Criações

Coreografia: Joëlle Bouvier
Músicas: Lucas Warin (criação e produção) com músicas de Alfred Schnittke (1934–1998); Percussion Brazil, Lucas Warin, Francisco Canaro (1888–1964), Ivo Pelay (1893–1959); Octavio Barbero (n/d–1948), Carlos Pesce (1901–1975); Johann Sebastian Bach (1685–1750); Giya Kancheli (1935–2019) Luiz Bonfá (1922–2001) e Antonio Maria (1921–1964).
Figurino: Fábio Namatame
Iluminação: Caetano Vilela
Duração: 30 min
Elenco: 11 bailarinos
Pré-estreia: 2026 | Teatro Municipal José de Castro Mendes, Campinas – SP
Estreia: 2026 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo – SP

Após o sucesso nacional e internacional de Odisseia, Joëlle Bouvier cria sua segunda obra para a São Paulo Companhia de Dança. Em O Som da Chuva, a coreógrafa constrói um percurso poético sobre estados emocionais provocados pelo amor, a partir de figuras femininas marcadas pelo desejo, pela memória e pela metamorfose. Inspirada pela potência dos bailarinos da SPCD e pela força da natureza brasileira, a criação apresenta quadros cênicos conduzidos pelos movimentos e pela presença dos intérpretes. Elementos simples — como balões, tecidos, objetos cotidianos e um antigo gramofone — compõem um universo visual delicado e onírico. A trilha sonora reúne trechos de obras de Alfred Schnittke (1934–1998), Johann Sebastian Bach (1685–1750), Gija Kancheli (1935–2019), Francisco Canaro (1888–1964), Juan d’Arienzo (1900–1976), Luiz Bonfá (1922–2001),  Antonio Maria (1921–1964)  e Lucas Warin. Paisagens sonoras de tempestade, vento, chuva e pássaros ampliam a dimensão sensorial da cena e conduzem atmosferas que transitam entre melancolia, humor, delicadeza e intensidade dramática. Os figurinos leves e sobrepostos assinados por Fábio Namatame, em diálogo com a iluminação de Caetano Vilela, reforçam o ambiente poético e imaginativo da cena. Sem recorrer a uma narrativa linear, a obra aproxima abstração, teatralidade e poesia visual, percorrendo estados entre sonho, memória, transformação e imaginação.

Coreografia: Sérgio Galdino
Musicas: Femme Fatale, de Travis Lake; Quilombo Groove, de Chico Science; Risoflora; de Chico Science; Subúrbio Soul, de DJ Dolores; Côco Dub, de Chico Science e Lúcio Maia; Samba Makossa, de Chico Science; e Maracatu Atômico, de Jorge Mautner e Nelson Jacobina.
Montagem e edição de trilha sonora: Ruan Levy
Figurino: Cássio Brasil
Assistente de Figurino: Bartira Davis
Iluminação: Mirella Brandi
Duração: 15min e 41seg
Elenco: 7 bailarinos
Estreia: 2026 | Estação Motiva Cultural, São Paulo – SP

ATÔMICO nasce da efervescência cultural nordestina e tem como ponto de partida o maracatu de baque virado, expandindo-se em camadas sonoras que dialogam com a música eletrônica. Essa fusão circula entre o manguebeat, o rock, o hip-hop e pulsos eletrônicos, criando conexões entre universos distintos e afirmando a miscigenação como força estética e política. O corpo torna-se território de inscrição dessa energia híbrida, onde tradição cultural e contemporaneidade tecnológica se encontram em constante transformação.

Coreografia: Letícia Forattini
Músicas: Senhor Carangeju, de Xique-Xique; Return to Oneness, de Kev Thompson; e Espelho Prata, de Kurup
Figurino: Cássio Brasil
Assistente de Figurino: Bartira Davis
Iluminação: Mirella Brandi
Duração: 16 min
Elenco: 8 bailarinos
Estreia: 2026 | Estação Motiva Cultural, São Paulo – SP

Inspirada nos processos criativos e nas salas de ensaio, play!ground propõe a cena como um espaço aberto à experimentação e ao encontro. Entre rigor técnico e disponibilidade ao jogo, a obra celebra a liberdade criativa, a escuta e o brincar como motores da dança. Com sonoridade brasileira, a criação afirma o corpo como chão — lugar de sustentação e, ao mesmo tempo, de impulso para o voo, a expressão e a transcendência.

