Criações

Coreografia e iluminação: Édouard Lock
Composição musical: Gavin Bryars, interpretado pelo Percorso Ensemble (Diretor musical do Percorso Ensemble: Ricardo Bologna; Músicos: Adriana Holtz (violoncelo); Douglas Kier (violoncelo); Horácio Gouveia (piano); Joana Queiroz (clarone); Pedro Gadelha (contrabaixo)
Figurino: Ulkina Van Gelder (vestidos) e Édouard Lock (corsets)
Assistente de figurino: Edmeia Evaristo (corsets)
Duração/elenco: 50 minutos com 14 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2019 | Teatro Hafen 1, Wolfsburg/Alemanha
Produção Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança e coprodução Movimentos Festwochen der Autostad (Wolfsburg/Alemanha)

Movimentos ligados a óperas icônicas e suas memórias coletivas e desconstruídas, a suavidade abandonada gradualmente para a entrada em um terreno niilista, refletindo tanto uma visão mais sombria das paixões expressas nessas árias quanto a fragmentação da utopia social que lhes deu origem. Uma dança como o vento na grama entre o crepúsculo e a noite. Trick Cell Play é a segunda obra do coreógrafo para a São Paulo Companhia de Dança.

Coreografia: Cassi Abranches
Música: Sebastian Piracés
Iluminação: Gabriel Pederneiras
Figurino: Janaina de Castro
Duração/elenco: 20 minutos com 12 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2019 | Teatro Estadual de Araras, Araras/SP – Brasil

Agora, terceira criação de Cassi Abranches para a São Paulo Companhia de Dança, explora a palavra tempo em seus possíveis significados: musical com dinâmicas e sonoridades; cronológico com lembranças e expectativas, temperatura com diferentes graus e intensidades. A coreógrafa esculpe os movimentos no corpo de cada bailarino a partir dos ritmos musicais da trilha composta por Sebastian Piracés, que utiliza bateria e elementos de percussão afro-brasileiras, misturados ao rock contemporâneo e canto.

Direção: Inês Bogéa e Luciano Cury
Coreografia: Milton Coatti
Produção Executiva: João Marcello Bôscoli
Música: The Four Seasons Winter 3, de Antonio Vivaldi (1678 – 1741), com composição de Max Richter
Figurino: Raquel Davidowicz – UMA
Styling: Paula Iglecio
Filmagem e edição: Panogramma

Desenvolvida sob a ideia de visualização em 360° e realidade virtual (VR), a criação coreográfica de Milton Coatti para a São Paulo Companhia de Dança procura traduzir em movimento as questões que assolam o ser humano. Conhecida pelos antigos como uma das mais brilhantes visíveis no hemisfério sul, a estrela Mira tem períodos de mudanças significativas na sua aparência. Inquietações, questionamentos, e uma certa angústia interna, movem os bailarinos a buscarem uma resposta para esses sentimentos e sensações. Nessa procura, miram a si mesmos e aos outros para reencontrarem a beleza, a luz e o amor aparentemente perdidos (ou temporariamente esquecidos) nesse espaço quase lunar que sugere dissipar, mas que ainda reserva esperança e a perspectiva de que, em algum momento, o encontro ideal, consigo e com o outro, irá se concretizar.

Coreografia: Joëelle Bouvier
Música: trechos de Bachianas Brasileiras, de Heitor Villa Lobos; trechos de Paixão Segundo São Mateus, de Johann Sebastian Bach; Melodia Sentimental, de Villa Lobos (letra de Dora Vasconcellos); poema Pátria Minha, de Vinícius de Moraes; e texto de Irène Jacob
Iluminação: Renauld Lagier
Figurino: Fábio Namatame
Assistentes de coreografia: Emilio Urbina e Rafael Pardillo
Duração/elenco: 37 minutos com 14 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brasil
Produção Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança e coprodução Chaillot – Théâtre National de la Danse (Paris/França)

Odisseia é uma viagem, um reencontro consigo mesmo. Movida pela questão dos migrantes da atualidade, a coreógrafa constrói uma estrutura dramática e poética que aborda temas como mudança, transição, partida e a esperança de uma vida melhor. “Neste momento, somos todos sensíveis a esta questão, que é forte no mundo.”, comenta Joëlle. Bouvier explica que procurou misturar fragmentos das Bachianas Brasileiras com a composição de Bach, Paixão Segundo São Mateus. Ao final, temos na voz de Maria Bethânia a música Melodia Sentimental e o poema Pátria Minha. A obra tem coprodução com Chaillot – Théâtre National de la Danse, na França.

