Creaciones

  • Charles Lima

    dos SANTOS (2024)

    Coreografía: Alex Soares

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    dos SANTOS (2024)

    Coreografía: Alex Soares
    Musica: Matais de Incendios, anónimo, interpretado por Vox Brasiliensis y Ricardo Kanji; Partita para 8 Voces, N.º 4 Passacaglia, Caroline Shaw, interpretada por Brad Wells y Roomful of Teeth; Final Parade, Felix Rösch; Obstacle Course, Christophe Zurfluh
    Vestuario: Cassiano Grandi
    Iluminación: Wagner Freire
    Estreno: 2024 | Sesc Guarulhos, Guarulhos – SP

    dos SANTOS, la primera obra de Alex Soares para la São Paulo Companhia de Dança, está inspirada en una canción del Brasil colonial llamada “Matais de Incêndio”, un raro villancico brasileño—una canción simple y alegre asociada a las festividades religiosas—cuyo autor es desconocido, datada alrededor de 1700. Cantada en portugués, fue categorizada como un canto “deshonesto,” “profano,” o “indecente” por la legislación eclesiástica de la primera mitad del siglo XVIII. La obra hace referencia a uno de los apellidos de origen religioso más populares en Brasil. En la era colonial, dos Santos era un nombre dado a los hijos bastardos, a los no primogénitos, a las mujeres y a muchas personas esclavizadas. A partir de estas referencias y sus consecuencias, dos SANTOS mueve, cruza y cuestiona identidades y aquello que inicialmente nos fue dado como fuerza de fe, y que a lo largo del tiempo ha ayudado a moldear nuestra rica, iluminada y diversa cultura.

  • Autorretrato (2024)

    Coreografía: Leilane Teles

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    Autorretrato (2024)

    Coreografía: Leilane Teles
    Musicas: Grupo Krahó, de Indios Krahó, interpretado por Marlui Miranda; Pasha Dume Pae, de Amazon Ensemble; Canto da Libertad, de Akaiê Sramana, interpretado por Akaiê Sramana; Tchori Tchori feat. Uakti, de Marlui Miranda e Índios Jaboti de Rondônia, interpretado por Marlui Miranda, Rodolfo Stroeter, Uakti; Mae Inini (El Poder de la Tierra), de Amazon Ensemble; Tamburim, de Josy.Anne; Kworo Kango, de Canto Kaiapó, interpretado por Berimbaobab Brasil.
    Producción Musical: Fernando Leite
    Iluminación: Gabriele Souza
    Vestuario: André von Schimonsky
    Asistente de Vestuario: Wellington Araújo
    Atrezzo: Satie Inafuku
    Consultores en Asuntos Indígenas: Cristiane Takuá and Carlos Papá Mirim Poty
    Duración: 19 minutos
    Preestreno: 2024 | Teatro Municipal Manoel Lyra, Santa Bárbara D’Oeste – SP

    Autorretrato es la segunda creación de la coreógrafa y bailarina brasileña Leilane Teles para la São Paulo Companhia de Dança. Esta obra propone una profunda reflexión sobre la identidad brasileña, nuestra ascendencia y las múltiples influencias que nos constituyen, tejida a partir de las vibrantes imágenes del vasto acervo de Cândido Portinari, considerado uno de los mayores pintores de Brasil. De este universo, que contiene más de 5.000 piezas, se seleccionaron ocho—amablemente cedidas por João Candido Portinari, hijo del artista—cuyo conjunto revela la esencia de la propuesta coreográfica. La obra comienza con el autorretrato del propio pintor, casi un prefacio visual que antecede la inmersión en la historia y la cultura de los pueblos indígenas de Brasil. La primera escena retrata la llegada de los portugueses y el encuentro visceral entre ellos y los nativos. A medida que la obra avanza, representa las complejas relaciones desde el encuentro hasta los momentos de explotación y la brutalidad de la esclavización de los nativos, culminando en la presentación de “Índio Morto”, una de las pinturas más conmovedoras de Portinari.

    La banda sonora fue elegida para dialogar profundamente con la narrativa visual y coreográfica. Entre los destaques, “Kworo Kango” se erige como un pilar: una canción ritualística sin traducción conocida, repetida como una oración ancestral, que concluye la obra con una energía de renacimiento y resistencia. El vestuario desempeña un papel crucial y no busca una reproducción literal de las vestimentas indígenas, sino una interpretación que evoca la esencia de esa cultura. De manera discreta, revelan la piel, mientras que las formas geométricas aluden a las pinturas de Portinari, añadiendo capas de significado a la narrativa. Los objetos escénicos también están cargados de simbolismo, con accesorios como pendientes, collares y adornos de pantorrilla inspirados en las expresiones culturales del pueblo Carajás, retratado por el pintor.