Coreografia: Christine Ceconello
Assistente de coreografia: Irupé Sarmiento
Músicas: Nieve Pertinentes 1, Thomas Köner; Umgewissheit im Sinus, Alva Noto; O Matador, Sepultura, trilha de Lisbela e o Prisioneiro, Compositores: João Falcão & André Moraes
Figurino: Cássio Brasil 
Iluminação: Mirella Brandi

Inspirada na teoria da identidade líquida de Zygmunt Bauman, esta criação, para Christine, reflete sobre os efeitos da hiperconectividade, do controle algorítmico e da fragmentação do sujeito na contemporaneidade. Em Rostos à Deriva, os bailarinos representam um sistema automatizado de corpos que se movem como um organismo coletivo, por vezes mecânico e repetitivo. Um intérprete central vivencia uma jornada física em que seus movimentos são constantemente redirecionados por um “quebra-cabeça coreográfico” construído ao seu redor. Ele acredita estar fazendo escolhas autônomas, mas, sutilmente, é conduzido pelo grupo. Sua individualidade vai se diluindo, até que outro corpo desperta e rompe com a lógica automatizada, reabrindo a possibilidade de reconexão com o humano. A obra propõe um campo coreográfico fluido, instável e controlado, onde identidade e liberdade são tensionadas pela presença invisível dos algoritmos.

Coreografia: Willer Rocha
Assistente de coreografia: Mirko Ingrao
Dramaturgia: Mirko Ingrao
Músicas: The Ocean, de Linnea Olsson. Lachrimae, composição de Bryce Dessner; interpretação de Copenhagen Phil sob a regência de Andre de Ridder. The Wider Sun, de Jon Hopkins
Figurino: Cássio Brasil 
Iluminação: Mirella Brandi
Estreia: Estação Motival Cultural, São Paulo – SP

Uma experiência coreográfica poética e bem-humorada que celebra a intensidade do calor, a delicadeza do corpo e a potência da conexão humana. Inspirada no universo simbólico da sauna, LÖYLY mergulha em rituais de purificação, contrastes térmicos e estados de presença que despertam corpo e espírito. A palavra löyly, como observa Willer, vem do finlandês e nomeia o vapor que sobe quando a água toca as pedras incandescentes — mais do que simples vapor, löyly carrega um significado ancestral e espiritual: é um sopro de renovação, transcendência e comunhão. A coreografia atravessa paisagens sensoriais: o despertar ritual, a intimidade do calor partilhado, a presença mítica do mestre do vapor, o impacto revigorante do mergulho frio e o retorno meditativo. Uma jornada que transforma, aquece e reconecta. Um mergulho profundo na carne e no espírito, onde suor, contato e fôlego se tornam signos de nossa passagem.

Coreografia: Yoshi Suzuki
Música: 10 Lo schiavo, Activ Preludio. Sonata para Cordas – III – Largo – Adagio Lento e Calmo, composição de Antônio Carlos Gomes, versão com a Orquestra Ouro Preto, com regência de Silvio Viegas. Salvator Rosa – Sinfonia (Overture), composição de Carlos Gomes, versão com a Minas Gerais Philharmonic Orchestra & Fabio Mechetti.
Figurino: Tatiana Dal Paschoale / Laviendanse
Iluminação: Pedro de Christo
Bailarinos: 11
Duração: 14 minutos e 44 segundos
Pré-estreia: 2025 | Fábrica de Cultura Diadema, Diadema, SP
Estreia: 2025 | Estação Motiva Cultural, São Paulo, SP

Alvorada é uma ode ao recomeço, onde o frescor do amanhecer se traduz em renovação e continuidade. Mesmo ao estrear sua carreira como coreógrafo, o expressivo bailarino Yoshi Suzuki – que integra o elenco da SPCD desde sua criação – continua dançando com paixão, mantendo viva a essência que sempre o impulsionou. Nesta obra, criada para os colegas da São Paulo Companhia de Dança, o suave deslizar da manhã convida o corpo e a alma a sentir cada emoção à flor da pele. 

Alvorada não celebra apenas um novo capítulo, mas também uma opção de continuidade ao reafirmar a trajetória de um artista que se reinventa, sem jamais abandonar sua paixão pelo movimento.