Concepção, dramaturgia, direção teatral e espaço cênico: William Pereira
Direção musical: Ricardo Ballestero
Coreografia: Cassi Abranches e Milton Coatti
Direção artístico-pedagógica da Santa Marcelina Cultura: Paulo Zuben
Direção artística da São Paulo Companhia de Dança: Inês Bogéa
Iluminação: Caetano Vilela
Figurino:
1º Ato – Bailarinas: Acervo SPCD | Cantoras: Fabio Namatame | Cantores: Acervo Theatro São Pedro
2º Ato – Bailarinas: Plié e Fernanda Yamamoto | Cantoras: Plié e Fabio Namatame | Bailarinos e Cantores: Highstil
Duração/elenco: 60 minutos com 9 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Theatro São Pedro, São Paulo/SP – Brasil

Composto por dois atos, um Neoclássico e um Contemporâneo, a obra traça um recorte de canções do compositor alemão Robert Schumann, escritas em 1840, com adaptações do maestro convidado Ricardo Ballestero, a partir da concepção cênica de William Pereira em parceria com a São Paulo Companhia de Dança, dirigida por Inês Bogéa. A coreografia é assinada por Milton Coatti e Cassi Abranches e a iluminação é de Caetano Vilela. A primeira parte – um Neoclássico – contempla o ciclo completo de Os Amores do Poeta Op.48, cujo cenário remete ao Romantismo. Na volta do intervalo, entre em cena uma linguagem mais atual com cenografia límpida e visual despojado. Os textos destas 16 canções vêm do Lyrisches Intermezzo, ou o “Intermezzo lírico”, do poeta Heinrich Heine, escritos entre 1822 e 1823 e publicados como parte da obra Das Buch der Lieder.

Direção Geral: Samuel Mac Dowell de Figueiredo
Música: Leonard Bernstein, com execução da Orquestra Jazz Sinfônica (Regência de João Maurício Galindo) e Coral Paulistano (Regência de Naomi Munakata, com os solistas: Camila Titinger e Carla Cottini, soprano | Luciana Bueno, mezzo-soprano | Daniel Umbelino, tenor | Johnny Lima, barítono)
Dramaturgia: Ulysses Cruz
São Paulo Companhia de Dança
Direção Artística: Inês Bogéa
Coreógrafos convidados: Erika Novachi e Edson Guiu
Iluminação: Wagner Freire
Figurino: Balletto, por Luciana Mantegazza
Duração/elenco: 60 minutos com 8 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Centro Cultural Baía dos Vermelhos, Ilhabela/SP – Brasil

Inspirada nas principais obras de Leonard Bernstein para a Broadway, este espetáculo reflete as inquietudes do compositor, pianista e maestro, através de uma jornada pelos musicais West Side Story, Fancy Free, On the Town e Candide. Somado a tudo o que Bernstein representou, da importância da sua obra erudita à defesa da transição entre os gêneros eruditos e populares e a sua atuação como maestro das principais orquestras do mundo, nasce Bernstein 100. É o homem renovador, emocional e provocador, sempre determinado a romper fronteiras!

Coreografia e iluminação: Thiago Bordin
Música: Jóhann Jóhannsson e Wim Mertens
Figurino: Fábio Namatame
Duração/elenco: 13 minutos com 6 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2017 | Teatro Estadual de Araras, Araras/SP – Brasil

Primeira criação de Bordin para uma companhia brasileira, Petrichor – nome que remete ao cheiro da terra molhada pela chuva – teve como ponto de partida a música de Jóhann Jóhannsson e Wim Mertens, que, segundo Bordin, permite um vislumbre da criação coreográfica. “Quando ouço Mertens, começo a imaginar a luz, o figurino, os passos”. As características dos bailarinos brasileiros foram outra fonte de inspiração para o criador. “A obra se desenvolveu em diálogo com o elenco. Cada um trouxe uma cor, um caráter forte, marcante, bem diferente do que eu imaginava. E isso acabou por se tornar a parte mais gratificante desta coreografia.

