Remontajes

Coreografía: Mario Galizzi basado en el original de 1836 de August Bournonville (1805-1879)
Música: Herman Lovenskjold (1815-1870)
Iluminación: José Luis Fiorruccio
Vestuario: Beth Filipecki (caracteres), Marilda Fontes (Sylphides)
Escenario: Marco Lima

La Sylphide es un cuento de hadas para todas las edades. Es un punto de referencia del ballet romántico en el que la doble aparición femenina – sensual y etérea – simboliza la dualidad del cuerpo y del espíritu. El trabajo se divide en dos actos: en la primera escena vemos a los preparativos de la fiesta de la boda de James y Effie, y las similitudes y diferencias del amor; en la segunda parte en un mundo imaginario con personajes fantásticos como Sylphides – criaturas aladas de los bosques – y brujas.

Coreografía: Mario Galizzi basado en el original de 1895 de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Piotr Ilich Chaikovski(1840-1893)
Iluminación: Guilherme Paterno
Vestuario: Tânia Agra

Este dúo marca la reunión del príncipe Siegfried con Odile, el Cisne Negro. La hija del brujo Rothbart desea encantar al príncipe para que lo mismo pueda romper sus votos de amor eterno a Odete, el Cisne Blanco, mientras están en una fiesta. Para engañarle, Odile alterna sutilmente la sensualidad y dulzura, y revela toda su maldad. Este es un importante momento del tercer acto del ballet, uno de los más conocidos en el mundo.

Coreografía, escenario y concepción de iluminación: Jirí Kylián
Música: Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791); Concierto para Piano en La Mayor KV 488 (Adagio) and Concierto para Piano en Sol Mayor KV 467 (Andante)
Realización de la iluminación: Joop Caboort
Vestuario: Joke Visser
Remontaje: Patrick Delcroix
Asistente de coreografía: Patrick Delcroix
Supervisión técnica de luz y escenario: Kees Tjebbes
Estreno por la SPCD: 2013

Sobre dos conciertos de Mozart para piano, la obra para seis hombres y seis mujeres tiene como tema principal el placer y la duración de ese momento, en el cual se nos recuerda que la vida es relativamente corta y que la muerte nunca está lejos de nosotros; en esta obra bailarines interactúan con floretes mientras la muerte acecha la vida. «Una muerte siempre acompaña nuestra vida, a veces ella es pequeña, a veces grande. Pero es la compañera fiel que tenemos desde que nacemos, hasta el fin», sostiene Kylián.

Coreografía: Nacho Duato
Música: Jordi Savall – Music antigua española
Iluminación: Nicolás Fischtel
Ejecución de escenario y vestuarios: Fábio Brando (FCR Artistic Productions)
Remontaje: Thomas Klein and Tony Fabre (1964-2013)
Poema: Garcilaso de la Vega (1501-1536)
Voz: Miguel Bosé
Organización: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (España)
Estreno por SPCD: 2013

Por Vos Muero, de Nacho Duato, es una coreografía que utiliza la danza clásica y contemporánea para sugerir una atemporalidad en las relaciones humanas. Duato usa la poesía de Garcilaso de la Vega y la guitarra española para capturar la esencia del espíritu artístico de la España de los siglos XV y XVI. Es un homenaje del coreógrafo al papel fundamental que la danza ocupa en su país. La fusión de músicas antiguas españolas favorece la diversidad de dinámicas exploradas por el coreógrafo que revelan una danza fluida, con ritmo y atemporal.

Coreografía: Tatiana Leskova inspirado no original de 1892 de Marius Petipa (1818-1910) y Lev Ivanov (1834-1901)
Música: Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893)
Iluminación: Wagner Freire
Vestuarios: Marilda Fontes
Estreno por SPCD: 2012

El Grand Pas de Deux de El Cascanueces es el punto alto de este ballet inspirado en el cuento El cascanueces y el Rey de las Ratas (1816), de E.T.A. Hoffmann. En él, la Hada Azucarada danza con el príncipe Cascanueces en el Reino de los Dulces.

