Criações

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1911 Michel Fokine (1880-1942)
Música: Carl Maria von Weber (1786-1826)
Iluminação: Wagner Freire
Cenário e figurino: Fabio Namatame

Um clássico moderno que estabelece uma nova relação entre o homem e a mulher. Aqui, a figura contemplativa e fantástica passa a ser do bailarino, que interpreta o espírito de uma rosa ganhada por uma jovem em sua primeira festa. Ao retornar para casa, ela adormece e sonha com o perfume da flor, que é o mesmo do jovem que a presenteou. Ele aparece em seu sonho como um espectro para dançar com ela. Baseada no poema de Théophile Gautier (1811-1872), este clássico moderno foi criado por Michel Fokine. A música Convite à Dança, escrita por Carl Maria Von Weber (1786-1826) para piano, em 1819, foi orquestrada por Hector Berlioz (1803-1869) em 1841, renomeada de Convite à Valsa.

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1836 de August Bournonville (1805-1879)
Música: La Sylphide, de Herman Lovenskjold (1815-1870)
Iluminação: José Luis Fiorruccio
Figurino: Beth Filipecki (demais personagens), Marilda Fontes (sylphides)
Cenografia: Marco Lima

La Sylphide, um conto de fadas para todas as idades, é um marco do balé romântico no qual a dupla aparição feminina – sensual e etérea – simboliza a dualidade do corpo e do espírito. A obra é dividida em dois atos: no primeiro vemos a cena dos preparativos para a festa de casamento de James e Effie, e os encontros e desencontros do amor; no segundo encontramos um mundo imaginário permeado de personagens fantásticos como sylphides – seres alados da floresta – e bruxas.

Coreografia e iluminação: Édouard Lock
Música: The Seasons, de Gavin Bryars, publicada pela Schott Music Ltd, e executada ao vivo pela Percorso Ensemble, dirigida por Ricardo Bologna
Figurino: Liz Vandal (mulheres), Édouard Lock (homens)
Cenografia: Armand Vaillancourt

As imagens criadas por Édouard Lock em The Seasons revitalizam o sentido da memória da dança.  Na cena se podem observar diversas camadas, que interagem umas com as outras – dança, música, cenário e luz – e criam novas relações, tanto para quem vê, quanto para quem está na cena. Cada gesto tem seu correspondente em um movimento da luz, que corta o espaço como se editasse ao vivo o que se vê. O gestual oscila entre movimentos vigorosos e de muita suavidade. Lentidão e rapidez intensa permeiam as cenas, na velocidade do pensamento, desorientando nossa percepção. A trilha sonora original é composta por Gavin Bryars a partir de As Quatro Estações, de Antonio Vivaldi (1678-1741).

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1895 de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Iluminação: Guilherme Paterno
Figurino: Tânia Agra

Este duo marca o encontro do príncipe Siegfried com Odile, o Cisne Negro. Filha do feiticeiro Rothbart, ela deseja encantar o príncipe para que ele quebre sua jura de amor eterno a Odete, o Cisne Branco, durante um baile. Para enganá-lo, Odile sutilmente alterna sensualidade e doçura, e deixa transparecer toda sua maldade. Este é um dos grandes momentos do terceiro ato deste balé, um dos mais conhecidos do mundo.

Coreografia: Ana Vitória
Música: Jorge Peña e Célio Barros
Iluminação: Wagner Freire
Figurino: Sonia Ushiyama
Assistente de coreografia: Renata Costa
Assistente de composição: Natália Fagá
Concepção cenográfica e vídeos: Carmen Luz
Desenvolvimento de cenário: Marcos Arruzzo e Alvaro Souza
Edição de vídeos: Guido Marcondes e Carmen Luz
Filme: Alexandre Robatto

Inspirada pelo filme Vadiação (1954), de Alexandre Robatto, Ana Vitória criou para a São Paulo Companhia de Dança Vadiando, trabalho impulsionado pela capoeira em diálogo com elementos da dança contemporânea. Cenas do filme permeiam a obra resignificando os corpos, o espaço e o tempo. “Este foi o primeiro filme de dança que assisti e com ele repensei meu corpo e identidade. Para coreografar sempre parto de algo mais biográfico e hoje, 59 anos depois do lançamento, este mesmo filme me permite ir além do seu objeto”, revela a coreógrafa.

