Criações

Coreografia, figurino e iluminação: Stephen Shropshire
Trilha Sonora: Variations on a Rococo Theme, de Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893)
Parceria The Dutch Performing Arts program of the Performing Arts Fund NL e (Holanda) e Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança
Duração: 17’50”
Elenco: 8 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2020 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

Stephen Shropshire faz sua estreia no repertório da São Paulo Companhia de Dança com Rococo Variations, obra conduzida pela música Variations in a Rococo Theme, de Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893). Na criação, ele propõe uma investigação da relação da dança contemporânea com o virtuosismo da dança clássica a partir de um diálogo direto com a música. Rococo Variations é fruto de uma parceria entre a The Dutch Performing Arts program of the Performing Arts Fund NL (Holanda) e a Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança.

Coreografia e música:  Esdras Hernández Villar
Iluminação: Nicolas Marchi
Figurino: Edimeia Evaristo
Duração/elenco: 3’15” com Daniel Reca
Estreia pela SPCD: 2020 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

A obra é um convite a um mergulho no pensamento de um dos maiores bailarinos e coreógrafos do século XX, o russo Vaslav Nijinsky (1889-1950), a partir de releituras das criações desse artista, confinado após um diagnóstico de esquizofrenia. Os fantasmas de seu passado artístico vêm visitá-lo uma última vez para lembrá-lo de quem ele foi e avisá-lo quem ele será na história.

Coreografia: Monica Proença e Jonathan dos Santos
Música:  Lingering Darkness, de Logan Jones
Iluminação: Nicolas Marchi
Figurino: Yuk Dancewear
Duração/elenco: 3 minutos com Letícia Forattini e Luiza Yuk
Estreia pela SPCD: 2020 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

Dois coreógrafos, duas intérpretes, duas linguagens dentro de uma mesma dança. A obra conecta artistas presentes em três diferentes países – Alemanha, Canadá e Brasil –, em um diálogo entre as linguagens da dança clássica e contemporânea.

Coreografia: Ana Catarina Vieira
Músicas: Suíte Sinfônica nº 2 Pernambucana (1955) e Ponteado (1955), de César-Guerra Peixe (1914-1993)
Iluminação: Wagner Freire
Figurinos e adereços: Marco Lima
Cenografia: Marco Lima, com imagens de quatro desenhos de Candido Portinari (1903-1962): Pipas (1942); Ilha de Paquetá, Circo e Desfile de Carnaval (1941), usados nas ilustrações do livro Maria Rosa (1942) de Vera Kelsey (Os direitos de reprodução das obras foram gentilmente cedidos por João Candido Portinari)
Assistente de cenografia e figurino: Cesar Bento
Dramaturgia: Vivien Buckup
Execução de figurinos: Judith Lima (macacões), FCR Produções Artísticas (demais figurinos e adereços)
Duração/elenco: 20’25’’ com 10 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2020 | Theatro São Pedro, São Paulo/SP – Brasil

Primeira criação da coreógrafa contemporânea Ana Catarina Vieira para a São Paulo Companhia de Dança, Aparições é inspirada nas obras de Candido Portinari, César Guerra-Peixe e nas danças populares do nordeste do Brasil. Os figurinos e os elementos cênicos de Marco Lima ampliam o gesto no espaço. E a luz de Wagner Freire dialoga com os diversos elementos a contribui para a dramaturgia da obra. Aparições – nome que remete ao poema homônimo de Portinari –, traz imagens do Brasil de maneira poética e com muita liberdade criativa.

Concepção Coreográfica: Ricardo Gali
Curadoria: Rodrigo Villela
Música: Angela Detanico e Rafael Lain
Figurino:UMA – Raquel Davidowicz
Estreia pela SPCD: 2020 | Espaço Cultural Porto Seguro

Por ocasião da exposição Meteorológica, de Angela Detanico e Rafael Lain, o Espaço Cultural Porto Seguro e a São Paulo Companhia de Dança lançam uma parceria para a realização de um ciclo performático de dança. Com coreografia de Ricardo Gali, a instalação foi concebida ao longo de dez sessões, em encontros periódicos. Um trabalho de dança em construção realizado a partir da instalação “Quadrado branco”, que integra a exposição. A animação em vídeo foi desenvolvida pelos artistas inspirada em três poemas do poeta japonês Kitasono Katuê, publicados no livro “Kemuri no chokusen” (Reta da Fumaça). A concepção coreográfica procura transpor a espacialidade da poesia de Kitasono e o desenho na página para uma situação de exposição e de dança, na escala do corpo.

