Criações

Coreografia: Fabiano Lima
Música: Quem sabe? (1859), cantada por Adriana de Almeida e executada ao piano por Olinda Allessandrini; e Bailado dos Índios da ópera O Guarani (1870), de Carlos Gomes (1836-1896), executada pela Orquestra do Teatro Municipal de São Paulo, sob regência de Armando Bellardi
Iluminação: Guilherme Paterno
Figurino: Cássio Brasil
Duração/elenco: 17 minutos com 5 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2016 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

A obra se vale de referências do basquete, do hip-hop e da dança contemporânea. Com músicas de Carlos Gomes, a coreografia traz para a cena o ambiente brasileiro com sonoridades conhecidas. O figurino de Cássio Brasil dialoga com a luz de Guilherme Paterno e evidencia as diferentes camadas de cor da obra. “É uma coreografia de troca e percepção para entendermos como essa dança passa de um corpo para o outro. Gosto de trabalhar com elementos cênicos, dá identidade aos meus trabalhos”, diz Fabiano. A obra foi premiada com o terceiro lugar na escolha do júri como Melhor Espetáculo de Dança de 2016 em enquete promovida pelo Guia da Folha.

Coreografia e figurino: Binho Pacheco
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Iluminação: Guilherme Paterno

A obra explora as fronteiras entre o interior e exterior do ser humano, tendo a pele como objeto de reflexão. “Parto de um olhar científico, de camadas, órgãos e terminações nervosas, para um mundo de sensações latentes, em que o público é envolvido pelos acordes de Bach e por uma coreografia jovem e provocante, que ao mesmo tempo conecta e separa esses universos”, fala o coreógrafo. Os bailarinos aparecem em situações de constante desafio, buscando maneiras de reencontrar o equilíbrio e as formas, que se desfazem à cada instante e no contato entre essas peles que, ora se atraem com suavidade e delicadeza, ora se repelem com violência.

Coreografia: Márcia Haydée
Música: Ludwig Minkus (1826-1917) e Norberto Macedo (1939-2011)
Iluminação: José Luiz Fiorruccio
Figurino: Tânia Agra
Cenografia: Hélio Eichbauer, com imagens de oito desenhos de Candido Portinari (Os direitos de reprodução das obras foram gentilmente cedidos por João Candido Portinari)
Poemas: Carlos Drummond de Andrade
Consultoria da leitura dos poemas: Marcio Aurélio
Voz off: Leopoldo Pacheco
Duração/elenco: 90 minutos com 36 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2015 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

É uma obra colorida, vibrante e com muito humor. O balé conta as aventuras de Dom Quixote, um sonhador visionário, que se dispõe a combater “o erro, o falso e o mal de mil semblantes” e encontrar sua dama perfeita Dulcinéia; e a história do amor quase impossível de Kitri e Basílio, uma vez que ela estava prometida por seu pai a Gamache, um rico comerciante. Camponeses, toureiros e ciganos ajudam a compor a obra. Com a cumplicidade de Dom Quixote, o casamento dos apaixonados se realiza e é comemorado por todos. Dom Quixote é um dos mais populares balés em todo o mundo. A versão especial de Márcia Haydée para a São Paulo Companhia de Dança mantém alguns momentos reconhecíveis desta obra – criada originalmente por Marius Petipa (1818-1910) em 1869 e inspirada em um capítulo da obra de Miguel de Cervantes (1547-1616) com música composta por Ludwig Minkus (1826-1917) – ao mesmo tempo em que as atualiza com cenografia de Hélio Eichbauer e desenhos de Candido Portinari (1903-1962), figurinos de Tânia Agra, luz de José Luiz Fiorruccio, composições de Norberto Macedo (1939-2011) e poemas de Carlos Drummond de Andrade (1902-1987). Uma obra para se encantar e se apaixonar.