Esta criação integra o Programa de Desenvolvimento das Habilidades Futuras do Artista da Dança (PDHFAD) – Ações para Bailarinos – Transição de Carreira, que estimula o corpo artístico da SPCD a experienciar diferentes possibilidades de carreiras no ecossistema da dança.

Concepção, coreografia e dramaturgia: Michael Bugdahn e Denise Namura
Composição da música original, trilha sonora e texto: Michael Bugdahn
Músicas adicionais: Manyfingers, Arcade Fire (Peter Gabriel)
Locutores (voz off): Mario Spaziani (português), Jean-Damien Fleury (francês), Jörg Schnass e Doris Streibl (alemão)
Vídeos: Doves and Noise e INDU 02, de Stefan Kranefeld – em versões modificadas
Vídeo adicional: Olhar, de Michael Bugdahn
Iluminação: Caetano Vilela
Figurinos: Fábio Namatame
Apoio: Centre National de la Danse, Pantin (prêt de studio) e La Ménagerie Technologique (Sophie Colin, Bertrand Manuel)
Bailarinos: 14 
Duração: 28 minutos
Estreia: 2025 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo, SP

Quem sou eu? E, se sim, quantos? É muito fácil perder-se em nosso mundo moderno, com todos os seus saberes, conhecimentos e um acesso quase ilimitado a uma infinidade de informações — um mundo em que os recursos naturais se tornam cada vez mais escassos e os relacionamentos cada vez mais superficiais. Como construir-se, forjar uma identidade própria e autêntica, em um contexto pouco favorável ao indivíduo, mas que, paradoxalmente, glorifica o “eu” — ainda que tente padronizá-lo? Como lidar com essa contradição sem negar nossas origens e particularidades, valorizando nossas diferenças? A velha pergunta “De onde venho e para onde vou?” continua atual. Como projetar-se não apenas em um futuro incerto, mas na realidade concreta da vida presente? Após o colapso das utopias, em uma época regida por um realismo extremo e suas restrições, o simples ato de sonhar tornou-se um gesto de resistência. Talvez seja hora de sonhar novamente. Sonhar uma utopia individual — e fazer com que ela não seja uma ilusão em um lugar inexistente, mas uma realidade possível, aqui e agora, em algum canto desses múltiplos mundos em que habitamos. “Não podemos deixar de agradecer algumas pessoas que foram – e são – essenciais para o desenvolvimento do nosso trabalho, não apenas aqui, mas ao longo de tantos anos, como Stefan Kranefeld, Doris Streibl, Genny Patah Namura, Harald Schwarzer, Jean-Damien Fleury, Jörg Schnass, Monika Bugdahn e Silvia Namura Dias”, reforçam os coreógrafos.

be yourself – everyone else is already taken é a primeira obra de Michael Bugdahn e Denise Namura para a São Paulo Companhia de Dança.

Coreografia: Carlos Pons Guerra
Músicas: Tanga, Albúm: A man & his music: El Padrino | Intérprete: Machito | Compositor: Mario Bauza; La familia de Glória, Álbum: Almodóvar Early Films (Original Motion Picture Soundtrack) | Intérprete: Bernardo Bonezzi by Altafonte | Compositor: Bernardo Bonezzi; Ilariê, Albúm: Xuxa em Espanhol | Compositor: Cid Guerreiro, Dito, Ceinha; Bachianas brasileiras No. 5, W 389: I. Ária, Álbum: Villa-Lobos: Bachianas brasileiras No. 5, W 389: I. Ária –  Sibélius: Lounnotar,  Op. 70 – Ravel: Shéhérazade ℗ Sony Classical | Intérprete: Carl Stern, Leonard Bernstein, Netania Davrath, New York Philharmonic | Compositor: Heitor Villa-Lobos Manuel Bandeira Ruth Valadares Corréa; Chancha Via Circuito  – Ilaló (Ft. Mateo Kingman), Álbum: Bienaventuranza  | Intérprete: Chancha Vía Circuito · Mateo Kingman ℗ 2018 | Compositor: Pedro Canale; Herbie MannMachito & His Afro Cubans, Álbum: Mozamba | Intérprete: Herbie MannMachito & His Afro Cubans | Compositor: Herbie Mann;Lamento Borincano, Intérprete: Chavela Vargas | Compositor: Rafael Hernandez; Arrastran el cadáver (From “Volver”), Albúm: Volver (Banda Sonora Original) | Intérprete: Alberto Iglesias | Compositor: Alberto Iglesias; Los Pastores, Álbum: Bienaventuranza  | Intérprete: Chancha Vía Circuito · Mateo Kingman ℗ 2018 | Compositor: Pedro Canale                     
Figurino: Fernanda Yamamoto
Iluminação: Wagner Freire
Bailarinos: 10
Duração: 35 min e 30 seg
Pré-Estreia: 2025 | Teatro Municipal Manoel Lyra, Santa Bárbara D’Oeste, SP – Brasil
Estreia: 2025 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo, SP – Brasil

