinsky (1882-1971)
Iluminación: Mirella Brandi
Vestuario: Fábio Namatame
Dirección escénica y concepción de escenario: William Pereira
En asociación con: Organização Social de Cultura Santa Marcelina

Il Ballet Pulcinella está basado en la historia de Los Cuatro Pulcinellas, de un manuscrito de comedias do folklore napolitano. La obra estrenó con los Ballets Russs de Diaghilev en Paris, en 1920, con música compuesta por Igor Stravinsky, inspirada en composiciones de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) y otras composiciones del siglo XVIII. La coreografía neoclásica de Giovanni Di Palma usa zapatillas de punta en diálogo con movimientos contemporâneos para contar la historia del aventurado Pulcinella, famoso personaje de la Commedia Dell’Arte.

Coreografía, palco e vestuario: Clébio Oliveira
Música: Matresanch
Iluminación: Mirella Brandi

Según Clébio Oliveira, Primavera Fria examina la anatomía de una ruptura inesperada. Es una jornada del cuerpo por la pérdida del objeto amoroso en relación a la experiencia psíquica y neurológica. Deseo, narcisismo, inadecuación corporal, vulnerabilidad. La obra propone un mapeamiento afectivo-sensorial del cuerpo en nuestro cerebro. “La pérdida del objeto amoroso es un tema que por siglos inquieta e inspira pensadores, poetas y artistas. Mas lejos de constituir una experiencia metafísica, está perdida es experimentada en el cuerpo por medio de un intrincado encadenamiento bioquímico sufrido y producido por el cerebro humano. Buscamos prever y planear, bien como entender el mundo a nuestro alrededor, las personas y, principalmente, a nosotros mismos, a partir de racionalizaciones. En el campo afectivo, buscamos la felicidad y anhelamos relaciones amorosas sólidas más que inexorablemente forjadas por la fantasía. Nuestra búsqueda por control cae a tierra cuando somos atravesados por la pasión o por el dolor de su ruptura”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Richard Siegal *
Música: Jean-Philippe Rameau (1683-1764); Suite in D Minor / Major I. Les Tendres Plaintes, Suite in E Minor V. Le Rappel des Oiseaux, Suite in E Minor IX. Tambourin, Suite in E Minor III. Gigue en rondeau I, Suite in D Minor – Major III. Le Soupirs and Suite in A Minor – Major VII, performed by Tzimon Barto.
Iluminación: Gilles Gentner Vestuario: Simone Mina

* Richard Siegal es representado por Verlag der Autoren, Frankfurt, Alemana| choreography@verlagderautoren.de
Inspirado en las composiciones barrocas de Jean-Phippe Rameau (1683-1764), el coreógrafo Richard Siegal creó esta pieza para la São Paulo Compañía de Danza. Es una coreografía suave, delicada y dinámica en la cual la danza clásica aparece sobrepuesta a otros acentos, trayendo la idea de ruptura y desconstrucción de padrones. El vestuario de Simone Mina y la luz de Gilles Gentner dialogan con la propuesta del coreógrafo utilizando referencia del barroco en materiales y diseños contemporáneos. “Es como transponer los siglos. Este es un trabajo que actualiza esta música al modo del siglo XXI y no más del siglo XVIII”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Fabiano Lima
Música: Quem sabe? (1859), cantada por Adriana de Almeida e ejecutada al piano por Olinda Allessandrini; y Bailado dos Índios de la ópera O Guarani (1870), Carlos Gomes (1836-1896), ejecutada por la Orquesta del Teatro Municipal de São Paulo, sobre regéncia de Armando Bellardi
Iluminación: Guilherme Paterno
Vestuario: Cássio Brasil

La obra se vale de referencias del básquet, del hip-hop y de la danza contemporánea. Con músicas de Carlos Gomes, la coreografía trae para la escena el ambiente brasilero con sonoridades conocidas. El vestuario de Cássio Brasil dialoga con la luz de Guilherme Paterno y evidencia las diferentes camadas de color de la obra. “Es una coreografía de intercambio y percepción para que entendamos como esta danza pasa de un cuerpo para el otro. Me gusta de trabajar con elementos escénicos, da identidad a mis trabajos”, dice Fabiano. La obra fue premiada con el tercer lugar en la elección del jurado como Mejor Espectáculo de Danza de 2016 en la encuesta promovida por la Guia de Folha.

Coreografía y vestuario: Binho Pacheco
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Iluminación: Guilherme Paterno

La obra explora las fronteras entre el interior y el exterior del ser humano, teniendo la piel como objeto de reflexión. “Parto de una mirada científica, de camadas, órganos y terminaciones nerviosas, para un mundo de sensaciones latentes, en la cual el público es envuelto por los acordes de Bach y por una coreografía joven y provocadora, que al mismo tiempo conecta y separa estos universos”, dice el coreógrafo. Los bailarines aparecen en situaciones de constante desafío, buscando maneras de redescubrir el equilibrio y las formas, que se deshacen en cada instante y en el contacto entre estas pieles que, a veces se atraen con suavidad y delicadeza, y otras veces se repelen con violencia.