Coreografia e iluminação: Henrique Rodovalho
Música: Criação original de Pupillo com voz de Céu
Figurino: Cássio Brasil
Duração/elenco: 21 minutos com 14 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2018 | Sesc Santos, Santos/SP – Brasil

Rodovalho comenta que neste trabalho experimenta movimentos expandidos e continuados a partir da relação dos bailarinos que permanecem todo o tempo em cena. “As referências sobre esta característica vieram de grandes grupos de animais em movimento e como se desenvolvem e se relacionam”, diz o coreógrafo. A obra trata sobre ‘o que tem de acontecer’, neste breve espaço de tempo de existência deste grande grupo, relacionado principalmente a algum tipo de prazer. Por isso, o nome Melhor Único Dia. “Para tentar traduzir, de alguma forma, a curta existência que se expressa através do movimento em grupo”, completa Rodovalho. Esta obra foi eleita como terceiro Melhor Espetáculo pelo Guia da Folha (2018) e como melhor estreia de 2018 pelo Prêmio APCA – Associação Paulista de Críticos de Arte.

Coreografia: Lucas Lima
Figurino: Fábio Namatame
Música: On the Nature of Daylight, de Max Richter
Iluminação: Nicolas Marchi
Duração/elenco: 07 minutos com 2 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2017 | Sesc Jundiaí, Jundiaí/SP – Brasil

Instante é uma criação de Lucas Lima para o Ateliê de Coreógrafos Brasileiros e tem como ponto de partida a música de Max Richter, que ganhou novas dinâmicas no movimento dos bailarinos da SPCD. Segundo o coreógrafo, a obra trata de “um instante para se encontrar, e outro para se perder. Um instante para decidir, para seguir, para voltar, para se arrepender”. É uma coreografia que introduz novos impulsos e dinâmicas nos movimentos do balé, dialogando com a contemporaneidade.

Coreografia: Giovanni Di Palma
Direção cênica e concepção de cenário: William Pereira
Música: Pulcinella, de Igor Stravinsky (1882-1971)
Figurino: Fábio Namatame
Iluminação: Mirella Brandi
Parceria: Associação Pro-Dança e Santa Marcelina Cultura

O Balé Pulcinella é baseado na história de Os Quatro Pulcinellas, de um manuscrito de comédias do folclore napolitano. A obra estreou com o Ballets Russes de Diaghilev em Paris, em 1920, com música composta por Igor Stravinsky, inspirada em composições de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) e outras composições do século XVIII. A coreografia neoclássica de Giovanni Di Palma usa sapatilhas de ponta em diálogo com movimentos contemporâneos para contar a história do aventureiro Pulcinella, famoso personagem da Commedia Dell’Arte.

Coreografia, cenografia e figurino: Clébio Oliveira
Música: Matresanch
Iluminação: Mirella Brandi

Segundo Clébio Oliveira, Primavera Fria examina a anatomia de uma ruptura inesperada. É uma jornada do corpo pela perda do objeto amoroso enquanto experiência psíquica e neurológica. Desejo, narcisismo, inadequação corporal, vulnerabilidade. A obra propõe um mapeamento afetivo-sensorial do corpo em nosso cérebro. “A perda do objeto amoroso é um tema que há séculos inquieta e inspira pensadores, poetas e artistas. Mas longe de constituir uma experiência metafísica, essa perda é vivenciada no corpo por meio de um intrincado encadeamento bioquímico sofrido e produzido pelo cérebro humano. Buscamos antever e planejar, bem como compreender o mundo a nossa volta, as pessoas e, principalmente, a nós mesmos, a partir de racionalizações. No campo afetivo, buscamos a felicidade e ansiamos por relações amorosas sólidas ainda que inexoravelmente forjadas pela fantasia. Nossa busca por controle cai por terra quando somos atravessados pela paixão ou pela dor de sua rotura”, fala o coreógrafo.

Coreografia: Jomar Mesquita, com colaboração de Rodrigo de Castro
Música: Por Toda a Minha Vida (Tom Jobim e Vinícius de Moraes, cantada por Cibelle), Melancolia e Uma Canção pra Você (Jaqueta Amarela) (Assucena Assucena, executada por As Bahias e a Cozinha Mineira), Segunda Chance (composta e executada por Johnny Hooker), Volta (Lupicínio Rodrigues, cantada por Adriana Calcanhoto), O Desejo do Desejo do Desejo (Celso Sim e Pepe Mata Machado), Vai Saber (Adriana Calcanhoto cantada por Marisa Monte)
Iluminação: Joyce Drummond
Figurino: Fernanda Yamamoto
Duração/elenco: 27 minutos com 12 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2016 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

Ngali… tem como referência a peça teatral La Ronde, de Arthur Schnitzler – escrita em 1897 – a obra retrata diferentes relações amorosas que incluem um terceiro – e traz elementos da dança de salão para retratar as diferentes formas de amar. Ngali é uma palavra de origem aborígine da Austrália Ocidental, cujo significado, sem correspondente em outro idioma, é: “nós dois, incluindo você”. Em oposição a outro pronome da mesma língua – Ngaliju – que quer dizer: “nós dois, excluindo você”. No ano da estreia, em 2016, conquistou o prêmio de Melhor Espetáculo de Dança pelo Guia da Folha de S.Paulo (voto do público).