Coreografia: Goyo Montero
Música: Owen Belton
Iluminação: Nicolas Fischtel e Goyo Montero
Figurino: Goyo Montero e Fábio Namatame
Organização: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (Espanha)
Duração/elenco: 25 minutos com 14 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2019 | Teatro Municipal Castro Mendes, Campinas/SP – Brasil

Anthem é a primeira criação do espanhol Goyo Montero para uma companhia brasileira. A obra traz uma reflexão sobre o processo de construção e desconstrução de identidades coletivas. Segundo o coreógrafo: “Há ciclos em que repetimos os mesmos erros, de pensar que estamos separados, que somos diferentes quando, na realidade, todos somos um só grupo, a humanidade; e, no momento em que perdemos essa unidade, os problemas começam. Este é um traço da história humana”.
A trilha é do canadense Owen Belton, com quem Goyo já criou mais de nove obras. A inspiração da música vem de canções que se tornam hinos – sejam de nações, pessoas com preferências parecidas ou indivíduos de uma mesma geração. Por isso, o nome escolhido para a obra: Anthem, hino em inglês. Para Montero, “A voz humana se converte em uma canção e esta canção se converte em algo com a qual nos identificamos”.

Coreografia: Shamel Pitts
Trilha sonora: Remix de Shamel Pitts e DiPa das músicas Into the tranquility (Ryoji Ikeda), Spring break Anthem (The Lonely Island), Obatalá (Metá Metá), Spirit Caller (Alleged Witches), Banomoya (Prince Keybee ft. Busiswa), Freedom is a Feeling (Nina Simone), Zion (Fluke), Prismis (Tim Hecker), F****t (Arca), Ode (Nils Frahm); Tudo Que Você Podia Ser (Clube da Esquina)
Iluminação: Mirella Brandi
Figurino: Tushrik Fredericks
Assistente de coreografia: Mirelle Martins
Duração/elenco :21 minutos com 9 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2019 | SESC Guarulhos, Guarulhos/SP – Brasil

Vai é a primeira criação do norte-americano Shamel Pitts para uma companhia brasileira. “É uma jornada individual e coletiva baseada na euforia, excentricidade, descobrimento, encantamento e compartilhamento. Após o fim, a leveza e a suavidade de ser humano são as essências para criar um novo mundo, um momento de descoberta do que está dentro de nós, entre nós e ao nosso redor”, comenta o coreógrafo.
Após esse despertar de consciência, o grupo se reúne em uma comemoração, onde a energia coletiva é aprimorada pelo potencial de cada indivíduo. O dueto final de Vai representa a humanidade em harmonia após o recomeçar, onde a suavidade do toque e da pele, a confiança e o compromisso de avançar juntos conduzem a cena. “Descobrir o outro e a si mesmo, como espelhos um do outro”.

Coreografia e iluminação: Édouard Lock
Composição musical: Gavin Bryars, interpretado pelo Percorso Ensemble (Diretor musical do Percorso Ensemble: Ricardo Bologna; Músicos: Adriana Holtz (violoncelo); Douglas Kier (violoncelo); Horácio Gouveia (piano); Joana Queiroz (clarone); Pedro Gadelha (contrabaixo)
Figurino: Ulkina Van Gelder (vestidos) e Édouard Lock (corsets)
Assistente de figurino: Edmeia Evaristo (corsets)
Duração/elenco: 50 minutos com 14 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2019 | Teatro Hafen 1, Wolfsburg/Alemanha
Produção Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança e coprodução Movimentos Festwochen der Autostad (Wolfsburg/Alemanha)

Movimentos ligados a óperas icônicas e suas memórias coletivas e desconstruídas, a suavidade abandonada gradualmente para a entrada em um terreno niilista, refletindo tanto uma visão mais sombria das paixões expressas nessas árias quanto a fragmentação da utopia social que lhes deu origem. Uma dança como o vento na grama entre o crepúsculo e a noite. Trick Cell Play é a segunda obra do coreógrafo para a São Paulo Companhia de Dança.

Coreografia: Cassi Abranches
Música: Sebastian Piracés
Iluminação: Gabriel Pederneiras
Figurino: Janaina de Castro
Duração/elenco: 20 minutos com 12 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2019 | Teatro Estadual de Araras, Araras/SP – Brasil

Agora, terceira criação de Cassi Abranches para a São Paulo Companhia de Dança, explora a palavra tempo em seus possíveis significados: musical com dinâmicas e sonoridades; cronológico com lembranças e expectativas, temperatura com diferentes graus e intensidades. A coreógrafa esculpe os movimentos no corpo de cada bailarino a partir dos ritmos musicais da trilha composta por Sebastian Piracés, que utiliza bateria e elementos de percussão afro-brasileiras, misturados ao rock contemporâneo e canto.