Coreografía: Maurício Wainrot
Música: Raul Barboza (The Land Without Evil, Winter in Paris and Gold Series: Great Exitos) and Pedro de Cervi (El Celeste Dress)
Iluminación: Domingos Quintiliano
Vestuario: Graciela Galán
Asistente de coreografía: Laura Marini

Litoral, de Maurício Wainrot se inspira en las músicas de Raul Barboza y Pedro de Cervi cuyos ritmos regionales argentinos tienen resonancia en músicas del sur de Brasil. El elenco se alterna en dúos, tríos y conjuntos con un tipo de movimiento ondulado que evidencia el lenguaje del coreógrafo que se vale de lo popular y erudito para crear una danza vibrante y festiva, con contrapuntos suaves y densos. “Litoral es una región de grandes ríos en Argentina, de tierra colorada, con bosques llenos de árboles, pájaros y ruidos formada por las provincias de Santa Fe, Misiones, Formosa, Entre Ríos, Corrientes y Chaco. Los bordes de éstos ríos que llamamos de Litoral se encuentran, se contaminan y sufren influencias de diferentes lugares”, dice el coreógrafo.

Coreografía, escenografía y vestuario: Clébio Oliveira
Música original: Matresanch
Iluminación: Mirella Brandi

Criada para el Atelier de Coreógrafos Brasileños de la SPCD, Cielo Gris (Céu Cinzento), de Clébio Oliveira, muestra el eterno tema de los amores imposibles que están en las mentes de las personas y son representados en obras como Romeo y Julieta, de William Shakespeare. ¿La coreografía es inspirada en esa historia y pregunta a todos: cuál sería el curso de los amantes de la tragedia si Romeo y Julieta quedasen ciegos en lugar de morir? “En la obra, el trágico final de los amantes da paso a la nueva versión y, dentro de esta perspectiva, la pareja se pierde en una especie de laberinto y trata desesperadamente de encontrarse. La obra pone de manifiesto la necesidad de avanzar como una forma de integración de los sentidos”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Cassi Abranches
Música original: Marcelo Jeneci and Zé Nigro
Iluminación: Gabriel Pederneiras
Vestuario: Janaina de Castro
Asistente de coreografía: Ana Paula Cançado

Cassi Abranches utiliza las memorias del cuerpo y impulsos con temas de Marcelo Jeneci y Zé Nigro para construir GEN: “La obra marca mi salida de la etapa de coreógrafo. Todavía tengo referencias físicas de lo que viví en el Grupo Cuerpo, pero trato de mi lengua en cada creación. Invité a la gente de procesos creativos de mi generación para arrancar una nueva era. Está empezando, comenzando, comenzando”, dice el coreógrafo. El trabajo es parte del taller Coreógrafos de Brasil 2014 de la SPCD.

Coreografía y vestuario: Rafael Gomes*
Pista Remixed: Dj Hisato con temas de The End, Jim Morrison, El solitario Tempist, Vic Firth y Take Five de Paul Desmond
Iluminación: Wagner Freire
Establecer diseñador: Kleber Matheus

* Los bailarines usan colección de Alexandre Herchcovitch

Inspirado en las fotografías de Otto Dix y las imágenes de los 50, Rafael Gomes hizo Bingo!, para el Taller de los Coreógrafos Brasileños, de la SPCD. “Es un casino clandestino en que revelan diferentes personajes y situaciones, desde una mujer muy bonita hasta parejas que luchan, la violencia y el sexo prohibido. Los bailarines son las piezas del juego de bingo que se dibujan al azar”, completó el coreógrafo. El espectáculo trae el rock, jazz y funk, desempeñados por los timbales y remezclados por Hisato, la pieza es cortada por las luces de neón de Kleber Matheus y por el ambiente de Wagner Freire, construyendo diferentes sensaciones. Los bailarines usan colección de Alexandre Herchcovitch, elegido por el coreógrafo.

Coreografía y Iluminación: Édouard Lock
Música original: The Seasons, Gavin Bryars, publicadas por Schott Music Ltd, y interpretada por Percorso Ensemble, dirigido por Ricardo Bologna
Escenografía: Armand Vaillancourt
Vestuario: Liz Vandal (mujer), Édouard Lock (home)

Imágenes creadas por Édouard Lock en The Seasons revitalizan el sentido de la memoria de la danza. En la escena se puede observar varias capas, que interactúan entre sí – la danza, la música, el paisaje y la luz – y hacen nuevas relaciones, tanto para el espectador, como para los que están en la escena. Cada gesto tiene su corresponsal en un movimiento de la luz, que corta a través del espacio como si estuviese haciendo una edición en vivo para lo que ves. El signo está entre los movimientos vigorosos y muy suaves. Lento y rápido permean las escenas, a la velocidad del pensamiento, desorientando nuestra percepción.