    Aunque la coreografía se inspira libremente en la representación de estos pueblos, la intención no es proporcionar una reproducción literal, sino capturar la esencia de la brasilidad y la multiplicidad de influencias culturales que constituyen nuestra identidad nacional. La creación de Autorretrato fue enriquecida por la consultoría sobre asuntos indígenas proporcionada por Cristiane Takuá y Carlos Papá, dos especialistas cuya participación fue esencial para garantizar que las representaciones culturales fueran tratadas con el respeto y la autenticidad que merecen, además de añadir una profundidad y sensibilidad únicas a la coreografía.

  • Iari Davies

    Yoin (2024)

    Coreografía: Jomar Mesquita

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    Yoin (2024)

    Coreografía: Jomar Mesquita
    Asistente de coreografía: Rúbia Frutuoso
    Musica: Poema Saudades, de Arnaldo Antunes; Assum Preto, de Luiz Gonzaga y Humberto Teixeira (intérprete: Jorge Du Peixe); Fim de Festa, de Itamar Assumpção (intérpretes: Naná Vasconcelos e Itamar Assumpção); Carinhoso, de João de Barro y Pixinguinha (intérprete: Elza Soares); Como 2 e 2, de Caetano Veloso (intérpretes: Arnaldo Antunes y Vitor Araújo); Samba da Benção, de Baden Powell y Vinícius de Moraes (intérprete: Maria Bethânia); Avisa, de Tato (intérprete: Cida Moreira); Juízo Final, de Elcio Soares; Nelson Cavaquinho (intérprete: Arnaldo Antunes); Manhã de Carnaval, de Luís Bonfa y Antônio Maria (intérpretes: Jean Pascal Quiles, Louis Quiles y Nelly Decamp); voces de los bailarines del elenco.
    Vestuario: Agustina Comas
    Iluminación: André Boll
    Estreno: 2024 | Teatro Sérgio Cardoso | São Paulo – SP

    ¿Cuál es la sensación que queda después de que el estímulo ha cesado? Los más pequeños y sutiles, los dolorosos o duraderos. El sonido del sube y baja, el olor del café de la abuela, los toques, las imágenes que parecen perdurar o persistir. Aquellos que nos gustaría guardar en una vitrina, en un relicario. ¿Y cómo nos transformamos cuando esos estímulos dejan de ser reales pero persisten en nuestra vitrina interior… Yoin.

    Al revisitar las referencias utilizadas para crear la obra Mamihlapinatapai —la primera creación de Jomar Mesquita para la São Paulo Companhia de Dança—, el coreógrafo se encontró con otra connotación del significado de esta intrigante palabra: ese momento de reflexión alrededor del fuego, después de que los abuelos transmiten sus historias y conocimientos a las generaciones más jóvenes. Es decir, una vez más: la sensación que queda después de que el estímulo ha cesado.

    “¿Y qué hacemos con lo que queda, con nuestras ancestrías, pérdidas, alegrías, suspiros, escalofríos, dolores… que guardamos en nuestro relicario: Yoin? Esta nueva creación nos invita a volver, por tanto, al comienzo de mi encuentro con estos artistas y a reflexionar sobre las sensaciones que quedaron en nosotros y las que dejamos en el público. ¿Qué queda de cada una de nuestras experiencias pasadas, de nuestras ancestrías, qué legados nos fueron transmitidos y por nosotros abrazados? Nos transformamos en nuevas versiones de nosotros mismos, después de que los estímulos que nos atravesaron o nos permeaban han cesado”, comparte Jomar.

    La banda sonora metaforiza este universo, presentando versiones de canciones cuyas interpretaciones originales marcaron la escena musical brasileña y en qué se han convertido después de ser transformadas por nuevas miradas. El vestuario utiliza el upcycling como una analogía para las nuevas y mejores versiones que podemos crear de nosotros mismos a partir de los restos de las experiencias vividas, que guardamos en nuestras vitrinas interiores. La iluminación simboliza la hoguera de forma contemporánea, en torno a la cual se transmiten los conocimientos y las ancestrías para transformarnos. Yoin también habla de la propia danza, que, con su fugacidad, deja sus huellas y sensaciones después de que se cierran las cortinas… para que el público las guarde en sus relicarios.

  • @ Marcelo Machado

    Cada Olhar (2024)

    Coreografía: Henrique Rodovalho

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    Cada Olhar (2024)

    Coreografía y Iluminación: Henrique Rodovalho
    Musica: Obatalá, escrito por Kiko Dinucci, interpretación y producción de Metá Metá
    Vestuario: Fábio Namatame
    Elenco: 7 bailarines
    Duracíon: 8 minutos

    Esta obra es una reinterpretación de “Desassossegos”, también de Henrique Rodovalho

    Esta coreografía refleja la perspectiva de cada uno de los siete bailarines, explorando cómo cada uno se siente y se apropia de este momento único de movimiento y música, que fue inicialmente concebido a través de la visión del coreógrafo. A partir de esta creación, busca provocar la mirada de cada espectador, de cada audiencia, animándolos a tomar sus propias decisiones y, sobre todo, a formar sus propias impresiones genuinas de este momento efímero pero intenso que se despliega ante sus ojos, frente a cada perspectiva individual.