Coreografía, escenografía, vestuario e iluminación: William Forsythe
Música: Thom Willems
Remontaje: Agnès Noltenius
Estreno por SPCD: 2012

La obra de William Forsythe es basada en la percepción de la velocidad – rapidez y lentitud. El coreógrafo se vale del lenguaje de la danza clásica para “escribir historias de hoy”. In The Middle utiliza la forma tradicional de composición de un tema y sus variaciones, o sea, Forsythe crea una frase que se desarrolla, evoluciona y se transforma en el cuerpo de cada bailarín. Para el escenario, el coreógrafo había pensado en varios objetos cotidianos, suspendidos por hilos invisibles. De esa idea inicial, optó por la síntesis, traducida por dos cerezas, que adquirieron un significado simbólico: dos pequeños espejos que reflejan la sala de espectáculos. El título de la obra se refiere a esas dos cerezas en el medio del escenario, elevadas, sobre la altura de los bailarines.

Coreografía: Duda Braz a partir del original de 1869 de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Leon Minkus (1826-1917)
Iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Tânia Agra
Estreno por SPCD: 2012

El Grand Pas de Deux de Don Quijote es el momento del casamiento de Kitri y Basílio, personajes principales de esa obra. Coreografiado por Marius Petipa, el ballet Don Quijote es basado en un capítulo de la famosa obra de Miguel de Cervantes Saavedra, que narra las aventuras del barbero Basílio y su amor por Kitri, la hija del dueño de la venta.

Coreografía: Eric Gauthier
Narrador: William Moragas
Remontaje: Renato Arismendi
Estreno por SPCD: 2012

Ballet 101, de Eric Gauthier, es un solo de ocho minutos que juega con la danza clásica. Con base en las cinco posiciones del ballet, el coreógrafo narra otras 96 posibles variantes haciendo referencia a coreógrafos como William Forsythe, George Balanchine, Glen Tetley, Marius Petipa, John Cranko y el propio Eric Gauthier, y a ballets consagrados como Romeo y Julieta y Onegin. «Es un ballet vibrante, que tiene una explosión al final», comenta Renato Arismendi, remontador de la obra. Esta es la primera versión de la obra con su texto traducido al portugués.

Coreografía y vestuarios: Marco Goecke
Música: Pierre Louis Garcia-Leccia (Ohimé – tema Aka), Antony & The Johnsons (Another Word – tema Shake That Debil)
Iluminación: Udo Haberland
Remontaje: Giovanni Di Palma
Ejecución de vestuarios: Madalena Machado (Arte & Cia)
Dramaturgia: Nadja Kadel
Ejecución de objetos escénicos: Fábio Brando (FCR Artistic Productions)
Estreno por SPCD: 2011

Inspirado por el fenómeno astronómico de las supernovas – estrellas que explotan y brillan en el espacio, Marco Goecke creó Supernova, una coreografía de contrastes en la cual la muerte y vida, oscuro y claro, están ligadas por la energía de cada cuerpo. Los bailarines aparecen y desaparecen del escenario misteriosamente y el movimiento es marcado por secuencias muy rápidas, precisas y controladas que hacen que los cuerpos vibren. Para Goecke, cada movimiento puede darse solo una vez. «Uno puede hacerlo cada vez más rápido, entonces difícilmente va a existir en el final». São Paulo Companhia de Dança fue la primera compañía en Brasil que danzó una obra de Marco Goecke.

Coreografía: John Cranko (1927-1973)
Música: Henryk Wieniawski (1835-1880), op.17 Legend, (1859)
Vestuarios: Arte & Cia.
Remontaje: Richard Cragun
Estreno por SPCD: 2011

Legend es un pas de deux neoclásico inmortalizado por sus intérpretes, Márcia Haydée y Richard Cragun, que aborda el lirismo del amor entre un hombre y una mujer por la suavidad de los pasos, confianza y entrega en los movimientos, y por el desafío de la fusión de los cuerpos en tenues equilibrios. La coreografía de John Cranko tuvo como inspiración la túnica de la legendaria bailarina Galina Ulanova (1910-1998) recibida por Richard Cragun y dada a Márcia Haydée. La túnica utilizada por Ulanova fue el vestuario usado por Márcia en el estreno de Legend, en 1972. La canción Legend, op. 17, utilizada por Cranko en la coreografía fue compuesta en 1859 por el violinista polaco Henryk Wieniawski, como una confesión de amor a su futura esposa Isabel Hampton. La película The Turning Point (Momento de Decisión), de 1977, dirigida por Herbert Ross, trae un trecho de esa coreografía. El remontaje de Legend para SPCD es firmado por Richard Cragun y esta fue la primera vez que la obra fue presentada por una compañía en Brasil.