Coreografía: Ana Vitória
Música original: Jorge Peña y Célio Barros
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Sonia Ushiyama
Asistente de coreografía: Renata Costa
Asistente de composición: Natália Fagá
Diseño y vídeos escénica: Carmen Luz
Desenvolvimiento de senario: Marcos Arruzzo and Alvaro Souza
Edición de video: Guido Marcondes and Carmen Luz
Película: Alexandre Robatto

Inspirada por la película Vadiação (1954), de Alexander Robatto, Ana Victoria creó para SPCD Vagancia, el trabajo inspirado en la capoeira dialogando con elementos de la danza contemporánea. Escenas de la película impregnan la obra, redefiniendo los cuerpos, el espacio y el tiempo. “Esta fue la primera película de baile que vi y que hizo a mí repensar el cuerpo y la identidad. Para coreografiar, siempre empiezo con algo más biográfica y hoy, 59 años después de su lanzamiento, esta misma película permite irme más allá de su objeto “, dice la coreógrafa.

Coreografía y dramaturgia: Giovanni Di Palma
Música: Sergei Prokofiev (1891-1953)
Iluminación: Udo Haberland
Dramaturgia: Nadja Kadel
Vestuario y escenografía: Jérôme Kaplan

Romeo y Julieta, la tragedia clásica de William Shakespeare (1564-1616), se llena de vida en el cuerpo de los bailarines de la São Paulo Compañía de Danza en una versión especialmente creada por el coreógrafo italiano Giovanni Di Palma en la música de Sergei Prokofiev (1891-1953). Dividida en dos actos y diez escenas, ella cuenta la historia de los jóvenes Romeo y Julieta, incapaces de vivir libremente su amor a causa de la enemistad entre sus familias. Una historia trágica de amor y odio que permanece atemporal y encanta a diferentes públicos en todo el mundo.

Coreografía: Luiz Fernando Bongiovanni
Música: Ponteios (Ponteio 18, nostálgico; Ponteio 26, la calma; Ponteio 24, tranquila; Ponteio 15, incisivo and Ponteio 1, la calma), Camargo Guarnieri (1907-1993)
Iluminación: Ligia Chaim
Vestuario: Naum Alves de Souza and Miko Hashimoto
Escenario: Soraya Kölle y Dilson Tavares (TKCeno Escenografía and Producciones)

En Utopía o El Lugar que No Existe, Luiz Fernando Bongiovanni critica la forma en que la belleza está asociada con el inútil, alienante, en paralelo a un mundo sin utopías. En la construcción del ballet, él ha seleccionado cinco puntos de la obra de Camargo Guarnieri, que traducen los estados emocionales que trataban de jugar, dándole un carácter típicamente brasileño, influenciado por temas y gestos de la música popular destacados en el escenario por un solo, un trío y un dúo, dando a la escena diferentes direcciones. El paisaje y los trajes reflejan y marcan el espacio en blanco y negro.

Coreografía y vestuario: Marco Goecke
Música: Simple Symphony, Benjamin Britten (1913-1976), H.Y.V.Ä y Sininen javalkoinen, con coral Mieskuoro Huutajat
Iluminación: Udo Haberland
Dramaturgia y organización: Nadja Kadel
Execucion de vestuario: Thomas Lampertz
Coproducción: Movimientos Festival Wolfsburg

En Peekaboo, el coreógrafo alemán Marco Goecke maneja actuar para ocultar y revelar de manera emocionante. El título se refiere a un juego infantil conocido a los niños: un espía persona (peek en Inglés). El niño se esconde su rostro y, de repente, reaparece y dice, ‘encontrado’ o ‘boo’. En la obra, la sinfonía de Britten unida con el sonido del coro finlandés Huutajat muestra contrastes: hablar de la fantasía al mismo tiempo que trae a colación los miedos y la soledad de cada bailarín. El elenco hace solos, dúos, tríos y conjuntos, el movimiento es rápido y preciso y los artistas aparecen y desaparecen misteriosamente de la escena. “Es todo que perder y encontrar”, dice el coreógrafo.

Coreografía: Rui Moreira
Música: Rui Moreira and Lobi Traoré
Iluminación: Domingos Quintiliano
Vestuario: Eduardo Ferreira
Asistente de coreografía: Bete Arenque
Diseñador Gráfico: Guili Seara
Asistente de Diseñador Gráfico: Juarez Tanure

Azougue presenta características de la cultura afro-brasileña, marcada por el timbre y sonoridad de los tambores. “Azougue es un término de varios significados, pero la expresión que utilicé fue representada por la inteligencia peculiar proveniente de la región noreste del país. Es la persona que se preocupa, pero que no va a sacrificarse, que tiene una vibración superior a lo normal”, cuenta el coreógrafo Rui Moreira. “También usé la relación azogue con el maracatu rural, en el que los caboclos de lanza utilizan una bebida energética preparada con pólvora ron-basada y una hierba llamada azogue para soportar el ‘golpe’ de carnaval y el peso de la ropa”, explica Rui.