Coreografia: Maurício Wainrot
Música: CDs La Tierra Sin Mal, Invierno em Paris e Serie de Oro: Grandes Exitos, de Raul Barboza; e El Vestido Celeste, Pedro de Cervi
Iluminação: Domingos Quintiliano
Figurino: Graciela Galán
Assistente de coreografia: Laura Marini

Litoral, de Maurício Wainrot se inspira nas músicas de Raul Barboza e Pedro de Cervi cujos ritmos regionais argentinos tem ressonância em músicas do sul do Brasil. O elenco se alterna em duos, trios e conjuntos com uma movimentação ondulada que evidencia a linguagem do coreógrafo que se vale do popular e erudito para criar uma dança vibrante e festiva, com contrapontos suaves e densos. “Litoral é uma região de grandes rios na Argentina, de terra vermelha, com uma floresta cheia de árvores, pássaros e ruídos formada pelas províncias de Santa Fé, Misiones, Formosa, Entre Ríos, Corrientes e Chaco. As bordas desses rios que chamamos de Litoral se encontram, se contaminam e sofrem influências de diferentes lugares”, fala o coreógrafo.

Coreografia, cenografia e figurino: Clébio Oliveira
Música: Matresanch
Iluminação: Mirella Brandi

Céu Cinzento, de Clébio Oliveira, aborda o eterno tema dos amores impossíveis presente no imaginário coletivo e representado em obras como Romeu e Julieta, de William Shakespeare. A coreografia se inspira nessa história e questiona: qual seria o rumo da tragédia se os amantes ficassem cegos em vez de morrerem? “Na obra, o final trágico dos amantes dá lugar a essa nova versão e, dentro dessa perspectiva, o casal se perde numa espécie de labirinto e tenta de forma desesperada se encontrar. A peça traz à tona a necessidade do movimento como forma integradora dos sentidos”, fala o coreógrafo.

Coreografia: Cassi Abranches
Música: Marcelo Jeneci e Zé Nigro
Iluminação: Gabriel Pederneiras
Figurino: Janaina de Castro
Assistente de coreografia: Ana Paula Cançado

Cassi Abranches parte de memórias corporais e dos impulsos da trilha de Marcelo Jeneci e Zé Nigro para criar GEN. “A obra marca a minha saída dos palcos para ser coreógrafa. Ainda tenho referências físicas do que eu vivi no Grupo Corpo, mas procuro a minha linguagem em cada criação. Convidei para o processo criativo pessoas da minha geração para começarmos um novo tempo. É início, começo, recomeço”, revela a coreógrafa.

Coreografia e figurino: Rafael Gomes*
Música: Remix de Dj Hisato das músicas The End, de Jim Morrisson;  The Solo Tempist, de Vic Firth; e Take Five, de Paul Desmond
Iluminação: Wagner Freire
Cenografia: Kleber Matheus
* Os bailarinos vestem coleção de Alexandre Herchcovitch

Inspirado por fotografias de Otto Dix e imagens da década de 50, Rafael Gomes criou Bingo!, para o Ateliê de Coreógrafos Brasileiros, da SPCD. “É um cassino clandestino em que se revelam diferentes personagens e situações, desde uma mulher bem vestida a casais que brigam, a violência e o sexo proibido. Os bailarinos são peças do jogo do bingo que são sorteadas aleatoriamente”, fala o coreógrafo. Ao som de música de rock, jazz e funk tocadas por tímpanos e remixadas por Hisato, a peça é entrecortada por luzes de neon de Kleber Matheus e pela ambiência de Wagner Freire que criam diferentes sensações. Os bailarinos vestem coleção de Alexandre Herchcovitch, escolhida pelo coreógrafo.