Coreografia e dramaturgia: Giovanni Di Palma
Música: Sergei Prokofiev (1891-1953)
Iluminação: Udo Haberland
Cenografia e figurinos: Jérôme Kaplan
Dramaturgia: Nadja Kadel

Romeu e Julieta, a clássica tragédia de William Shakespeare (1564-1616), ganha vida no corpo dos bailarinos da São Paulo Companhia de Dança numa versão especialmente criada pelo coreógrafo italiano Giovanni Di Palma sobre a música de Sergei Prokofiev (1891-1953). Dividida em dois atos e dez cenas, conta a história dos jovens Romeu e Julieta, impedidos de viver livremente seu amor por causa da briga entre suas famílias. Uma trágica história de amor e ódio que mantêm-se atemporal e encanta diferentes plateias no mundo todo.

Coreografia: Luiz Fernando Bongiovanni
Música: Camargo Guarnieri (1907-1993): Ponteio 18, nostálgico; Ponteio 26, calmo; Ponteio 24, tranquilo; Ponteio 15, incisivo e Ponteio 1, calmo
Iluminação: Ligia Chaim
Concepção e desenho de figurinos: Naum Alves de Souza e Miko Hashimoto
Execução de figurinos: Miko Hashimoto
Cenografia: Soraya Kölle e Dilson Tavares (TKCeno Cenografia e Produções)

Em Utopia ou O Lugar que Não Existe, Luiz Fernando Bongiovanni critica a forma como o belo é associado ao fútil, alienante, paralelo a um universo sem utopias. Na construção do balé, selecionou cinco Ponteios da obra de Camargo Guarnieri, que traduzem os estados emocionais que buscava para a peça, imprimindo à ela um caráter tipicamente brasileiro, influenciado por temas e gestos da música folclórica caracterizados no palco por um solo, um trio e um duo, dando à cena diferentes sentidos. O cenário e o figurino espelham e marcam o espaço em branco em preto.

Coreografia e figurino: Marco Goecke
Música: Simple Symphony (Benjamin Britten (1913-1976)), H.Y.V.Ä e Sininen javalkoinen, com o coral Mieskuoro Huutajat
Iluminação: Udo Haberland
Execução de figurino: Thomas Lampertz
Dramaturgia e organização: Nadja Kadel
Produção Associação Pró-Dança/São Paulo Companhia de Dança e coprodução Movimentos Festwochen der Autostad (Wolfsburg/Alemanha)

Em Peekaboo, o coreógrafo alemão Marco Goecke lida com ato de esconder e revelar de forma instigante. O título se refere a um jogo infantil conhecido pelas crianças: a pessoa espia (peek em inglês), esconde o rosto e, de repente, reaparece e diz: ‘achou’ ou ‘boo’. Na obra, a sinfonia de Britten combinada com o som do coro finlandês Huutajat, revela contrastes: ao mesmo tempo em que fala de fantasia, traz à tona os medos e a solidão de cada bailarino. O elenco se alterna em solos, duos, trios e conjuntos, a movimentação é rápida e precisa e os intérpretes aparecem e desaparecem misteriosamente da cena. “Tudo é uma questão para se perder e encontrar”, fala o coreógrafo.

Coreografia: Jomar Mesquita, com colaboração de Rodrigo de Castro
Música: Te Amaré Y Después (Marina de La Riva, composição de Silvio Rodrígues); No Se Nada (Rodrigo Leão); Tema Final (Cris Scabello); As Rosas não Falam (Cartola e Grupo Planetangos)
Figurino: Cláudia Schapira
Iluminação: Joyce Drummond
Duração/elenco: 21 minutos com 8 bailarinos
Estreia pela SPCD: 2012 | Teatro Geo, São Paulo/SP – Brasil

Um olhar compartilhado por duas pessoas, cada uma desejando que a outra tome uma iniciativa para que algo aconteça, porém, nenhuma delas age. Este é significado de Mamihlapinatapai, palavra indígena originária da língua yaghan, de uma tribo da Terra do Fogo. O coreógrafo Jomar Mesquita utiliza elementos desconstruídos da dança de salão para criar a peça, com movimentos que tratam da relação entre homens e mulheres.

