Remontagens

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1836 de August Bournonville (1805-1879)
Música: La Sylphide, de Herman Lovenskjold (1815-1870)
Iluminação: José Luis Fiorruccio
Figurino: Beth Filipecki (demais personagens), Marilda Fontes (sylphides)
Cenografia: Marco Lima

La Sylphide, um conto de fadas para todas as idades, é um marco do balé romântico no qual a dupla aparição feminina – sensual e etérea – simboliza a dualidade do corpo e do espírito. A obra é dividida em dois atos: no primeiro vemos a cena dos preparativos para a festa de casamento de James e Effie, e os encontros e desencontros do amor; no segundo encontramos um mundo imaginário permeado de personagens fantásticos como sylphides – seres alados da floresta – e bruxas.

Coreografia: Mario Galizzi, a partir do original de 1895 de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Iluminação: Guilherme Paterno
Figurino: Tânia Agra

Este duo marca o encontro do príncipe Siegfried com Odile, o Cisne Negro. Filha do feiticeiro Rothbart, ela deseja encantar o príncipe para que ele quebre sua jura de amor eterno a Odete, o Cisne Branco, durante um baile. Para enganá-lo, Odile sutilmente alterna sensualidade e doçura, e deixa transparecer toda sua maldade. Este é um dos grandes momentos do terceiro ato deste balé, um dos mais conhecidos do mundo.

Coreografia, palco, iluminação: William Forsythe
Remontagem: Allisson Brown e Noah Gelber
Música: Luciano Berio (1925-2003), Duetti per due violini, vol.1 (Por acordo com Universal Edition AG, Viena, www.universaledition.com)
Figurino: Stephen Galloway
Estreia mundial:1998 | Frankfurt Opera House, Frankfurt/Alemanha 
Estreia pela SPCD: 2014

Coreografia: Jirí Kylián
Música: Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791); Concerto para Piano em Lá Maior KV 488 (Adagio) e Concerto para Piano em Sol Maior KV 467 (Andante)
Cenografia: Jirí Kylián
Desenho de figurino: Joke Visser
Desenho de luz: Jirí Kylián (concepção), Joop Caboort (realização)
Supervisão técnica de luz e palco: Kees Tjebbes
Assistente de coreografia: Patrick Delcroix
Remontagem: Patrick Delcroix
Estreia mundial: 1991 | Kleines Festspielhaus, Salzburg/Áustria
Estreia pela SPCD: 2013

Sobre dois concertos de Mozart para piano, a obra para seis homens e seis mulheres tem como tema principal o prazer e a duração desse momento, no qual somos lembrados de que a vida é relativamente curta e que a morte nunca está longe de nós; nesta peça bailarinos interagem com floretes enquanto a morte espreita a vida. “Uma morte sempre acompanha a nossa vida, às vezes ela é pequena, às vezes grande. Mas é a companheira fiel que temos desde que nascemos, até o fim”, fala Kylián.

Coreografia: Nacho Duato
Música: Jordi Savall – Música antiga espanhola
Iluminação: Nicolás Fischtel
Poema: Garcilaso de la Vega (1501-1536)
Voz: Miguel Bosé
Organização: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (Spain)
Execução de cenário e figurinos: Fábio Brando (FCR Produções Artísticas)
Remontagem: Thomas Klein e Tony Fabre (1964-2013)
Estreia mundial: 1996 | Teatro de Madrid, Madri/Espanha
Estreia pela SPCD: 2013

Por Vos Muero é uma coreografia que utiliza a dança clássica e contemporânea para sugerir uma atemporalidade nas relações humanas. Duato usa a poesia de Garcilaso de la Vega e a guitarra espanhola para capturar a essência do espírito artístico da Espanha dos séculos 15 e 16. É uma homenagem do coreógrafo ao papel fundamental que a dança ocupa no seu país. A fusão de músicas antigas espanholas favorece a diversidade de dinâmicas exploradas pelo coreógrafo que revelam uma dança fluída, ritmada e atemporal.

Coreografia: Tatiana Leskova a partir do original de 1892 Marius Petipa (1818-1910) e Lev Ivanov (1834-1901)
Música: Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893)
Iluminação: Wagner Freire
Figurinos: Marilda Fontes
Estreia mundial:1892 | Teatro Mariinsky, São Petersburgo/Rússia
Estreia pela SPCD: 2012

O Grand Pas de Deux de O Quebra-Nozes é o ponto alto deste balé inspirado no conto O Quebra-Nozes e o Rei dos Ratos (1816), de E.T.A. Hoffmann. Nele, a Fada Açucarada dança com o príncipe Quebra-Nozes no Reino dos Doces.