Em sua primeira criação para a São Paulo Companhia de Dança, o espanhol Carlos Pons Guerra traz ao centro do palco uma história sobre beleza, resistência e desequilíbrio ambiental. Vistosos flamingos dominam a cena para expor, com ironia e lirismo, as tensões entre espetáculo e natureza. Inspirado por memórias da infância nas Ilhas Canárias e combinando movimentos clássicos, contemporâneos e inspirados no reino animal, com uma performance marcadamente teatral, o coreógrafo transforma o palco em um espaço onde a vida selvagem performa para nos entreter — enquanto silencia, esgota e adoece. Com figurinos de Fernanda Yamamoto, que evocam texturas e volumes inspirados nas plumagens; iluminação de Wagner Freire, que alterna brilhos e sombras; e trilha sonora que flutua entre o lirismo, o vaudeville e a exuberância, A Vingança do Flamingo é uma obra profundamente sensível, que confronta a crueldade velada por trás do tema e convida à empatia — com o planeta, com os animais, com tudo o que ainda pode resistir.

Coreografia: George Céspedes
Assistência de Coreografia: Aymara Rodrigues
Músicas: Trilha original de George Céspedes; Count To Six And Die (The Vacuum Of Infinite Space Encompassing), de Marilyn Manson e John Lowery, The Golden Age Of Grotesque, de Brian Warner e Tim Skold, ambas interpretadas por Marilyn Manson; Candil De Nieve, de Raúl Torres, interpretada por Pablo Milanés.
Figurino: Marco Lima
Iluminação: André Boll
Pré-estreia: 2025 | Teatro Barueri Praça das Artes, Barueri, SP
*Atenção: a obra apresenta cena com efeito estroboscópico que pode afetar espectadores fotossensíveis.

Ataraxia é uma palavra de origem grega que significa ausência de perturbação. No estoicismo, é o conceito central que sugere que a dor não está na mudança, mas na resistência a ela. Busca-se, assim, um estado de serenidade imperturbável, no qual a mente se mantém em equilíbrio diante das adversidades. Nesse jogo entre controle e entrega, constrói-se a nova criação de George Céspedes para a São Paulo Companhia de Dança, que leva o mesmo nome.

Esta é a primeira obra de Céspedes para uma companhia brasileira. Reconhecido por seu estilo único, que combina dança com elementos geométricos e matemáticos, o coreógrafo — um dos grandes nomes da dança contemporânea global — desenha grandes formas no palco por meio do movimento coordenado de grupos de bailarinos, adicionando contrastes dinâmicos e emocionais à narrativa.

A iluminação realça a precisão dos movimentos e intensifica as atmosferas criadas, potencializando as emoções. Já os figurinos, inspirados em roupas de rua, dialogam com a contemporaneidade, proporcionando liberdade de movimento e expressão individual, além de contribuir para o aspecto urbano e vibrante da obra.

Coreografia: Alex Soares
Músicas: Matais de Incêndios, anônimo, interpretado por Vox Brasiliensis e Ricardo Kanji; Partita for 8 voices, No.4 Passacaglia, Caroline Shaw, interpretada por Brad Wells e Roomful of Teeth; Final Parade, Felix Rösch; Obstacle Course, Christophe Zurfluh
Figurino: Cassiano Grandi
Iluminação: Wagner Freire
Estreia: 2024 | Sesc Guarulhos, Guarulhos – SP