  • Iari Davies

    Casa Flutuante (2024)

    Coreografía: Beatriz Hack

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    Casa Flutuante (2024)

    Coreografía: Beatriz Hack
    Musicas: Boi nº1, by Foli Griô Orquestra with Cacau Amaral; Nordavindens Klagesang, by Vàli; Giardini Di Boboli, by Manos Milonakis feat. Jacob David and Grégoire Blanc; Encruzilhada, by Tulio; and Marie, by Cristobal Tapia De Veer – mixed by Renan Lemos.
    Vestuario: Balletto
    Duracíon: 14 minutos y 44 segundos
    Elenco: 7 bailarines
    Preestreno: 2024 | Teatro Municipal de Itapevi, Itapevi/SP

    Casa Flutuante, la primera creación de Beatriz Hack para la São Paulo Companhia de Dança, revela diferentes conceptos de “hogar” y su impermanencia en el escenario. Guiado por una banda sonora ecléctica, el elenco flota entre los movimientos propuestos por la coreógrafa y desarrollados a partir de las experiencias personales de cada bailarín. Los movimientos individuales y grupales exploran las relaciones humanas e interpersonales. “Vivimos en una época de flujo continuo de información, sin tiempo para reflexiones sobre la profundidad de nuestra existencia. Para abordar esto, necesitamos arraigarnos, volver a casa —ya sea un espacio físico, el cuerpo humano o el planeta Tierra”, reflexiona Beatriz.

  • The Eighth (2024)

    Coreografía: Stephen Shropshire

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    The Eighth (2024)

    Coreografía y Iluminación: Stephen Shropshire
    Musica: Symphony no 8: IV: Finale de Anton Bruckner (1824-1896)
    Vestuario: Fabio Namatame
    Duración: 22 minutos
    Elenco: 10 bailarines
    Preestreno: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP
    Estreno: 2024 | Linz, Áustria

    “The Eighth” es el resultado de una colaboración entre el Programa de Artes Escénicas de los Países Bajos, del Performing Arts Fund NL en los Países Bajos, y la Associação Pró-Dança, São Paulo Companhia de Dança. También es una coproducción del Festival Bruckner y cuenta con el apoyo del Gobierno de los Países Bajos.

    Desde 2020, Stephen Shropshire ha sido el coreógrafo residente de la São Paulo Companhia de Dança, para quien ya ha creado: Rococo Variations (2020), Marmorea (2021) y Partita (2022). Juntas, estas obras revelan una línea de investigación que comenzó con la (re)investigación de Shropshire sobre la técnica del ballet clásico para descubrir nuevas formas de pensar y relacionarse con su proceso coreográfico. En The Eighth (2024), ofrece al público una nota al pie de estas tres obras distintas pero interconectadas. Shropshire crea esta pieza con los sonidos de la Octava Sinfonía de Anton Bruckner (1824-1896), una composición cargada de emociones que, como dijo el periodista musical Tom Service, “no puede ser explicada por las reglas y regulaciones de la música; en cambio, su ‘forma’ es fenomenológica y es algo que necesitas experimentar.”

  • Iari Davies

    Ver o Ar Ouvir o Verão (2023)

    Coreografía: Eduardo Fukushima

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    Ver o Ar Ouvir o Verão (2023)

    Concepción y Coreografía: Eduardo Fukushima
    Montaje musical: de Fukushima a partir de Night’s Calling, de Rodolphe Alexis; Sumertime, de Tunekichi Suzuki; y Sedna, de Kyungso Park
    Colaboración Artística y Asistente de Coreografía: Beatriz Sano
    Colaboración Textual: Isabel Ramos Monteiro
    Agradecimiento: Toshi Tanaka (abanico)
    Vestuario: Cláudia Schapira
    Iluminación: Caetano Vilela
    Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

    Esta obra fue parte del proyecto Ensejos, una colaboración con el Centro Cultural São Paulo, curada por Mark Van Loo y dirigida por Rodolfo Beltrão

    Ver o Ar Ouvir o Verão es una partitura coreográfica creada por Eduardo Fukushima basada en su investigación sobre las prácticas corporales chinas y japonesas, entrelazando la danza contemporánea y la performance a través de múltiples referencias. “El aire es la sustancia principal de esta coreografía. Es un intento de coreografiarlo, de iluminar su materia simultáneamente concreta e invisible que nos envuelve y nos une. ¿Hay alguien en el viento? El viento pasa, y lo que alguna vez fue verano ahora es otoño. Pero aún necesitamos escuchar el calor, oír el verano”, dice el coreógrafo. Esta es una danza para las fuerzas del viento.