Direção: Inês Bogéa e Luciano Cury
Coreografia: Milton Coatti
Produção Executiva: João Marcello Bôscoli
Música: The Four Seasons Winter 3, de Antonio Vivaldi (1678 – 1741), com composição de Max Richter
Figurino: Raquel Davidowicz – UMA
Styling: Paula Iglecio
Filmagem e edição: Panogramma

Desenvolvida sob a ideia de visualização em 360° e realidade virtual (VR), a criação coreográfica de Milton Coatti para a São Paulo Companhia de Dança procura traduzir em movimento as questões que assolam o ser humano. Conhecida pelos antigos como uma das mais brilhantes visíveis no hemisfério sul, a estrela Mira tem períodos de mudanças significativas na sua aparência. Inquietações, questionamentos, e uma certa angústia interna, movem os bailarinos a buscarem uma resposta para esses sentimentos e sensações. Nessa procura, miram a si mesmos e aos outros para reencontrarem a beleza, a luz e o amor aparentemente perdidos (ou temporariamente esquecidos) nesse espaço quase lunar que sugere dissipar, mas que ainda reserva esperança e a perspectiva de que, em algum momento, o encontro ideal, consigo e com o outro, irá se concretizar.

Coreografia: Joëelle Bouvier
Música: trechos de Bachianas Brasileiras, de Heitor Villa Lobos; trechos de Paixão Segundo São Mateus, de Johann Sebastian Bach; Melodia Sentimental, de Villa Lobos (letra de Dora Vasconcellos); poema Pátria Minha, de Vinícius de Moraes; e texto de Irène Jacob
Iluminação: Renauld Lagier
Figurino: Fábio Namatame
Assistentes de coreografia: Emilio Urbina e Rafael Pardillo
Duração/elenco: 37 minutos com 14 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brasil
Produção Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança e coprodução Chaillot – Théâtre National de la Danse (Paris/França)

Odisseia é uma viagem, um reencontro consigo mesmo. Movida pela questão dos migrantes da atualidade, a coreógrafa constrói uma estrutura dramática e poética que aborda temas como mudança, transição, partida e a esperança de uma vida melhor. “Neste momento, somos todos sensíveis a esta questão, que é forte no mundo.”, comenta Joëlle. Bouvier explica que procurou misturar fragmentos das Bachianas Brasileiras com a composição de Bach, Paixão Segundo São Mateus. Ao final, temos na voz de Maria Bethânia a música Melodia Sentimental e o poema Pátria Minha. A obra tem coprodução com Chaillot – Théâtre National de la Danse, na França.

Concepção, dramaturgia, direção teatral e espaço cênico: William Pereira
Direção musical: Ricardo Ballestero
Coreografia: Cassi Abranches e Milton Coatti
Direção artístico-pedagógica da Santa Marcelina Cultura: Paulo Zuben
Direção artística da São Paulo Companhia de Dança: Inês Bogéa
Iluminação: Caetano Vilela
Figurino:
1º Ato – Bailarinas: Acervo SPCD | Cantoras: Fabio Namatame | Cantores: Acervo Theatro São Pedro
2º Ato – Bailarinas: Plié e Fernanda Yamamoto | Cantoras: Plié e Fabio Namatame | Bailarinos e Cantores: Highstil
Duração/elenco: 60 minutos com 9 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Theatro São Pedro, São Paulo/SP – Brasil

Composto por dois atos, um Neoclássico e um Contemporâneo, a obra traça um recorte de canções do compositor alemão Robert Schumann, escritas em 1840, com adaptações do maestro convidado Ricardo Ballestero, a partir da concepção cênica de William Pereira em parceria com a São Paulo Companhia de Dança, dirigida por Inês Bogéa. A coreografia é assinada por Milton Coatti e Cassi Abranches e a iluminação é de Caetano Vilela. A primeira parte – um Neoclássico – contempla o ciclo completo de Os Amores do Poeta Op.48, cujo cenário remete ao Romantismo. Na volta do intervalo, entre em cena uma linguagem mais atual com cenografia límpida e visual despojado. Os textos destas 16 canções vêm do Lyrisches Intermezzo, ou o “Intermezzo lírico”, do poeta Heinrich Heine, escritos entre 1822 e 1823 e publicados como parte da obra Das Buch der Lieder.