Coreografia: Richard Siegal*
Música: Jean-Philippe Rameau (1683-1764), interpretadas por Tzimon Barto: Suite em D Minor/Major I. Les Tendres Plaintes; Suite em E Minor V. Le Rappel des Oiseaux; Suite em E Minor IX. Tambourin; Suite em E Minor III. Gigue en rondeau I; Suite em D Minor – Major III. Le Soupirs; e Suite em A Minor – Major VII
Iluminação: Gilles Gentner
Figurino: Simone Mina
*Richard Siegal é representado por Verlag der Autoren, Frankfurt, Germany I choreography@verlagderautoren.de

Inspirado nas composições barrocas de Jean-Phippe Rameau (1683-1764), o coreógrafo Richard Siegal criou esta peça para a São Paulo Companhia de Dança. É uma coreografia suave, delicada e dinâmica na qual a dança clássica aparece sobreposta a outros acentos, trazendo a ideia de ruptura e desconstrução de padrões. O figurino de Simone Mina e a luz de Gilles Gentner dialogam com a proposta do coreógrafo utilizando referência do barroco em materiais e desenhos contemporâneos. “É como transpor os séculos. Este é um trabalho que atualiza essa música ao modo do século 21 e não mais do século 18”, fala o coreógrafo.

Coreografia: Fabiano Lima
Música: Quem sabe? (1859), cantada por Adriana de Almeida e executada ao piano por Olinda Allessandrini; e Bailado dos Índios da ópera O Guarani (1870), de Carlos Gomes (1836-1896), executada pela Orquestra do Teatro Municipal de São Paulo, sob regência de Armando Bellardi
Iluminação: Guilherme Paterno
Figurino: Cássio Brasil
Duração/elenco: 17 minutos com 5 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2016 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

A obra se vale de referências do basquete, do hip-hop e da dança contemporânea. Com músicas de Carlos Gomes, a coreografia traz para a cena o ambiente brasileiro com sonoridades conhecidas. O figurino de Cássio Brasil dialoga com a luz de Guilherme Paterno e evidencia as diferentes camadas de cor da obra. “É uma coreografia de troca e percepção para entendermos como essa dança passa de um corpo para o outro. Gosto de trabalhar com elementos cênicos, dá identidade aos meus trabalhos”, diz Fabiano. A obra foi premiada com o terceiro lugar na escolha do júri como Melhor Espetáculo de Dança de 2016 em enquete promovida pelo Guia da Folha.

Coreografia e figurino: Binho Pacheco
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Iluminação: Guilherme Paterno

A obra explora as fronteiras entre o interior e exterior do ser humano, tendo a pele como objeto de reflexão. “Parto de um olhar científico, de camadas, órgãos e terminações nervosas, para um mundo de sensações latentes, em que o público é envolvido pelos acordes de Bach e por uma coreografia jovem e provocante, que ao mesmo tempo conecta e separa esses universos”, fala o coreógrafo. Os bailarinos aparecem em situações de constante desafio, buscando maneiras de reencontrar o equilíbrio e as formas, que se desfazem à cada instante e no contato entre essas peles que, ora se atraem com suavidade e delicadeza, ora se repelem com violência.

Coreografia: Márcia Haydée
Música: Ludwig Minkus (1826-1917) e Norberto Macedo (1939-2011)
Iluminação: José Luiz Fiorruccio
Figurino: Tânia Agra
Cenografia: Hélio Eichbauer, com imagens de oito desenhos de Candido Portinari (Os direitos de reprodução das obras foram gentilmente cedidos por João Candido Portinari)
Poemas: Carlos Drummond de Andrade
Consultoria da leitura dos poemas: Marcio Aurélio
Voz off: Leopoldo Pacheco
Duração/elenco: 90 minutos com 36 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2015 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