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1911 Michel Fokine (1880-1942)
Música: Carl Maria von Weber (1786-1826)
Iluminação: Wagner Freire
Cenário e figurino: Fabio Namatame

Um clássico moderno que estabelece uma nova relação entre o homem e a mulher. Aqui, a figura contemplativa e fantástica passa a ser do bailarino, que interpreta o espírito de uma rosa ganhada por uma jovem em sua primeira festa. Ao retornar para casa, ela adormece e sonha com o perfume da flor, que é o mesmo do jovem que a presenteou. Ele aparece em seu sonho como um espectro para dançar com ela. Baseada no poema de Théophile Gautier (1811-1872), este clássico moderno foi criado por Michel Fokine. A música Convite à Dança, escrita por Carl Maria Von Weber (1786-1826) para piano, em 1819, foi orquestrada por Hector Berlioz (1803-1869) em 1841, renomeada de Convite à Valsa.

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1836 de August Bournonville (1805-1879)
Música: La Sylphide, de Herman Lovenskjold (1815-1870)
Iluminação: José Luis Fiorruccio
Figurino: Beth Filipecki (demais personagens), Marilda Fontes (sylphides)
Cenografia: Marco Lima

La Sylphide, um conto de fadas para todas as idades, é um marco do balé romântico no qual a dupla aparição feminina – sensual e etérea – simboliza a dualidade do corpo e do espírito. A obra é dividida em dois atos: no primeiro vemos a cena dos preparativos para a festa de casamento de James e Effie, e os encontros e desencontros do amor; no segundo encontramos um mundo imaginário permeado de personagens fantásticos como sylphides – seres alados da floresta – e bruxas.

Coreografia e iluminação: Édouard Lock
Música: The Seasons, de Gavin Bryars, publicada pela Schott Music Ltd, e executada ao vivo pela Percorso Ensemble, dirigida por Ricardo Bologna
Figurino: Liz Vandal (mulheres), Édouard Lock (homens)
Cenografia: Armand Vaillancourt

As imagens criadas por Édouard Lock em The Seasons revitalizam o sentido da memória da dança.  Na cena se podem observar diversas camadas, que interagem umas com as outras – dança, música, cenário e luz – e criam novas relações, tanto para quem vê, quanto para quem está na cena. Cada gesto tem seu correspondente em um movimento da luz, que corta o espaço como se editasse ao vivo o que se vê. O gestual oscila entre movimentos vigorosos e de muita suavidade. Lentidão e rapidez intensa permeiam as cenas, na velocidade do pensamento, desorientando nossa percepção. A trilha sonora original é composta por Gavin Bryars a partir de As Quatro Estações, de Antonio Vivaldi (1678-1741).

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1895 de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Iluminação: Guilherme Paterno
Figurino: Tânia Agra

Este duo marca o encontro do príncipe Siegfried com Odile, o Cisne Negro. Filha do feiticeiro Rothbart, ela deseja encantar o príncipe para que ele quebre sua jura de amor eterno a Odete, o Cisne Branco, durante um baile. Para enganá-lo, Odile sutilmente alterna sensualidade e doçura, e deixa transparecer toda sua maldade. Este é um dos grandes momentos do terceiro ato deste balé, um dos mais conhecidos do mundo.

Coreografia: Ana Vitória
Música: Jorge Peña e Célio Barros
Iluminação: Wagner Freire
Figurino: Sonia Ushiyama
Assistente de coreografia: Renata Costa
Assistente de composição: Natália Fagá
Concepção cenográfica e vídeos: Carmen Luz
Desenvolvimento de cenário: Marcos Arruzzo e Alvaro Souza
Edição de vídeos: Guido Marcondes e Carmen Luz
Filme: Alexandre Robatto

Inspirada pelo filme Vadiação (1954), de Alexandre Robatto, Ana Vitória criou para a São Paulo Companhia de Dança Vadiando, trabalho impulsionado pela capoeira em diálogo com elementos da dança contemporânea. Cenas do filme permeiam a obra resignificando os corpos, o espaço e o tempo. “Este foi o primeiro filme de dança que assisti e com ele repensei meu corpo e identidade. Para coreografar sempre parto de algo mais biográfico e hoje, 59 anos depois do lançamento, este mesmo filme me permite ir além do seu objeto”, revela a coreógrafa.