Direção Geral: Samuel Mac Dowell de Figueiredo
Música: Leonard Bernstein, com execução da Orquestra Jazz Sinfônica (Regência de João Maurício Galindo) e Coral Paulistano (Regência de Naomi Munakata, com os solistas: Camila Titinger e Carla Cottini, soprano | Luciana Bueno, mezzo-soprano | Daniel Umbelino, tenor | Johnny Lima, barítono)
Dramaturgia: Ulysses Cruz
São Paulo Companhia de Dança
Direção Artística: Inês Bogéa
Coreógrafos convidados: Erika Novachi e Edson Guiu
Iluminação: Wagner Freire
Figurino: Balletto, por Luciana Mantegazza
Duração/elenco: 60 minutos com 8 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Centro Cultural Baía dos Vermelhos, Ilhabela/SP – Brasil

Inspirada nas principais obras de Leonard Bernstein para a Broadway, este espetáculo reflete as inquietudes do compositor, pianista e maestro, através de uma jornada pelos musicais West Side Story, Fancy Free, On the Town e Candide. Somado a tudo o que Bernstein representou, da importância da sua obra erudita à defesa da transição entre os gêneros eruditos e populares e a sua atuação como maestro das principais orquestras do mundo, nasce Bernstein 100. É o homem renovador, emocional e provocador, sempre determinado a romper fronteiras!

Coreografia e iluminação: Thiago Bordin
Música: Jóhann Jóhannsson e Wim Mertens
Figurino: Fábio Namatame
Duração/elenco: 13 minutos com 6 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2017 | Teatro Estadual de Araras, Araras/SP – Brasil

Primeira criação de Bordin para uma companhia brasileira, Petrichor – nome que remete ao cheiro da terra molhada pela chuva – teve como ponto de partida a música de Jóhann Jóhannsson e Wim Mertens, que, segundo Bordin, permite um vislumbre da criação coreográfica. “Quando ouço Mertens, começo a imaginar a luz, o figurino, os passos”. As características dos bailarinos brasileiros foram outra fonte de inspiração para o criador. “A obra se desenvolveu em diálogo com o elenco. Cada um trouxe uma cor, um caráter forte, marcante, bem diferente do que eu imaginava. E isso acabou por se tornar a parte mais gratificante desta coreografia.

Coreografia e iluminação: Henrique Rodovalho
Música: Criação original de Pupillo com voz de Céu
Figurino: Cássio Brasil
Duração/elenco: 21 minutos com 14 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Sesc Santos, Santos/SP – Brasil

Rodovalho comenta que neste trabalho experimenta movimentos expandidos e continuados a partir da relação dos bailarinos que permanecem todo o tempo em cena. “As referências sobre esta característica vieram de grandes grupos de animais em movimento e como se desenvolvem e se relacionam”, diz o coreógrafo. A obra trata sobre ‘o que tem de acontecer’, neste breve espaço de tempo de existência deste grande grupo, relacionado principalmente a algum tipo de prazer. Por isso, o nome Melhor Único Dia. “Para tentar traduzir, de alguma forma, a curta existência que se expressa através do movimento em grupo”, completa Rodovalho. Esta obra foi eleita como terceiro Melhor Espetáculo pelo Guia da Folha (2018) e como melhor estreia de 2018 pelo Prêmio APCA – Associação Paulista de Críticos de Arte.

Coreografia: Lucas Lima
Figurino: Fábio Namatame
Música: On the Nature of Daylight, de Max Richter
Iluminação: Nicolas Marchi
Duração/elenco: 07 minutos com 2 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2017 | Sesc Jundiaí, Jundiaí/SP – Brasil

Instante é uma criação de Lucas Lima para o Ateliê de Coreógrafos Brasileiros e tem como ponto de partida a música de Max Richter, que ganhou novas dinâmicas no movimento dos bailarinos da SPCD. Segundo o coreógrafo, a obra trata de “um instante para se encontrar, e outro para se perder. Um instante para decidir, para seguir, para voltar, para se arrepender”. É uma coreografia que introduz novos impulsos e dinâmicas nos movimentos do balé, dialogando com a contemporaneidade.