É uma obra colorida, vibrante e com muito humor. O balé conta as aventuras de Dom Quixote, um sonhador visionário, que se dispõe a combater “o erro, o falso e o mal de mil semblantes” e encontrar sua dama perfeita Dulcinéia; e a história do amor quase impossível de Kitri e Basílio, uma vez que ela estava prometida por seu pai a Gamache, um rico comerciante. Camponeses, toureiros e ciganos ajudam a compor a obra. Com a cumplicidade de Dom Quixote, o casamento dos apaixonados se realiza e é comemorado por todos. Dom Quixote é um dos mais populares balés em todo o mundo. A versão especial de Márcia Haydée para a São Paulo Companhia de Dança mantém alguns momentos reconhecíveis desta obra – criada originalmente por Marius Petipa (1818-1910) em 1869 e inspirada em um capítulo da obra de Miguel de Cervantes (1547-1616) com música composta por Ludwig Minkus (1826-1917) – ao mesmo tempo em que as atualiza com cenografia de Hélio Eichbauer e desenhos de Candido Portinari (1903-1962), figurinos de Tânia Agra, luz de José Luiz Fiorruccio, composições de Norberto Macedo (1939-2011) e poemas de Carlos Drummond de Andrade (1902-1987). Uma obra para se encantar e se apaixonar.

Coreografia: Maurício Wainrot
Música: CDs La Tierra Sin Mal, Invierno em Paris e Serie de Oro: Grandes Exitos, de Raul Barboza; e El Vestido Celeste, Pedro de Cervi
Iluminação: Domingos Quintiliano
Figurino: Graciela Galán
Assistente de coreografia: Laura Marini

Litoral, de Maurício Wainrot se inspira nas músicas de Raul Barboza e Pedro de Cervi cujos ritmos regionais argentinos tem ressonância em músicas do sul do Brasil. O elenco se alterna em duos, trios e conjuntos com uma movimentação ondulada que evidencia a linguagem do coreógrafo que se vale do popular e erudito para criar uma dança vibrante e festiva, com contrapontos suaves e densos. “Litoral é uma região de grandes rios na Argentina, de terra vermelha, com uma floresta cheia de árvores, pássaros e ruídos formada pelas províncias de Santa Fé, Misiones, Formosa, Entre Ríos, Corrientes e Chaco. As bordas desses rios que chamamos de Litoral se encontram, se contaminam e sofrem influências de diferentes lugares”, fala o coreógrafo.

Coreografia, cenografia e figurino: Clébio Oliveira
Música: Matresanch
Iluminação: Mirella Brandi

Céu Cinzento, de Clébio Oliveira, aborda o eterno tema dos amores impossíveis presente no imaginário coletivo e representado em obras como Romeu e Julieta, de William Shakespeare. A coreografia se inspira nessa história e questiona: qual seria o rumo da tragédia se os amantes ficassem cegos em vez de morrerem? “Na obra, o final trágico dos amantes dá lugar a essa nova versão e, dentro dessa perspectiva, o casal se perde numa espécie de labirinto e tenta de forma desesperada se encontrar. A peça traz à tona a necessidade do movimento como forma integradora dos sentidos”, fala o coreógrafo.

Coreografia: Cassi Abranches
Música: Marcelo Jeneci e Zé Nigro
Iluminação: Gabriel Pederneiras
Figurino: Janaina de Castro
Assistente de coreografia: Ana Paula Cançado

Cassi Abranches parte de memórias corporais e dos impulsos da trilha de Marcelo Jeneci e Zé Nigro para criar GEN. “A obra marca a minha saída dos palcos para ser coreógrafa. Ainda tenho referências físicas do que eu vivi no Grupo Corpo, mas procuro a minha linguagem em cada criação. Convidei para o processo criativo pessoas da minha geração para começarmos um novo tempo. É início, começo, recomeço”, revela a coreógrafa.

Coreografia e figurino: Rafael Gomes*
Música: Remix de Dj Hisato das músicas The End, de Jim Morrisson;  The Solo Tempist, de Vic Firth; e Take Five, de Paul Desmond
Iluminação: Wagner Freire
Cenografia: Kleber Matheus
* Os bailarinos vestem coleção de Alexandre Herchcovitch

Inspirado por fotografias de Otto Dix e imagens da década de 50, Rafael Gomes criou Bingo!, para o Ateliê de Coreógrafos Brasileiros, da SPCD. “É um cassino clandestino em que se revelam diferentes personagens e situações, desde uma mulher bem vestida a casais que brigam, a violência e o sexo proibido. Os bailarinos são peças do jogo do bingo que são sorteadas aleatoriamente”, fala o coreógrafo. Ao som de música de rock, jazz e funk tocadas por tímpanos e remixadas por Hisato, a peça é entrecortada por luzes de neon de Kleber Matheus e pela ambiência de Wagner Freire que criam diferentes sensações. Os bailarinos vestem coleção de Alexandre Herchcovitch, escolhida pelo coreógrafo.