Coreografía, escenario y vestuario: Marco Goecke
Música: The Firebird (Berceuse and Final), by Igor Stravinsky (1882-1971)
Iluminación: Udo Haberland | Versione para SPCD: Wagner Freire
Remontajes: Giovanni Di Palma
Dramaturgia: Nadja Kadel
Estreno por la SPCD: 2017

Marco Goecke creó este pas de deux para a música de Stravinsky – compuesta para el ballet de Michel Fokine, The Firebird, estrenado en 1910 – en la ocasión de los 100 años de la obra, durante el Holland Dance Festival (2010). Goecke remodela lo que en la época estaba totalmente de acuerdo con el carácter de los cuentos de hadas rusos originales – la lucha de Ivan Tsarevich contra el mágico Koschei para liberar Tsarevna y sus compañeros del cautiverio – desembocando en un encuentro entre dos criaturas tímidas. Utiliza dos extractos de la música de Stravinsky: la calma en la cual el mítico pájaro hace que todos duerman con su magia y el extracto final de la obra. Su dueto puede ser interpretado, inclusive, como un encuentro entre el pájaro de fuego y el príncipe, dos criaturas de diferentes naturalezas: un pájaro que danza y un humano que vuela”, dice Nadja Kadel, productora y dramaturga de Goecke.

Coreografía: Marie Chouinard
Música: Prèlude à L´après-midi d´un Faune, de Claude Debussy (1862-1818)
Iluminación: Alain Lortie
Vestuarios: Marie Chouinard y Vandal y Luc Courchesne
Consultor de iluminación: François Marceau
Consultor de iluminación: Wagner Freire
Consultor de iluminación: Jacques-Lee Pelletier
Dirección artística: Isabella Poirier
Dirección de ensayo: Carol Prieur
Remodelado de vestuario: Vandal
Ensayador: Allan Falieri
Estreno por SPCD: 2010

Cuando Stéphane Mallarmé (1842-1898) escribió La Tarde de un Fauno, en 1876, él quería escribir poesía para el teatro. Este poema fue el que inspiró a Claude Debussy para componer Prèlude à L´après-midi d´un Faune, en 1894. Basada en el poema y con la música de Debussy, Vaslav Nijinsky (1889-1950) compuso su primera coreografía homónima, en 1912, en París. El trabajo estaba cargado del tono ritual y sensual y fue inspirado en los movimientos de los frisos griegos. La obra fue un escándalo para la época y conmovió al público parisiense. En la primera versión L’Après-midi d’un Faune (1987), Marie Chouinard partió de la observación de las fotos de Adolphe de Meyer, de la coreografía de Nijinsky. En 1994, la coreógrafa incorporó la música de Debussy en la obra. Marie se valió de la horizontalidad, de la bidimensionalidad, de la posición de las manos rectas y de los pies en rotación interna. Las siete ninfas de la coreografía de Nijinsky aquí se tornan luz, que aparecen y desaparecen en la escena. SPCD fue la primera compañía en Brasil que danzó una obra de Marie Chouinard.

Coreografía: George Balanchine (1904-1983)
Música: Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1983), op. 55, Movimiento final de la Suite nº3 para orquestra en G Mayor
Vestuario: Tânia Agra
Remontaje: Ben Huys
Estreno por SPCD: 2010

Theme and Variations evoca el período de florecimiento de la danza clásica con el movimiento final de la Suite nº3 consiste en 12 variaciones. En el inicio, 12 bailarinas y una pareja principal presentan los temas que serán retomados a lo largo de la coreografía. La obra exige mucho de los intérpretes, pues como todas las obras de Balanchine, el vigor técnico, la levedad, la fuerza, habilidad en los desequilibrios y virtuosismo son necesarios. En el desarrollo de la obra, la pareja intercala su participación con el cuerpo de baile y la obra termina con una gran polonaise para 26 bailarines.
La presentación de Theme and Variations, un Ballet Balanchine® es hecha mediante acuerdo con la The George Balanchine Trust y fue producida de acuerdo con los patrones del Balanchine Style® y Balanchine Technique®, establecidos y suministrados por Trust.

Coreografía, concepción, escenografía y vestuarios: Jirí Kylián
Música: Sechs Deustsche Tänze KV 571, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Iluminación: Joop Caboort
Ejecución de escenario y vestuarios: Fábio Brando (FCR Artistic Productions)
Remontaje: Patrick Delcroix
Adaptación técnica: Erick van Houten
Estreno por SPCD: 2010

Sechs Tänze, es un trabajo que une danza y humor. El coreógrafo compuso seis obras aparentemente sin sentido que dialogan para protestar y hacer una crítica de los valores vigentes en la época en que las Sechs Deustsche Tänze KV 571, de Mozart, fueron compuestas. En las palabras de Kylián: «La música de Mozart fue el principal elemento para la creación de Sechs Tänze. Él debía ser gracioso, porque entendía y sabía hacer humor. La música es muy importante en un ballet, cualquiera que este sea. Y en este montaje ella es más rápida que la danza. Para danzar Sechs Tänze es necesario ser veloz y ponerse una máscara. Es como ser y no ser uno mismo en determinados momentos. Es como ser manipulado hoy, mañana, ayer. Fingir querer ser. O no.» SPCD fue la primera compañía en Brasil que danzó una obra de Jirí Kylián.