Coreografia e dramaturgia: Giovanni Di Palma
Música: Sergei Prokofiev (1891-1953)
Iluminação: Udo Haberland
Cenografia e figurinos: Jérôme Kaplan
Dramaturgia: Nadja Kadel

Romeu e Julieta, a clássica tragédia de William Shakespeare (1564-1616), ganha vida no corpo dos bailarinos da São Paulo Companhia de Dança numa versão especialmente criada pelo coreógrafo italiano Giovanni Di Palma sobre a música de Sergei Prokofiev (1891-1953). Dividida em dois atos e dez cenas, conta a história dos jovens Romeu e Julieta, impedidos de viver livremente seu amor por causa da briga entre suas famílias. Uma trágica história de amor e ódio que mantêm-se atemporal e encanta diferentes plateias no mundo todo.

Coreografia: Luiz Fernando Bongiovanni
Música: Camargo Guarnieri (1907-1993): Ponteio 18, nostálgico; Ponteio 26, calmo; Ponteio 24, tranquilo; Ponteio 15, incisivo e Ponteio 1, calmo
Iluminação: Ligia Chaim
Concepção e desenho de figurinos: Naum Alves de Souza e Miko Hashimoto
Execução de figurinos: Miko Hashimoto
Cenografia: Soraya Kölle e Dilson Tavares (TKCeno Cenografia e Produções)

Em Utopia ou O Lugar que Não Existe, Luiz Fernando Bongiovanni critica a forma como o belo é associado ao fútil, alienante, paralelo a um universo sem utopias. Na construção do balé, selecionou cinco Ponteios da obra de Camargo Guarnieri, que traduzem os estados emocionais que buscava para a peça, imprimindo à ela um caráter tipicamente brasileiro, influenciado por temas e gestos da música folclórica caracterizados no palco por um solo, um trio e um duo, dando à cena diferentes sentidos. O cenário e o figurino espelham e marcam o espaço em branco em preto.

Coreografia e figurino: Marco Goecke
Música: Simple Symphony (Benjamin Britten (1913-1976)), H.Y.V.Ä e Sininen javalkoinen, com o coral Mieskuoro Huutajat
Iluminação: Udo Haberland
Execução de figurino: Thomas Lampertz
Dramaturgia e organização: Nadja Kadel
Produção Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança e coprodução Movimentos Festwochen der Autostad (Wolfsburg/Alemanha)

Em Peekaboo, o coreógrafo alemão Marco Goecke lida com ato de esconder e revelar de forma instigante. O título se refere a um jogo infantil conhecido pelas crianças: a pessoa espia (peek em inglês), esconde o rosto e, de repente, reaparece e diz: ‘achou’ ou ‘boo’. Na obra, a sinfonia de Britten combinada com o som do coro finlandês Huutajat, revela contrastes: ao mesmo tempo em que fala de fantasia, traz à tona os medos e a solidão de cada bailarino. O elenco se alterna em solos, duos, trios e conjuntos, a movimentação é rápida e precisa e os intérpretes aparecem e desaparecem misteriosamente da cena. “Tudo é uma questão para se perder e encontrar”, fala o coreógrafo.

Coreografia: Jomar Mesquita, com colaboração de Rodrigo de Castro
Música: Te Amaré Y Después (Marina de La Riva, composição de Silvio Rodrígues); No Se Nada (Rodrigo Leão); Tema Final (Cris Scabello); As Rosas não Falam (Cartola e Grupo Planetangos)
Figurino: Cláudia Schapira
Iluminação: Joyce Drummond
Duração/elenco: 21 minutos com 8 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2012 | Teatro Geo, São Paulo/SP – Brasil

Um olhar compartilhado por duas pessoas, cada uma desejando que a outra tome uma iniciativa para que algo aconteça, porém, nenhuma delas age. Este é significado de Mamihlapinatapai, palavra indígena originária da língua yaghan, de uma tribo da Terra do Fogo. O coreógrafo Jomar Mesquita utiliza elementos desconstruídos da dança de salão para criar a peça, com movimentos que tratam da relação entre homens e mulheres.