Coreografia: Rui Moreira
Música: Rui Moreira e Lobi Traoré
Figurino: Eduardo Ferreira
Iluminação: Domingos Quintiliano
Assistente de coreografia: Bete Arenque
Designer gráfico: Guili Seara
Assistente de designer gráfico: Juarez Tanure

Azougue apresenta características da cultura afro-brasileira marcadas pelo timbre e sonoridade dos tambores. “Azougue é um termo de vários significados, mas a expressão que eu utilizei foi a daquela peculiar esperteza, vinda da região nordeste do país. É a pessoa que está inquieta, que não se deixa abater, que tem uma vibração acima do normal”, conta o coreógrafo Rui Moreira. “Utilizei também a relação de azougue com o maracatu rural, no qual os caboclos de lança utilizavam um preparado energético com pólvora à base de cachaça e de uma erva chamada azougue para aguentarem o ‘baque’ do carnaval e o peso da roupa”, explica Rui.

Coreografia: Alex Neoral
Música: Johann Sebastian Bach (1685-1750): Andante da Sonata n°2 e Sarabande da Partita n°1, para violino solo
Iluminação: Binho Schaefer
Figurino: André Vytall
Assistente de coreografia: Clarice Rêgo

Pormenores é um balé marcado pelos detalhes dos movimentos sobre a Andante da Sonata n°2 e Sarabande da Partita n°1, para violino solo, de Johan Sebastian Bach. “Nesta obra trabalhamos com duos, as alavancas e seus desencadeamentos, que são uma característica forte do meu trabalho e que eu pude dividir com os bailarinos da Companhia”, conta Neoral. “É um trabalho é intimista e valoriza a proximidade dos intérpretes”.

Coreografia: Rodrigo Pederneiras
Música: Bachianas Brasileiras nº1, de Heitor Villa-Lobos (1887-1959), com execução dos violoncelistas da Osesp (Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo) e participação especial de Antonio Meneses e regência de Roberto Minczuk (gravação selo BIS, 2003)
Iluminação: Gabriel Pederneiras
Figurino: Maria Luiza Malheiros Magalhães
Assistente de coreografia: Ana Paula Cançado

Inspirado pela Bachianas Brasileiras n°1, de Heitor Villa-Lobos, Rodrigo Pederneiras criou uma coreografia em que a dança responde à estrutura íntima da música. Dividida em três movimentos, a obra evidencia a brasilidade, o romantismo e a paixão do nosso povo. Os violoncelos traduzem o gesto em si, e dessa afinação entre som e movimento surge a obra, que ganha acentos particulares no corpo de cada intérprete. Em Bachiana nº 1 a versatilidade dos bailarinos traz novas ênfases à linguagem de Pederneiras.

Coreografia e iluminação: Henrique Rodovalho
Música: André Abujamra
Figurino: Cássio Brasil
Cenografia: Shell Jr.
Execução de cenário: FCR | Fábio Brando

Inquieto apresenta três faces do desassossego. Três personagens marcam a cena e pouco a pouco revelam diferentes inquietudes diante do mundo: uma velada, aparentemente imóvel, que transparece em pequenos gestos quase incontroláveis; outra determinada, como uma linha que risca de forma direta todo o espaço da cena; e outra traduzida propriamente em movimento: o corpo em suas diferentes articulações, conexões e sinuosidades expandidas no espaço. No desenvolvimento da peça, o terceiro personagem se desdobra em dez: os movimentos se multiplicam, passam pelos distintos intérpretes, como se fossem um. A música de André Abujamra cria o ambiente e revela as dinâmicas da obra. Imobilidade e movimento, sombra e luz, linhas retas e sinuosas. As polaridades vistas na cena nos instigam a interrogações em torno do espaço e suas possibilidades e invenções revelam um pouco da apreensão cotidiana.

Coreografia e iluminação: Maurício de Oliveira
Música: André Abujamra
Figurino: Jum Nakao
Iluminação: Wagner Freire
Concepção e direção de figurino: Jum Nakao
Criação e realização de figurino: Bruna Valente, Joceli Oliveira, Juliana Zampini, Patricia Maria Grossi, Roberto Slursarz Filho

A obra Os Duplos tem como foco a imagem do bailarino que se multiplica ao longo da cena. No ambiente marcado pela luz de Wagner Freire, oito intérpretes procuram desenhar o espaço por meio de seus movimentos e pela própria relação dos corpos. É o duplo de cada um, do outro e do conjunto, que estabelece relações ambíguas. Entram, misturam-se, contaminam-se na busca de um encontro com o outro e consigo. Habitam um tempo particular. Em Os Duplos, os artistas são co-criadores das estratégias apresentadas, cuja assinatura coreográfica é reconhecida pelo movimento e dialoga com o figurino de Jum Nakao e a trilha especialmente composta por André Abujamra.