Coreografía: Nacho Duato
Música: Hassan Hakmoun, Adam Rudolph, Juan Alberto Arteche, Javier Paxariño, Rabih Abou-Khalil, Velez, Kusur and Sarkissian
Iluminación: Nicolás Fischtel
Vestuario: Luis Devota and Modesto Lomba
Remontaje: Hilde Koch and Tony Fabre (1964-2013)
Organización y producción original: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (Spain)
Estreno por SPCD: 2009

Gnawa es una obra que utiliza los cuatro elementos fundamentales – agua, tierra, fuego y aire – para tratar la relación del ser humano con el universo. La obra presenta el reiterado interés de Nacho Duato por la gravedad y por el uso del suelo en la constitución de su danza. Los gnawas son una hermandad mística adepta al islamismo, descendientes de ex esclavos y comerciantes del sur y del centro de África, que se asentaron a lo largo de los siglos en el norte de ese continente.

Coreografía: George Balanchine (1904-1983)
Música: Piotr Ilyitch Tchaikovsky (1840-1893)
Vestuarios: Barbara Karinska
Remontaje: Ben Huys
Estreno por SPCD: 2009

La coreografía de George Balanchine es una obra de ocho minutos que combina técnicas clásicas y neoclásicas, en un tributo al ballet romántico. La bailarina danza jugando con el eje vertical, con especial dominio del equilibrio y del desequilibrio. Para los hombres, el desafío está en la combinación de difíciles rotaciones, en la velocidad de los movimientos y en los grandes saltos.
La presentación de Tchaikovsky Pas de Deux, un Ballet Balanchine®, es hecha mediante acuerdo con la The George Balanchine Trust y fue producida de acuerdo con los patrones del Balanchine Style® y Balanchine Technique®, establecidos y suministrados por Trust.

Coreografía: George Balanchine (1904-1983)
Música: Piotr Ilyitch Tchaikovsky (1840-1893), Serenad for Strings in C, op. 48 (1880)
Iluminación original: Roland Bates
Adaptación de iluminación: Wagner Freire
Vestuario: Barbara Karinska y Arte & Cia
Remontaje: Ben Huys
Estreno por SPCD: 2008

Serenad fue creada por George Balanchine para el estreno de School of American Ballet. El trabajo partió de ejercicios que procuraban demostrar a sus alumnos cuáles son las diferencias fundamentales entre lo bailado en el aula, y la danza presentada en el escenario. A la obra, el coreógrafo incorporó formaciones no comunes, como un grupo de diecisiete o cinco bailarinas; e incidentes, como atraso de una de ellas, el gesto que otra hiciera para protegerse del sol, y la caída de una tercera, para renovar la tradición de la danza clásica.

Coreografía: Bronislava Nijinska (1891-1972)
Música: Igor Stravinsky (1882-1971)
Vestuarios y escenario: Natalia Gontcharova (1881-1962)
Remontaje: Maria Palmeirim
Ejecución de vestuarios: Fábio Brando (FCR Artistic Productions)
Ensayadora invitada: Suzana Mafra
Estreno por SPCD: 2008

A partir de un casamiento tradicional de campesinos rusos presentado en cuatro movimientos, Les Noces se constituye en un hito de innovación artística, por su peculiar geometría de movimientos y su austeridad escénica, aliadas a la originalidad de la composición de Stravinsky. Al lado de su relevancia cultural, como primer ballet cuyo enfoque se da a través de la mirada femenina, Les Noces incorpora a la danza el movimiento de ruptura innovadora del modernismo al utilizar rituales nupciales de la Rusia antigua para explorar las posibilidades del cuerpo de baile y traer nuevos acentos al lenguaje clásico. Nijinska dibuja con los cuerpos líneas y formas abstractas, en el espíritu del constructivismo. La abstracción sobria de su coreografía se funde con la profunda y solemne abstracción de la música de Stravinsky.