  • Iari Davies

    Veias Abertas (2023)

    Coreografía: Poliane Fogaça

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    Veias Abertas (2023)

    Coreografía: Poliane Fogaça
    Musicas: Canción para un Niño en la Calle, de Algel Ritro, Armando Tejada, René Pérez; Alfonsina y El Mar, de Ariel Ramírez, Feliz Cezar Luna; Razón de Vivir, de Victor Heredia; y Canción Con Todos, de Armando Tejada Gómez, Cézar Isella
    Iluminación: Caetano Vilela
    Vestuario: Cláudia Schapira
    Duracíon: 15 minutos
    Elenco: 7 bailarines
    Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

    Esta obra fue parte del proyecto Ensejos, una colaboración con el Centro Cultural São Paulo, curada por Mark Van Loo y dirigida por Rodolfo Beltrão

    Inspirado de manera libre en la obra literaria “Las venas abiertas de América Latina” del escritor uruguayo Eduardo Galeano (1940-2015) y ambientado con las canciones de la cantante argentina Mercedes Sosa (1935-2009), Veias Abertas de Poliane Fogaça propone un encuentro entre estos dos grandes artistas que compartieron el objetivo común de contar las historias de los pueblos latinoamericanos. Galeano nos dice que “el futuro siempre necesita ser reinventado”, mientras que Mercedes decía “es necesario dar voz a quienes no tienen voz”. La obra revela aspectos sociales—como el hambre, la falta de oportunidades y la lucha contra la represión— así como la resiliencia, el amor por los demás y un sentido de unidad entre los pueblos. “Quizás sea una utopía creer que es posible detener la sangre de las venas abiertas de nuestra sociedad. Pero que sea un sueño en acción, un acto de esperanza por un nuevo futuro de justicia y unidad. A través de la poética del arte de la danza, que cese el dolor, que la herida sane y que nos inspire en cada paso a ser y estar junto a los demás”, dice la coreógrafa.

  • Iari Davies

    Memória em Conta-Gotas (2023)

    Coreografía: Lili de Grammont

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    Memória em Conta-Gotas (2023)

    Coreografía: Lili de Grammont
    Musicas: de Ed Côrtes, con las canciones Você é Doida Demais, Vou Rifar Meu Coração y Linda, de Lindomar Castilho
    Iluminación: Caetano Vilela
    Vestuário: Cláudia Schapira
    Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

    Esta obra fue parte del proyecto Ensejos, una colaboración con el Centro Cultural São Paulo, curada por Mark Van Loo y dirigida por Rodolfo Beltrão

    Usando los clásicos de Lindomar Castilho, como “Você é Doida Demais”, “Vou Rifar Meu Coração” y “Linda”, revisitados y modernizados por el compositor Ed Côrtes, la coreógrafa Lili de Grammont crea su primera obra para la São Paulo Companhia de Dança, basada en uno de los casos de pasión más conocidos del país: el feminicidio de Eliane de Grammont, su madre, por Lindomar Castilho, su padre. La dramaturgia de la pieza se construye a partir de las pinceladas de recuerdos de Lili relacionadas con la historia. “La narrativa no es directa, ni pretende contar la historia. Es una inspiración, llena de sentimientos y complejidades. Memória em Conta-Gotas expone la vulnerabilidad y la tristeza, pero sobre todo, se involucra en un diálogo sobre cómo avanzar con valentía y esperanza”, dice.

  • Iari Davies

    Teia de Renda (2023)

    Coreografía: Arilton Assunção

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    Teia de Renda (2023)

    Coreografía: Arilton Assunção
    Asistente de coreografía: Henrique Duarte e Samuel Elias Rodrigues
    Musicas: Teia de Renda, de Milton Nascimento y Túlio Mourão; y Evocação das Montanhas, de Henrique de Curitiba
    Mezcla musical: Lucas Romualdo
    Iluminación: Caetano Vilela
    Vestuário: Cláudia Schapira
    Estreno: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

    Esta obra fue parte del proyecto Ensejos, una colaboración con el Centro Cultural São Paulo, curada por Mark Van Loo y dirigida por Rodolfo Beltrão

    Teia de Renda, de Arilton Assunção, se inspira en temas como la literatura, la poesía, la dramaturgia, la política y la religiosidad en movimiento para construir la obra. La coreografía encuentra su inspiración y libertad de concepción en las composiciones “Teia de Renda” y “Evocação das Montanhas”. “Una red que sostiene, nutre, une y separa relaciones”, dice Arilton.

  • Samira Dantas

    Sal (2023)

    Coreografía: Lucas Valente

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    Sal (2023)

    Coreografía: Lucas Valente
    Musicas: En Transe, de Cadu Tenório y Márcio Bulk, interpretada por Lívia Nestrovski; Fragmentos, de Cadu Tenório; y Afterglow, de Rival Consoles
    Iluminación: Nicolas Marchi
    Vestuario: UMA – Raquel Davidowicz
    Duracíon: 15 minutos
    Elenco: 3 bailarines
    Estreno: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP

    Basada en dos facetas esenciales de la sal – la física y la energética – la coreografía de Lucas Valente – quien fue bailarín de la São Paulo Companhia de Dança – explora movimientos que capturan su textura, su naturaleza áspera, seca y cortante, buscando un sentido de intensidad y vigor. La obra investiga ideas de cómo sería una danza salada en la búsqueda de una fisicalidad energética, sabrosa, eficaz y ágil. “Nos enfrentamos a una dualidad inherente a la sal, que se disuelve y se coordina en el agua, encontrando una fluidez casi ambigua cuando, en combinación, se transforma y se adapta”, dice el coreógrafo. La exploración de la riqueza de significados e ideas asociadas con la sal en la cultura brasileña, que se expresan desde los rituales de baños de sal, presentes en varias tradiciones espirituales, hasta las manifestaciones culturales, como el maracatu de baque suelto, que utilizan la sal como parte de su danza en gesto de ofrenda y conexión con la tierra, también están presentes en la coreografía. Este elemento ritualista conduce la obra, que busca compartir una experiencia sensorial, combinando una narrativa física y una narrativa conceptual con la poderosa energía de la sal y la rica diversidad cultural de Brasil.

  • Iari Davies

    I’ve Changed My Mind (2023)

    Coreografía: Shahar Binyamini

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    I’ve Changed My Mind (2023)

    Coreografía: Shahar Binyamini
    Asistente de coreografía: Yotam Baruch
    Musicas: Le Tombeau de Couperin M 68: II Forlane y III Menuet, de Maurice Ravel; Blade Runner, de Hans Zimmer y Benjamin Wallfish; y Hard to Tell, de Andy Stott y Alison Skidmore
    luminación: Wagner Freire
    Vestuario: Shahar Binyamini
    Ejecución de vestuarios: Cris Driscoll
    Duracíon: 24 minutos
    Estreno: 2023 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP

    I’ve Changed My Mind, creado por el coreógrafo israelí Shahar Binyamini específicamente para la São Paulo Companhia de Dança, cuestiona quiénes somos como humanos, animales, almas y entidades. El título está conectado al proceso de creación artística en el salón de ensayos, donde a veces necesitamos soltar ciertos conceptos y abrazar lo desconocido. En el escenario, para permanecer presentes, los intérpretes buscan una conexión con sí mismos mientras se conectan simultáneamente con el todo, percibiéndolo como parte de un solo cuerpo. “Ya no estamos ‘ahí’ (en el pasado) sino ‘aquí’ (en el presente), y esto nos permite la libertad de no ser responsables de todo, sino de lo que la situación misma exige”, dice el coreógrafo. Este dinamismo propuesto por la obra es una invitación para que el público haga espacio dentro de sí mismo—honrando su singularidad—y para encontrarse con lo que el coreógrafo llama “la frescura del cambio”: una energía en constante intercambio entre los intérpretes y el público.

  • Iari Davies

    Petrushka (2023)

    Coreografía: Goyo Montero

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    Petrushka (2023)

    Concepto y Coreografía: Goyo Montero
    Música: Igor Stravinsky
    Diseño de Escenografía: Curt Allen Wilmer y Letícia Gañán
    Diseño de Vestuario y Marionetas: Salvador Andujar
    Diseño de Iluminación: Nicolas Fischtel
    Montaje: Igor Vieira
    Organización (España): Carlos Iturrioz
    Ejecución de Vestuario: Fabio Namatame
    Consultor para la construcción y manipulación de marionetas: Beto Andreetta
    Inflables y pintura artística (realización): Carlos Delfino
    Máscaras y Marionetas (realización): Dino Soto
    Duración/elenco: 35 minutos con 14 bailarines
    Estreno por SPDC: 2023 | Sesc Pinheiros, São Paulo/SP – Brasil

    © GOYO MONTERO, todos los derechos reservados

    Uno de los ballets más populares en el escenario mundial, protagonizado por Vaslav Nijinsky en 1911, Petrushka narra la historia de amor y celos entre tres marionetas que cobran vida. Goyo Montero lleva esta historia clásica a abordar temas que son relevantes hoy en día. En esta reinterpretación sin precedentes, en un futuro distópico, un grupo de personas aisladas presencia un espectáculo que presenta un desenlace torcido y siempre repetido representado por tres marionetas: el héroe-luchador, la heroína-muñeca y el antihéroe-Petrushka. Este es el punto de partida de un cuento de amor, muerte, alegría, tristeza, rechazo y manipulación que juega en diferentes dimensiones mientras somos testigos del viaje de autoconocimiento y libertad última de Petrushka. “Es un teatro dentro de otro teatro, para poder contar esta historia desde diferentes perspectivas”, dice el coreógrafo. Esta es la segunda producción de Goyo Montero para la SPDC, para quien creó anteriormente Anthem (2019).