Coreografia, cenografia, figurino e iluminação: William Forsythe
Música: Thom Willems
Remontagem: Agnès Noltenius
Estreia mundial: 1987 | Palais Garnier, Paris/França
Estreia pela SPCD: 2012

A obra de William Forsythe é baseada na percepção da velocidade – rapidez e lentidão. O coreógrafo se vale da linguagem da dança clássica para “escrever histórias de hoje”. In The Middle utiliza a forma tradicional de composição de um tema e suas variações, ou seja, Forsythe cria uma frase que se desenvolve, evolui e se transforma no corpo de cada bailarino. Para o cenário, o coreógrafo havia pensado em vários objetos cotidianos, pendurados por fios invisíveis. Dessa ideia inicial, optou pela síntese, traduzida por duas cerejas, que ganharam um significado simbólico: dois pequenos espelhos que refletem a sala de espetáculos. O título da obra se refere a essas duas cerejas no meio do palco, elevadas, acima da altura dos bailarinos.

Coreografia: Duda Braz, a partir do original de 1869 de Marius Petipa (1818-1910)
Música: Leon Minkus (1826-1917)
Iluminação: Wagner Freire
Figurinos: Tânia Agra
Duração: 10 minutos
Estreia mundial: 1896 | Imperial Bolshoi Theatre, Moscou/Rússia
Estreia pela SPCD:  2012 │ Teatro Unesp, São Paulo/SP – Brasil

O Grand Pas de Deux de Dom Quixote é o momento do casamento de Kitri e Basílio, personagens principais dessa obra. Coreografado por Marius Petipa, o balé Dom Quixote é baseado num capítulo da famosa obra de Miguel de Cervantes, que narra as aventuras do barbeiro Basílio e seu amor por Kitri, a filha do taberneiro.

Coreografia: Eric Gauthier
Remontagem: Renato Arismendi
Narrador: William Moragas
Estreia mundial:2006 | Noverre Gesellschaft Stuttgart, Stuttgart/ Alemanha
Estreia pela SPCD: 2012

Ballet 101, de Eric Gauthier, é um solo de oito minutos que brinca com a dança clássica. Com base nas cinco posições do balé, o coreógrafo narra outras 96 possíveis variantes fazendo referência a coreógrafos como William Forsythe, George Balanchine, Glen Tetley, Marius Petipa, John Cranko e o próprio Eric Gauthier, e a balés consagrados como Romeu e Julieta e Onegin. “É um balé vibrante, que tem uma explosão no final”, comenta Renato Arismendi, remontador da obra. Essa é a primeira versão da obra com seu texto traduzido para o português.

Coreografia e figurinos: Marco Goecke
Música: Pierre Louis Garcia-Leccia (Ohimé – faixa Aka), Antony & The Johnsons (Another Word – faixa Shake That Devil)
Iluminação: Udo Haberland
Figurino: Madalena Machado (Arte & Cia)
Remontagem: Giovanni Di Palma
Duração/elenco: 19 minutos com 7 bailarinos
Estreia mundial:2009 | Scapino Ballet Rotterdam, Roterdã/Holanda
Estreia pela SPCD: 2011 | Teatro Alfa, São Paulo/SP – Brasil

Inspirado pelo fenômeno astronômico das supernovas – estrelas que explodem e brilham no espaço, Marco Goecke criou Supernova, uma coreografia de contrastes na qual a morte e a vida, escuro e claro, estão ligadas pela energia de cada corpo. Os bailarinos aparecem e desaparecem do palco misteriosamente e a movimentação é marcada por sequências muito rápidas, precisas e controladas que fazem os corpos vibrarem. Para Goecke, cada movimento pode acontecer somente uma vez. “Você pode fazê-lo cada vez mais rápido, então dificilmente ele vai existir no final”. A São Paulo Companhia de Dança foi a primeira companhia no Brasil a dançar uma obra de Marco Goecke.

Coreografia: John Cranko (1927-1973)
Música: Henryk Wieniawski (1835-1880), op.17 Legend, (1859)
Figurinos: Arte & Cia
Remontagem: Richard Cragun
Estreia mundial:1972 | Stuttgart Ballet, Munique/Alemanha
Estreia pela SPCD: 2011

Legend é um pas de deux neoclássico imortalizado por seus intérpretes, Márcia Haydée e Richard Cragun, que aborda o lirismo do amor entre um homem e uma mulher pela suavidade dos passos, confiança e entrega nos movimentos, e pelo desafio da fusão dos corpos em tênues equilíbrios. A coreografia de John Cranko teve como inspiração a túnica da lendária bailarina Galina Ulanova (1910-1998) recebida por Richard Cragum e dada a Márcia Haydée. A túnica utilizada por Ulanova foi o figurino usado por Márcia na estreia de Legend, em 1972. A música Legend, op. 17, utilizada por Cranko na coreografia foi composta em 1859 pelo violonista polonês Henryk Wieniawski, como uma confissão de amor a sua futura esposa Isabel Hampton. O filme The Turning Point (Momento de Decisão), de 1977, dirigido por Herbert Ross, traz um trecho dessa coreografia. A remontagem de Legend para a São Paulo Companhia de Dança é assinada por Richard Cragun.