Coreografia: Rui Moreira
Música: Rui Moreira e Lobi Traoré
Figurino: Eduardo Ferreira
Iluminação: Domingos Quintiliano
Assistente de coreografia: Bete Arenque
Designer gráfico: Guili Seara
Assistente de designer gráfico: Juarez Tanure

Azougue apresenta características da cultura afro-brasileira marcadas pelo timbre e sonoridade dos tambores. “Azougue é um termo de vários significados, mas a expressão que eu utilizei foi a daquela peculiar esperteza, vinda da região nordeste do país. É a pessoa que está inquieta, que não se deixa abater, que tem uma vibração acima do normal”, conta o coreógrafo Rui Moreira. “Utilizei também a relação de azougue com o maracatu rural, no qual os caboclos de lança utilizavam um preparado energético com pólvora à base de cachaça e de uma erva chamada azougue para aguentarem o ‘baque’ do carnaval e o peso da roupa”, explica Rui.

Coreografia: Alex Neoral
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750): Andante da Sonata n°2 e Sarabande da Partita n°1, para violino solo
Iluminação: Binho Schaefer
Figurino: André Vytall
Assistente de coreografia: Clarice Rêgo

Pormenores é um balé marcado pelos detalhes dos movimentos sobre a Andante da Sonata n°2 e Sarabande da Partita n°1, para violino solo, de Johan Sebastian Bach. “Nesta obra trabalhamos com duos, as alavancas e seus desencadeamentos, que são uma característica forte do meu trabalho e que eu pude dividir com os bailarinos da Companhia”, conta Neoral. “É um trabalho é intimista e valoriza a proximidade dos intérpretes”.

Coreografia: Rodrigo Pederneiras
Música: Bachianas Brasileiras nº1, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959), com execução dos violoncelistas da Osesp (Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo) e participação especial de Antonio Meneses e regência de Roberto Minczuk (gravação selo BIS, 2003)
Iluminação: Gabriel Pederneiras
Figurino: Maria Luiza Malheiros Magalhães
Assistente de coreografia: Ana Paula Cançado

Inspirado pela Bachianas Brasileiras n°1, de Heitor Villa-Lobos, Rodrigo Pederneiras criou uma coreografia em que a dança responde à estrutura íntima da música. Dividida em três movimentos, a obra evidencia a brasilidade, o romantismo e a paixão do nosso povo. Os violoncelos traduzem o gesto em si, e dessa afinação entre som e movimento surge a obra, que ganha acentos particulares no corpo de cada intérprete. Em Bachiana nº 1 a versatilidade dos bailarinos traz novas ênfases à linguagem de Pederneiras.

Coreografia e iluminação: Henrique Rodovalho
Música: André Abujamra
Figurino: Cássio Brasil
Cenografia: Shell Jr.
Execução de cenário: FCR | Fábio Brando

Inquieto apresenta três faces do desassossego. Três personagens marcam a cena e pouco a pouco revelam diferentes inquietudes diante do mundo: uma velada, aparentemente imóvel, que transparece em pequenos gestos quase incontroláveis; outra determinada, como uma linha que risca de forma direta todo o espaço da cena; e outra traduzida propriamente em movimento: o corpo em suas diferentes articulações, conexões e sinuosidades expandidas no espaço. No desenvolvimento da peça, o terceiro personagem se desdobra em dez: os movimentos se multiplicam, passam pelos distintos intérpretes, como se fossem um. A música de André Abujamra cria o ambiente e revela as dinâmicas da obra. Imobilidade e movimento, sombra e luz, linhas retas e sinuosas. As polaridades vistas na cena nos instigam a interrogações em torno do espaço e suas possibilidades e invenções revelam um pouco da apreensão cotidiana.