Coreografia: Leilane Teles
Músicas: Grupo krahó, de Indios Krahó, interpretada por Marlui Miranda; Pasha Dume Pae, de Amazon Ensemble; Canto da liberdade, de Akaiê Sramana, interpretada por Akaiê Sramana; Tchori Tchori feat. Uakti, de Marlui Miranda e Índios Jaboti de Rondônia, interpretada por Marlui Miranda, Rodolfo Stroeter, Uakti; Mae Inini (The Power of the Earth), de Amazon Ensemble; Tamburim, de Josy.Anne; Kworo Kango, de Canto Kaiapó, interpretada por Berimbaobab Brasil.
Produção Musical: Fernando Leite
Iluminação: Gabriele Souza
Figurino: André von Schimonsky
Assistente de Figurino: Wellington Araújo
Aderecista: Satie Inafuku
Consultores para Assuntos Indígenas: Cristiane Takuá e Carlos Papá Mirim Poty
Duração: 19 minutos
Pré-Estreia: 2024 | Teatro Municipal Manoel Lyra, Santa Bárbara D’Oeste – SP

Coreografia: Jomar Mesquita
Assistente de coreografia: Rúbia Frutuoso
Músicas: Poema Saudades, de Arnaldo Antunes; Assum Preto, de Luiz Gonzaga e Humberto Teixeira (intérprete: Jorge Du Peixe); Fim de Festa, de Itamar Assumpção (intérpretes: Naná Vasconcelos e Itamar Assumpção); Carinhoso, de João de Barro e Pixinguinha (intérprete: Elza Soares); Como 2 e 2, de Caetano Veloso (intérpretes: Arnaldo Antunes e Vitor Araújo); Samba da Benção, de Baden Powell e Vinícius de Moraes (intérprete: Maria Bethânia); Avisa, de Tato (intérprete: Cida Moreira); Juízo Final, de Elcio Soares; Nelson Cavaquinho (intérprete: Arnaldo Antunes); Manhã de Carnaval, de Luís Bonfa e Antônio Maria (intérpretes: Jean Pascal Quiles, Louis Quiles e Nelly Decamp); vozes dos bailarinos do elenco.
Figurino: Agustina Comas
Iluminação: André Boll
Estreia: 2024, Teatro Sérgio Cardoso | São Paulo – SP

Qual é a sensação que fica após cessado o estímulo? Os mínimos e mais sutis, os dolorosos ou longevos. O som da gangorra, o cheiro do café da avó, toques, as imagens que parecem permanecer ou persistir. Aqueles que gostaríamos de guardar em uma cristaleira, em um relicário. E como nos transformamos quando tais estímulos deixam de ser reais, mas persistem na nossa cristaleira interior… Yoin.

Ao revisitar as referências usadas para criar a obra Mamihlapinatapai – primeira criação de Jomar Mesquita para a São Paulo Companhia de Dança – o coreógrafo se deparou com outra conotação do significado dessa palavra tão instigante: aquele momento de reflexão em volta do fogo, após os avós transmitirem suas histórias e conhecimentos para os mais jovens. Ou seja, mais uma vez: a sensação que fica após cessado o estímulo.

“E o que fazemos com o que ficou, com as nossas ancestralidades, perdas, gozos, suspiros, arrepios, dores… que guardamos no nosso relicário: Yoin. Essa nova criação nos faz retornar, portanto, ao início desse meu encontro com esses artistas e refletir sobre as sensações que ficaram em nós e as que deixamos no público. O que ficou das experiências passadas de cada um, das nossas ancestralidades, quais legados nos foram transmitidos e por nós embalados. Nos transformamos em novas versões de nós mesmos, após cessados os estímulos que nos perpassaram ou nos atravessaram”, conta Jomar.

A trilha sonora metaforiza esse universo, com versões de músicas cujas interpretações originais marcaram o cenário musical brasileiro e o que elas se tornaram após transformadas por novos olhares. O figurino utiliza o upcycling em uma analogia com as novas e melhores versões que podemos criar de nós mesmos a partir dos resíduos das experiências vividas, que guardamos nas nossas cristaleiras interiores. A iluminação simboliza a fogueira de forma contemporânea, em volta da qual os saberes e ancestralidades são transmitidos para nos transformar. Yoin também diz da própria dança que, com sua efemeridade, deixa suas marcas e sensações, após fechadas as cortinas… para o público embalar nos seus relicários.

Coreografia e Iluminação: Henrique Rodovalho
Música: Obatalá, escrita por Kiko Dinucci, interpretação e produção de Metá Metá
Figurino: Fábio Namatame
Elenco: 7 bailarinas

Essa obra é uma releitura de ‘Desassossegos’, também de Henrique Rodovalho.