  • Marcelo Machado

    O Quebra-Nozes no Mundo dos Sonhos (2022)

    Coreografía: Márcia Haydée

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    O Quebra-Nozes no Mundo dos Sonhos (2022)

    Coreografía: Márcia Haydée
    Músicas: Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893), Get Up Off, de Stro Elliot mezclado por Matheus Carrato Alexandre, Jingle Bells, de Stefen Swansoon y Fertility of the Sea, de Eitetsu Hayashi
    Escenografía: Nicolás Boni
    Diseñadora de Vestuario: Tânia Agra
    Iluminación: Wagner Freire
    Maestro de Ballet Invitado: Pablo Aharonian
    Asistentes de Coreografía: Aline Campos y Beatriz Hack
    Asistente de Coreografía (Danza Urbana): Ciça Veronese
    Técnica de Kobudo: Gunter Schöberl
    Duración: 1h40 min

    O Quebra-Nozes no Mundo dos Sonhos es una reinterpretación del libreto de E.T.A. Hoffmann (1778-1822) que narra la experiencia de dos hermanos en una noche de Navidad especial, cuando un muñeco cascanueces cobra vida y los lleva a un viaje inolvidable a través de un reino mágico y danzante. El popular cuento navideño, en esta versión sin precedentes de Márcia Haydée -una de las artistas más importantes que ha desarrollado su carrera en Europa como directora de danza y primera bailarina- trae referencias de Brasil, con pasajes de capoeira, danzas urbanas, samba y, por supuesto, del ballet clásico. La historia, al igual que la original creada en 1892 y coreografiada por Marius Petipa (1818-1910), está impulsada por una de las composiciones más famosas de Tchaikovsky (1840-1893), poniendo lado a lado la tradición del ballet con la inventiva de Márcia.

  • Marcelo Machado

    Ibi – da Natureza ao Caos (2022)

    Coreografía: Gal Martins

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    Ibi – da Natureza ao Caos (2022)

    Diseño y dirección coreográfica: Gal Martins

    Banda Sonora Original: Dani Lova (dirección musical y creación) con voz y aportación artística de Thais Dias

    Vestuario y Visagismo: Gil Oliveira

    Iluminación: Camila Andrade

    Escenografía y Props: Caio Marinho

    Cenotécnico: Pedro Paes

    Asistente de vestuario: Bábi Batista e Giselle Carvalho

    Debut SPCD: 2022 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brasil

    Elenco: 10 bailarines

    Duración: 25 min

    De la palabra en lengua tupí-guaraní Ibi, que significa tierra, suelo sobre el que se camina, nace la creación de Gal, que reflexiona sobre el tema del post-aislamiento en la sociedad y sobre la falta de conexión entre el hombre y la naturaleza. Inspirada en “O Amanhã Não Está a Venda”, de Ailton Krenak, y en diálogo con sus investigaciones sobre la ascendencia y el devenir-animal, la obra se divide en tres momentos. En un primer momento, el coreógrafo quiso traer la idea de la tierra arrasada, de la provocación, de la animalidad como poder y cómo se reconstruye. En la segunda parte, los intérpretes entran en contacto con el yo individual y su ascendencia en una batalla contra la adversidad, y en la tercera, vemos una reflexión sobre lo aprendido a lo largo de este camino. Según Gal, la idea es “seguir insistiendo en ser lo que somos”.

     

  • Marcelo Machado

    Cartas do Brasil (2022)

    Coreografía: Juliano Nunes

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    Cartas do Brasil (2022)

    Coreografía y Vestuario: Juliano Nunes

    Musica: Bachiana Brasileira nº 8, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959)

    Iluminación: Wagner Pinto

    Producción de Vestuario: Cássio Brasil

    Duración: 24 minutos

    Elenco: 14 bailarines

    Debut SPCD: 2022 | Sala São Paulo, São Paulo/SP – Brasil

    Cartas do Brasil es la primera creación de Juliano Nunes para la São Paulo Companhia de Dança y para una compañía brasileña. “Esta obra es un pedacito de Brasil que existe en mí. Es el lugar donde el gesto de uno incide en el gesto del otro y, aunque todo pasa muy rápido, todos están conectados como una bandada de pájaros”, dice Nunes. En la coreografía, cada bailarín escribe con el cuerpo un diálogo continuo que traduce la urgencia de estar vivo.

    Nunes creado inspirado en la Bachiana Brasileira nº 8, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) y sus recuerdos de infancia que lo remiten al universo de las aves y los bosques. En la danza, las manos, los brazos y las cabezas vibran y nos recuerdan las imágenes de las alas de los pájaros, de las hojas al viento, del aleteo de las cabezas de los pájaros. “La belleza del cuerpo en movimiento nos toca como palabras vivas”, dice Nunes. El traje, una malla azul en referencia al cielo de Brasil -con detalles pintados a mano por el coreógrafo en el cuerpo de los intérpretes- revela la silueta de los artistas y las individualidades de cada uno. La luz completa esta atmósfera que nos transporta a una época vibrante, ágil e intensa.