Coreografia, palco e figurino: Marco Goecke
Música: The Firebird (Berceuse e Final), de Igor Stravinsky (1882-1971)
Desenho de luz: Udo Haberland | Implantação para a SPCD: Wagner Freire
Dramaturgia: Nadja Kadel
Remontagem: Giovanni Di Palma
Duração: 7 minutos
Estreia mundial: 2010 | Theater aan het Vrijthof , Maastricht/Holanda
Estreia pela SPCD: 2017 |Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

Concepção, coreografia, cenografia e figurinos: Jirí Kylián
Música: Sechs Deustsche Tänze KV 571, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Iluminação: Joop Caboort
Adaptação técnica: Erick van Houten
Execução de cenário e figurino: Fábio Brando (FCR Produções Artísticas)
Remontagem: Patrick Delcroix
Estreia mundial:1987 | Het Muziektheater Amsterdam, Amsterdã/Holanda
Estreia pela SPCD: 2010

Sechs Tänze é um trabalho que une dança e humor. O coreógrafo compôs seis peças aparentemente sem sentido que dialogam para protestar e fazer uma crítica aos valores vigentes à época em que as Sechs Deustsche Tänze KV 571, de Mozart, foram compostas. Nas palavras de Kylián: “A música de Mozart foi o principal elemento para a criação de Sechs Tänze. Ele deveria ser engraçado, porque entendia e sabia fazer humor. A música é muito importante em um balé, qualquer que seja ele. E nessa montagem ela é mais rápida do que a dança. Para dançar Sechs Tänze é preciso ser veloz e colocar uma máscara. É como ser e não ser você em determinados momentos. É como ser manipulado hoje, amanhã, ontem. Fingir querer ser. Ou não.”

Coreógrafa: Marie Chouinard
Música: Prèlude à L´après-midi d´un Faune, de Claude Debussy (1862-1818)
Iluminação: Alain Lortie
Figurinos: Marie Chouinard e Vandal e Luc Courchesne
Consultor de iluminação: François Marceau
Adaptação de iluminação: Wagner Freire
Direção artística: Isabella Poirier
Direção de ensaio: Carol Prieur
Remodelagem de figurino: Vandal
Ensaiador: Allan Falieri
Estreia mundial:1994 | Festival Danse Canada, Ottawa/Canadá
Estreia pela SPCD: 2010

Quando Stéphane Mallarmé (1842-1898) escreveu A Tarde de um Fauno, em 1876, ele queria escrever poesia para o teatro. Este poema foi o que inspirou Claude Debussy a compor Prèlude à L´après-midi d´un Faune, em 1894. Baseada no poema e com a música de Debussy, Vaslav Nijinsky (1889-1950) compôs sua primeira coreografia homônima, em 1912, em Paris. O trabalho era permeado pelo tom ritualístico e sensual e foi inspirado nos movimentos dos frisos gregos. A obra foi um escândalo para a época e chocou o público parisiense. Na primeira versão L’Après-midi d’un Faune (1987), Marie Chouinard partiu da observação das fotos de Adolphe de Meyer, da coreografia de Nijinsky. Em 1994, a coreógrafa incorporou a música de Debussy na obra. Marie se valeu da horizontalidade, da bidimensionalidade, da posição das mãos retas e dos pés em rotação interna. As sete ninfas da coreografia de Nijinsky aqui se tornam luz, que aparecem e desaparecem na cena.

Coreografia: George Balanchine (1904-1983)
Música: Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1983), op. 55, Movimento final da Suíte nº3 para orquestra em G Maior
Figurino: Tânia Agra
Remontagem: Ben Huys
Estreia mundial: 1947 | City Center of Music and Drama, Nova York/Estado Unidos
Estreia pela SPCD: 2010

Theme and Variations evoca o período de florescimento da dança clássica. O movimento final da Suíte nº3 consiste em 12 variações. No início, 12 bailarinas e um casal principal apresentam os temas que serão retomados ao longo da coreografia. A obra exige muito dos intérpretes, pois como todas as obras de Balanchine, o vigor técnico, a leveza, a força, habilidade nos desequilíbrios e virtuosismo são necessários. No desenrolar da obra, o casal intercala sua participação com o corpo de baile e a obra termina com uma grande polonaise para 26 bailarinos. A apresentação de Theme and Variations, um Ballet Balanchine® é feita mediante acordo com a The George Balanchine Trust e foi produzida de acordo com os padrões do Balanchine Style® e Balanchine Technique®, estabelecidos e fornecidos pela Trust.