Esta coreografia trata do olhar de cada uma das sete bailarinas, de como cada uma se sente e se apropria diante deste singular momento de movimentos e música, construído, inicialmente, pelo olhar do coreógrafo. E a partir dessa construção, provocar o olhar de cada espectador, convidando-o a fazer suas próprias escolhas e criar suas impressões genuínas sobre este instante efêmero e intenso, que se desdobra diante dos seus olhos, diante de cada olhar.

Coreografia: Beatriz Hack
Músicas: Boi nº1, Foli Griô Orquestra com Cacau Amaral; Nordavindens Klagesang, de Vàli; Giardini Di Boboli, de Manos Milonakis feat. Jacob David e Grégoire Blanc; Encruzilhada, de Tulio; e Marie, de Cristobal Tapia De Veer – mixagem por Renan Lemos
Figurinos: Balletto
Duração/Elenco: 14 minutos e 44 segundos com 7 bailarinos
Pré-Estreia pela SPCD: 2024 | Teatro Municipal de Itapevi, Itapevi/SP

Casa Flutuante, primeira criação de Beatriz Hack para a São Paulo Companhia de Dança, revela diferentes conceitos de “casa” e suas impermanências, na cena. Conduzidos por uma trilha sonora eclética, o elenco flutua entre os movimentos propostos pela coreógrafa e desenvolvidos a partir da experiência pessoal de cada um. Os movimentos individuais e de grupo exploram as relações humanas e interpessoais. Vivemos um momento de fluxo contínuo de informações, sem tempo para reflexões sobre a profundidade da nossa existência. Para isso, é preciso aterrarmos, voltarmos para casa – seja ela um espaço físico, o corpo humano ou o planeta Terra”, reflete Beatriz.

Coreografia e iluminação: Stephen Shropshire
Música: Symphony no 8: IV: Finale de Anton Bruckner (1824-1896)
Figurino: Fabio Namatame
Duração/Elenco: 22 minutos com 10 bailarinos
Pré-estreia: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP

“The Eighth” é resultado de uma parceria entre o Dutch Performing Arts Program, do Performing Arts Fund NL, da Holanda, e a Associação Pró-Dança, São Paulo Companhia de Dança. É também uma co-produção do Bruckner Festival e apoio do Governo Holandês.

Desde 2020, Stephen Shropshire é coreógrafo residente da São Paulo Companhia de Dança, para quem já criou: Rococó Variations (2020), Marmórea (2021) e Partita (2022). Juntos, esses trabalhos revelam uma linha de pesquisa que começou com a (re)investigação de Shropshire sobre a técnica do balé clássico, a fim de descobrir novas maneiras de pensar e se envolver com seu processo coreográfico. Em The Eighth (2024), ele oferece ao público uma nota de rodapé a estes três trabalhos distintos, porém interligados. Shropshire cria esta obra ao som da Oitava Sinfonia, de Anton Bruckner (1824-1896), uma composição emocionante, assim como disse o jornalista musical Tom Service, “que não pode ser explicada pelas regras e regulamentos musicais; em vez disso, sua ‘forma’ é fenomenológica e é algo você precisa experimentar”.

Coreografia: Lucas Valente
Músicas: Em Transe, de Cadu Tenório & Márcio Bulk na voz de Lívia Nestrovski; Fragmentos, de Cadu Tenório e Afterglow, de Rival Consoles
Iluminação: Nicolas Marchi
Figurino: UMA – Raquel Davidowicz
Duração/Elenco: 15 minutos com 3 bailarinos
Estreia: 2023 | Sesc Guarulhos, Guarulhos, SP

Baseado em duas facetas essenciais do sal – a física e a energética – a coreografia de Lucas Valente – que foi bailarino da São Paulo Companhia de Dança – explora movimentos que capturam sua textura, sua natureza áspera, seca e afiada, buscando uma sensação de intensidade e vigor. A obra explora ideias de como seria uma dança salgada na busca uma fisicalidade energética, saborosa, eficaz e ágil. “Nos deparamos com uma dualidade inerente ao sal, que se dissolve e se coordena na água, encontrando uma capacidade de fluidez quase ambígua quando em combinação, se transforma e adapta”, fala o coreógrafo. A exploração da riqueza de significados e ideias associadas ao sal na cultura brasileira, que se expressam desde os rituais de banhos de sal grosso, presentes em diversas tradições espirituais, até as manifestações culturais, como o maracatu de baque solto, que utilizam o sal como parte de sua dança em gesto de oferenda e conexão com a terra também estão presentes na coreografia. Esse elemento ritualístico rege a peça, que busca compartilhar uma experiência sensorial, combinando uma narrativa física e uma narrativa conceitual à poderosa energia do sal e à rica diversidade cultural do Brasil.