Coreografia: Daniela Cardim
Música: Marcelo Petraglia, Hermelino Neder, Mário Manga e André Mehmari
Figurino: Ronaldo Fraga
Iluminação: Domingos Quintiliano

Passanoite revela um delicado uso da técnica clássica sob o olhar contemporâneo. Baseada em puro movimento, a obra estabelece na compreensão física da música a dramaturgia da cena. A coreógrafa Daniela Cardim cria grandes eixos de movimentos que ecoam nos corpos dos bailarinos e reverberam principalmente nos gestos das mãos e dos braços. O corpo dá visualidade ao espaço. Segundo a coreógrafa, a música é a referência central de suas criações: “ela orienta a estrutura do balé, o tamanho do elenco, as formações de cada momento”. Os figurinos de Fraga são como pontos de luz que pontuam e riscam a cena. A luz de Quintiliano demarca e intensifica os espaços do palco e compõem junto com os movimentos ambiências que marcam a passagem do tempo.

Coreografia: Ricardo Scheir
Música: André Mehmari
Dramaturgia, direção de arte e iluminação: Marcio Aurelio
Assistente de coreografia: Andrea Pivatto
Assistente de direção: Ligia Pereira

O ponto de partida foi o tema de um madrigal de Claudio Monteverdi: Ballo Delle Ingrate – uma alegoria que mostra a punição das mulheres que não se entregam ao amor. As personagens representadas são Amor, Vênus, Plutão, quatro sombras do inferno e oito almas ingratas. A estas Scheir acrescentou Ariadne, como figura que acompanha a ação e lhe acrescenta significados. Em sua peça musical, Mehmari apresenta variações que remetem a diversos momentos da história da música e, assim, propõe um diálogo do antigo com o novo, do moderno com o arcaico. Responsável pela encenação, direção de arte e desenho de luz, Marcio Aurelio concebeu elementos cênicos e dramatúrgicos que se unem à coreografia e à música para compor esta peça que fala de questões centrais para o homem de todos.

Coreografia: Paulo Caldas
Música: Sacha Amback
Figurino: Raquel Davidowicz
Iluminação: Renato Machado
Assistente de coreografia: Carolina Wiehoff
Vídeo e cenografia: Jurandir Muller
Estreia pela SPCD: 2008

Entreato nasceu como um desafio proposto ao coreógrafo, de criar uma peça a ser apresentada entre duas obras consagradas do repertório da dança – um entreato. Mas o nome evoca também o filme Entr’acte, de René Clair (1898-1981), diretamente citado na forma de uma projeção de vídeo realizado por Jurandir Muller. Nele, uma bailarina de tutu e sapatilhas de ponta, em lentíssima rotação, cria uma interferência que constitui um olhar deslocado sobre a tradição clássica e uma contagem temporal. Longe de qualquer sugestão óbvia de narrativa, Entreato tem por objeto o próprio movimento, com suas velocidades, lentidões, detenções e deformações.

Coreografia, direção e concepção cênica: Alessio Silvestrin
Música: Oferenda Musical BWV 1079, de Johann Sebastian Bach (1685-1750), revisitada pelo conjunto belga Het Collectief
Iluminação: Wagner Freire e Alessio Silvestrin
Cenografia e figurino: Alessio Silvestrin
Assistente de figurino: Marina Baeder
Criação de arte: Carmela Gross
Criação de arte Corpo-a-Corpo: Laerte
Confecção de figurino: Arte & Cia
Construção de cenografia: DMV Serviços e Montagem
Colaboração cenográfica: Mauricio de Oliveira e Ricardo Scheir
Assistente de cenografia: Bruno Anselmo
Assistente de direção: Maurício de Oliveira
Estreia pela SPCD: 2008

Em Polígono, a dramaturgia parte da Oferenda Musical de Bach exemplificando nos movimentos a estrutura da música. No trabalho, a construção da cena ganha perspectiva no palco construído pelo cenário de painéis e tules. Os elementos se associam, interpenetram-se, contorcem-se, produzindo incessantemente novas configurações. Para Silvestrin, “como um som, na música, é considerado um ponto geométrico, o corpo é um ponto sobre uma superfície plana, que ao se multiplicar gera os segmentos de um polígono.”