     

  • Marcelo Machado

    Partita (2022)

    Coreografía: Stephen Shropshire

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    Partita (2022)

    Coreografía, Vestuario y Iluminación: Stephen Shropshire

    Música: Partita, Perihelion I, II y III (Allamande; Sarabande e Gigue) de Margaret Anne Schedel, interpretada por: Schedel y Mikylah Myers

    Duration: 15 min

    Elenco: 10 bailarines

    Debut SPCD: 2022 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brasil

    “Partita” es la tercera creación de Stephen Shropshire para la São Paulo Companhia de Dança, inspirada en la pintura del artista renacentista Pieter Bruegel (1525-1569) “Paisaje con la caída de Ícaro” (1555), en diálogo con el poema homónimo escrito , en 1939, por William Carlos Williams (1883-1963). Con un vestuario minimalista, la bailarina explora el espacio escénico y reescribe cada letra de los versos del poeta, en diálogo con los gestos de los demás intérpretes. Una bailarina, en un rincón de la escena, deletrea en el aire el texto completo, que cobra aún más fuerza con cada frase bailada. Bajo tres movimientos contemporáneos de “Partita, Perihelion”, de Margaret Schedel y Mikylah Myers McTeer, instrumentos como la flauta y el violín adquieren matices electrónicos. La pieza incita al espectador a percibir las interpretaciones y sensaciones de lo visto en el propio cuerpo. Una obra “abstracta y desafiante, con gente normal haciendo cosas extraordinarias”, revela el coreógrafo.

  • @Charles Lima

    DI (2022)

    Coreografía: Miriam Druwe

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    DI (2022)

    Coreografía: Miriam Druwe

    Musica: Choros nº 6, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959)

    Escenografía y Vestuario: Fábio Namatame, inspirado en las obras de Di Cavalcanti (1897-1976) cedida amablemente por Elisabeth Di Cavalcanti para esta creación

    Iluminación: Wagner Freire

    Elenco: 14 bailarines

    Duración: 25 min

    Debut SPCD: 2022 | Theatro São Pedro, São Paulo/SP – Brasil

    Di Cavalcanti (1897-1976) inspira esta obra basada en la imaginación y el lirismo de los lienzos de este gran nombre de las artes visuales del país, en diálogo con Choros nº 6, de Villa-Lobos (1887-1959). En común, estos artistas manifiestan impresiones de Brasil a partir del pensamiento modernista, y Miriam Druwe parte del movimiento para presentar nuevas propuestas de estas imágenes en el contexto del siglo XXI.

     

  • @Marcos Alonso

    Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 2 (2022)

    Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 2 (2022)

    Concepción y Dirección Artística: Inês Bogéa

    Musica: JS Bach (1685-1750), Gioachino Rossini (1792-1868), Henrique Oswald (1852-1931) y Dmitri Shostakovich (1906-1975), interpretada por la Orquesta del Teatro São Pedro, bajo la dirección del maestro Claudio Cruz

    Iluminación: Nicolas Marchi

    Fotografía: Chrales Lima y Nicolas Marchi

    Montaje y Finalización: Charles Lima

    Dramaturgia musical y Meseta: Rodolfo Dias Paes (DiPa)

    Operación de la cámara: Charles Lima and Alan Fabio Gomes

    Realización de asistencia: Gesiel Vilarubia

    Captura directa de sonido: Julio Abreu

    Asistente de sonido: Ítalo Belfiorie

    Making of: Alan Fabio Gomes

    Still: Marcos Alonso

    Duración: 27 min

    Elenco: 20 bailarines

    Debut SPCD: 2022 | Transmisión en los canales de YouTube de SPCD y Theatro São Pedro

    Dividido en dos volúmenes, cada uno con cuatro obras diferentes, Reflexos de um Tempo Presente (Reflexiones de un tiempo presente) trae diferentes ambientes del Theatro São Pedro –fachada, vestíbulo, pasillos, balcones, público y escenario–, revelando este patrimonio arquitectónico de la capital paulista bajo nuevas perspectivas a partir de la interacción con la danza y la música orquestal en forma de videodanzas en las que los bailarines de São Paulo Companhia de Dança dialogan con instrumentistas de la Orquestra do Theatro São Pedro. Las películas forman parte del ciclo Dança Hoje, que comenzó en 2020, y presentan el trabajo de jóvenes coreógrafos a partir de 8 obras contemporáneas inéditas creadas especialmente para el sector audiovisual, que tienen en común un fino entrecruzamiento entre música y movimiento.

    Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 2 consta de las siguientes coreografías:

     

    Momentum

    Coreografía: Letícia Forattini

    Musica: Sonata para violín solo nº 1 en Sol menor, BWV 1001 /II. Fuga, de J.S. Bach (1685-1750), interpretada por Claudio Cruz (violín)

    Vestuario: Raquel Davidowicz – UMA

    Escenografía: Luiz Antônio Dias

    Bailarines: Ana Roberta Teixeira, Cecília Valadares, Hiago Castro, Luan Barcelos, Luiza Yuk, Mateus Rocha, Matheus Queiroz, Otávio Portela, Thamiris Prata y Yoshi Suzuki

     

    “Il Cast”

    Coreografía y Vestuario: Artemis Bastos

    Musica: Obertura de la ópera El barbero de Sevilla, de Gioachino Rossini (1792-1868), interpretada por Andrey Ivanov (piano), Franklin Martins (violonchelo), Mariela Micheletti (violín)