Concepção e coreografia: Goyo Montero
Música: Igor Stravinsky
Cenografia: Curt Allen Wilmer e Letícia Gañán
Figurinos e Bonecos (infláveis e marionetes): Salvador Andujar
Iluminação: Nicolas Fischtel
Assistente de Coreografia: Igor Vieira
Organização (Espanha): Carlos Iturrioz
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Execução de Figurinos: Fabio Namatame
Consultoria para Construção e Manipulação de Bonecos: Beto Andreetta
Execução de Infláveis e Pintura de Arte: Carlos Delfino
Execução de Máscaras e Marionetes: Dino Soto
Duração/Elenco: 35 minutos / 14 bailarinos 

© GOYO MONTERO, todos os direitos reservados

Um dos balés mais populares do cenário mundial, estrelado por Vaslav Nijinsky, em 1911, Petroushka, conta a história de amor e ciúme de três bonecos que ganham vida. Este é o tema da mais nova criação do coreógrafo espanhol Goyo Montero para a São Paulo Companhia de Dança. Nesta releitura inédita, bonecos infláveis gigantes ganham novos contornos – Petroushka, Bailarina e Lutador  –, contam esta história de amor, morte, alegria, tristeza, rejeição e manipulação. Petrushka ama a Bailarina, mas ela prefere o Lutador, que mata Petrushka, cujo fantasma aparece quando a noite cai. “É um teatro dentro de outro teatro, para que eu possa contar essa história de diferentes perspectivas”, fala o coreógrafo. Essa é segunda montagem de Goyo Montero para a SPCD, para quem já criou ‘Anthem’ (2019).

Coreografia e figurinos: Shahar Binyamini
Assistente de coreografia: Yotam Baruch
Músicas: Le Tombeau de Couperin, M. 68: III Forlane and V Menuet, by Maurice Ravel; Blade Runner, by Hans Zimmer and Benjamin Wallfisch; and Hard to Tell, by Andy Stott and Alison Skidmore
Execução de figurinos: Cris Driscoll
Duração: 24 minutos
Estreia: 2023 | Teatro Sérgio Cardoso, São Paulo/SP

‘I’ve Changed My Mind’, criada pelo israelense Shahar Binyamini, especialmente para a São Paulo Companhia de Dança, questiona sobre quem somos como humanos, animais, almas e entidades. O título traduzido como “Eu Mudei de Ideia”, está ligado ao processo de criação artístico na sala de ensaio, sendo que em alguns momentos precisamos renunciar a alguns conceitos e abraçar o que é incógnito. Na cena, para que os intérpretes se mantenham presentes, eles buscam uma conexão consigo mesmos, e ao mesmo tempo, se conectam com o todo percebendo-o como parte de um único corpo. “Nós não estamos mais ‘lá’ (no passado) e sim ‘aqui’ (no presente) e isso nos permite a liberdade de não sermos responsáveis por tudo, e sim, pelo que a própria situação nos pede”, fala o coreógrafo. Este dinamismo proposto pela obra é um convite para que o público abra espaço dentro de si – respeitando sua singularidade – e vá ao encontro do que o coreógrafo nomeia como “o frescor da mudança”: uma energia de troca constante entre os intérpretes e a plateia.

Coreografia: Lili de Grammont
Músicas: de Ed Côrtes, com canções – Você é Doida Demais, Vou Rifar Meu Coração e Linda, de Lindomar Castilho
Iluminação: Caetano Vilela
Figurino: Cláudia Schapira
Estreia: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP

Coreografia: Arilton Assunção
Assistente de coreografia: Henrique Duarte e Samuel Elias Rodrigues
Músicas: Teia de Renda, de Milton Nascimento e Túlio Mourão e Evocação das Montanhas, de Henrique de Curitiba
Mixagem de trilha: Lucas Romualdo
Iluminação: Caetano Vilela
Figurino: Cláudia Schapira
Estreia: 2023 | Centro Cultural São Paulo, São Paulo/SP