Coreografia: George Balanchine (1904-1983)
Música: Piotr Ilyitch Tchaikovsky (1840-1893)
Figurino: Barbara Karinska
Remontagem: Ben Huys
Estreia mundial: 1960| City Center of Music and Drama, Nova York/Estados Unidos
Estreia pela SPCD: 2009

A coreografia de George Balanchine é uma obra de oito minutos que mescla técnicas clássicas e neoclássicas, num tributo ao balé romântico. A bailarina dança brincando com o eixo vertical, com especial domínio do equilíbrio e do desequilíbrio. Para os homens, o desafio está na combinação de difíceis rotações, na velocidade dos movimentos e nos grandes saltos. A apresentação de Tchaikovsky Pas de Deux , um Ballet Balanchine®, é feita mediante acordo com a The George Balanchine Trust e foi produzida de acordo com os padrões do Balanchine Style® e Balanchine Technique®, estabelecidos e fornecidos pela Trust.

Coreografia: Nacho Duato
Música: Hassan Hakmoun, Adam Rudolph, Juan Alberto Arteche, Javier Paxariño, Rabih Abou-Khalil, Velez, Kusur e Sarkissian
Iluminação: Nicolás Fischtel
Figurino: Luis Devota e Modesto Lomba
Remontagem: Hilde Koch e Tony Fabre (1964-2013)
Organização e produção original: Carlos Iturrioz Mediart Producciones SL (Espanha)
Duração/elenco: 23 minutos com 14 bailarinos
Estreia mundial: 2005 | Harris Theater for Music and Dance, Chicago/Estados Unidos
Estreia pela SPCD: 2009 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP – Brasil

Gnawa é uma peça que utiliza os quatro elementos fundamentais – água, terra, fogo e ar – para tratar da relação do ser humano com o universo. A obra apresenta o reiterado interesse de Nacho Duato pela gravidade e pelo uso do solo na constituição de sua dança. Os gnawas são uma confraria mística adepta ao islamismo, descendentes de ex-escravos e comerciantes do Sul e do centro da África, que se instalaram ao longo dos séculos no norte daquele continente.

Coreografia: George Balanchine (1904-1983)
Música: Piotr Ilyitch Tchaikovsky (1840-1893), Serenade for Strings in C, op. 48 (1880)
Iluminação: Roland Bates
Adaptação de iluminação: Wagner Freire
Figurinos: Barbara Karinska
Execução de figurinos: Arte & Cia.
Remontagem: Ben Huys
Estreia mundial:1935 | Adelphi Theater, Nova York/Estado Unidos
Estreia pela SPCD: 2008

Serenade foi criada por George Balanchine para a estreia da School of American Ballet. O trabalho partiu de exercícios que procuravam demonstrar a seus alunos quais as diferenças fundamentais entre o bailado em sala de aula, e a dança apresentada no palco. À peça, o coreógrafo incorporou formações incomuns, como um grupo de dezessete ou cinco bailarinas; e incidentes, como atraso de uma delas, o gesto que outra fizera para se proteger do sol, e a queda de uma terceira, para renovar a tradição da dança clássica.

Coreógrafa: Bronislava Nijinska (1891-1972)
Música: Igor Stravinsky (1882-1971)
Figurino e cenário: Natalia Gontcharova (1881-1962)
Execução de figurinos: Fábio Brando (FCR Produções Artísticas)
Ensaiadora convidada: Suzana Mafra
Remontagem: Maria Palmeirim
Estreia mundial: 1932 | Théâtre de la Gaîté, Paris/França
Estreia pela SPCD: 2008

A partir de um casamento tradicional de camponeses russos apresentado em quatro movimentos, Les Noces se constitui num marco de inovação artística, por sua peculiar geometria de movimentos e sua austeridade cênica, aliadas à originalidade da composição de Stravinsky. Ao lado de sua relevância cultural, como primeiro balé cujo enfoque se dá através do olhar feminino, Les Noces incorpora à dança o movimento de ruptura inovadora do modernismo ao utilizar rituais nupciais da Rússia antiga para explorar as possibilidades do corpo de baile e trazer novos acentos à linguagem clássica. Nijinska desenha com os corpos linhas e formas abstratas, no espírito do construtivismo. A abstração sóbria de sua coreografia se funde à profunda e solene abstração da música de Stravinsky.