    Ejecución de Vestuario: Edmeia Evaristo

    Bailarines: Alan Marques, Beatriz Paulino, Cecília Valadares, Luan Barcelos, Poliana Souza y Vinícius Vieira

    Participación especial: André Souza y Luiz Antônio Dias

     

    O Voo

    Coreografía y Vestuario: Vinícius Anselmo

    Musica: En Nacelle, de Henrique Oswald (1852-1931), interpretada por Andrey Ivanov (piano)

    Ejecución de Vestuario: Edmeia Evaristo

    Poema: O Voo, de Rubem Alves, con la voz de Inês Bogéa

    Bailarinas: Beatriz Paulino y Luciana Davi

     

    Totentanz

    Coreografía, Vestuario e Interpretación: Ammanda Rosa y Nielson Souza

    Musica: Trío nº 2 para piano, violín y violonchelo Op 67 / IV Allegretto, de Dmitri Shostakovich (1906-1975), interpretado por Anderson Santoro (violín), Franklin Martins (violonchelo), Andrey Ivanov (piano)

    Ejecución de Vestuario: Edmeia Evaristo

    Efectos Escénicos: André Souza, Luiz Antônio Dias y Nicolas Marchi

    Poema: Johannes Klöcking en la voz de Bastian Thurner

  • @Marcos Alonso

    Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 1 (2021)

    Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 1 (2021)

    Concepción y Dirección Artística: Inês Bogéa

    Trilha Sonora: Heitor Villa-Lobos (1887-1959), Astor Piazzolla (1921-1992), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y Samuel Barber (1910-1981), interpretada por la Orquesta del Teatro São Pedro, bajo la dirección del maestro Claudio Cruz

    Iluminación: Nicolas Marchi

    Fotografía: Chrales Lima y Nicolas Marchi

    Montaje y Finalización: Charles Lima

    Dramaturgia musical y Meseta: Rodolfo Dias Paes (DiPa)

    Operación de la cámara: Charles Lima y Alan Fabio Gomes

    Realización de asistencia: Gesiel Vilarubia

    Captura directa de sonido: Julio Abreu

    Asistente de sonido: Ítalo Belfiorie

    Making of: Alan Fabio Gomes

    Still: Marcos Alonso

    Duración: 25 min

    Elenco: 16 bailarines

    Debut SPCD: 2021 | Transmisión en los canales de YouTube de SPCD y Theatro São Pedro

    Dividido en dos volúmenes, cada uno con cuatro obras diferentes, Reflexos de um Tempo Presente (Reflexiones de un tiempo presente) trae diferentes ambientes del Theatro São Pedro –fachada, vestíbulo, pasillos, balcones, público y escenario–, revelando este patrimonio arquitectónico de la capital paulista bajo nuevas perspectivas a partir de la interacción con la danza y la música orquestal en forma de videodanzas en las que los bailarines de São Paulo Companhia de Dança dialogan con instrumentistas de la Orquestra do Theatro São Pedro. Las películas forman parte del ciclo Dança Hoje, que comenzó en 2020, y presentan el trabajo de jóvenes coreógrafos a partir de 8 obras contemporáneas inéditas creadas especialmente para el sector audiovisual, que tienen en común un fino entrecruzamiento entre música y movimiento.

    Reflexos de um Tempo Presente | Dança Hoje Parte 1 consta de las siguientes coreografías:

     

    Coabito

    Coreografía y Vestuario: André Grippi

    Musica: Prelúdio nº 3, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959), interpretado por Gesiel Vilarubia (violín)

    Ejecución de Vestuario: Edmeia Evaristo

    Bailarina: Ana Roberta Teixeira

     

    Oblivion

    Coreografía y Vestuario: Irupé Sarmiento

    Musica: Oblivion, de Astor Piazzolla (1921-1992), interpretada por Renan Gonçalves (violín), Anderson Santoro (violín), Mariela Micheletti (violín), Diogo Guimarães (viola) y Franklin Martins (violonchelo)

    Poema: Los Espejos, de Jorge Luis Borges (1899-1986) en la voz de Luiz Arrieta

    Bailarines: Daniel Reca y Geivison Moreira

    Bailarín invitado: Luis Arrieta

     

    Colapso

    Coreografía y vestuario: Beatriz Hack

    Musica: Fantasía nº3 en Re Menor K.397, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), interpretada por Andrey Ivanov (piano)

    Objeto escénico: Luiz Antônio Dias

    Bailarines: Nielson Souza, Otávio Portela y Vinícius Vieira

     

    Perspectiva

    Coreografía y Vestuario: Matheus Queiroz

    Musica: Adagio para Cordas, de Samuel Barber (1910-1981), interpretado por Renan Gonçalves (violín), Hugo Leonardo (violín), Fabio Schio (viola), Fabrício Rodrigues (violonchelo)

    Costume: Highstil (camisas)

    Bailarines: Artemis Bastos, Beatriz Paulino, Beatriz Hack, Cecília Valadares, Letícia Forattini, Leonardo Pedro, Luiza Yuk, Milton Coatti y Otávio Portela