Coreografia: Giovanni Di Palma
Direção cênica e concepção de cenário: William Pereira
Música: Pulcinella, de Igor Stravinsky (1882-1971)
Figurino: Fábio Namatame
Iluminação: Mirella Brandi
Parceria: Associação Pro-Dança e Santa Marcelina Cultura

O Balé Pulcinella é baseado na história de Os Quatro Pulcinellas, de um manuscrito de comédias do folclore napolitano. A obra estreou com o Ballets Russes de Diaghilev em Paris, em 1920, com música composta por Igor Stravinsky, inspirada em composições de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) e outras composições do século XVIII. A coreografia neoclássica de Giovanni Di Palma usa sapatilhas de ponta em diálogo com movimentos contemporâneos para contar a história do aventureiro Pulcinella, famoso personagem da Commedia Dell’Arte.

Coreografia, cenografia e figurino: Clébio Oliveira
Música: Matresanch
Iluminação: Mirella Brandi

Segundo Clébio Oliveira, Primavera Fria examina a anatomia de uma ruptura inesperada. É uma jornada do corpo pela perda do objeto amoroso enquanto experiência psíquica e neurológica. Desejo, narcisismo, inadequação corporal, vulnerabilidade. A obra propõe um mapeamento afetivo-sensorial do corpo em nosso cérebro. “A perda do objeto amoroso é um tema que há séculos inquieta e inspira pensadores, poetas e artistas. Mas longe de constituir uma experiência metafísica, essa perda é vivenciada no corpo por meio de um intrincado encadeamento bioquímico sofrido e produzido pelo cérebro humano. Buscamos antever e planejar, bem como compreender o mundo a nossa volta, as pessoas e, principalmente, a nós mesmos, a partir de racionalizações. No campo afetivo, buscamos a felicidade e ansiamos por relações amorosas sólidas ainda que inexoravelmente forjadas pela fantasia. Nossa busca por controle cai por terra quando somos atravessados pela paixão ou pela dor de sua rotura”, fala o coreógrafo.

Coreografia: Jomar Mesquita, com colaboração de Rodrigo de Castro
Música: Por Toda a Minha Vida (Tom Jobim e Vinícius de Moraes, cantada por Cibelle), Melancolia e Uma Canção pra Você (Jaqueta Amarela) (Assucena Assucena, executada por As Bahias e a Cozinha Mineira), Segunda Chance (composta e executada por Johnny Hooker), Volta (Lupicínio Rodrigues, cantada por Adriana Calcanhoto), O Desejo do Desejo do Desejo (Celso Sim e Pepe Mata Machado), Vai Saber (Adriana Calcanhoto cantada por Marisa Monte)
Iluminação: Joyce Drummond
Figurino: Fernanda Yamamoto
Duração/elenco: 27 minutos com 12 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2016 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

Ngali… tem como referência a peça teatral La Ronde, de Arthur Schnitzler – escrita em 1897 – a obra retrata diferentes relações amorosas que incluem um terceiro – e traz elementos da dança de salão para retratar as diferentes formas de amar. Ngali é uma palavra de origem aborígine da Austrália Ocidental, cujo significado, sem correspondente em outro idioma, é: “nós dois, incluindo você”. Em oposição a outro pronome da mesma língua – Ngaliju – que quer dizer: “nós dois, excluindo você”. No ano da estreia, em 2016, conquistou o prêmio de Melhor Espetáculo de Dança pelo Guia da Folha de S.Paulo (voto do público).

Coreografia: Richard Siegal*
Música: Jean-Philippe Rameau (1683-1764), interpretadas por Tzimon Barto: Suite em D Minor/Major I. Les Tendres Plaintes; Suite em E Minor V. Le Rappel des Oiseaux; Suite em E Minor IX. Tambourin; Suite em E Minor III. Gigue en rondeau I; Suite em D Minor – Major III. Le Soupirs; e Suite em A Minor – Major VII
Iluminação: Gilles Gentner
Figurino: Simone Mina
*Richard Siegal é representado por Verlag der Autoren, Frankfurt, Germany I choreography@verlagderautoren.de

Inspirado nas composições barrocas de Jean-Phippe Rameau (1683-1764), o coreógrafo Richard Siegal criou esta peça para a São Paulo Companhia de Dança. É uma coreografia suave, delicada e dinâmica na qual a dança clássica aparece sobreposta a outros acentos, trazendo a ideia de ruptura e desconstrução de padrões. O figurino de Simone Mina e a luz de Gilles Gentner dialogam com a proposta do coreógrafo utilizando referência do barroco em materiais e desenhos contemporâneos. “É como transpor os séculos. Este é um trabalho que atualiza essa música ao modo do século 21 e não mais do século 18”, fala o coreógrafo.